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Gepe: Electro Pop Andino

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De Gepe ya se conoce lo suficiente como para evitar repetir las introducciones de siempre. Su amistad con  Javiera Mena, sus años en Taller Dejao, su inicio como músico under de esa corriente neo folk que ha abrazado por años el circuito chileno, o su veta más pop desde “Audiovision” (2010).

Lo de Gepe, más que modas, colores, y fotografías dignas de American Apparel, es la evolución de su propio género, de su propio sonido, uno que ha mezclado gracias a dos vertientes lo suficientemente extremas, para dar como resultado un pop que se puede identificar como chileno, una iconografía de sonidos altiplánicos trazados con elementos foráneos.

En sus inicio de “5×5” (2004) y luego “Gepinto” (2005), cuando llamó la atención de la televisión por un extraño parecido timbrístico con Victor Jara, Gepe hacía canciones que venían aún con la firma de Taller Dejao, más en la composición lírica que en la rítmica, ya que en esta última se hizo más austero en cuanto a revoluciones y abogó más por un sonido en extremo dulce, acústico, muy íntimo y de raíces muy folclóricas. Desde la imposición del silencio de “Nahuel” y “La Escalera”, a la veta más nueva canción chilena de “Namás”, y “La Enfermedad de los Ojos”. Con “Hungría” (2007), producido por Vicente Sanfuentes, Gepe comienza de a poco a amasar un sonido propio. De estética más moderna, con elementos más electrónicos, pero nunca dejando sus letras con historias y relatos que mezclan magia altiplánica con urbanismo. Una de las sorpresas de ese disco sería “No Te Mueras Tanto”, canción impensada en la etapa de “Gepinto”. La introducción de otro idioma y la atmósfera electrónica entramada a la perfección con la cuasi tonada de “357”, o las última referencias a “Gepinto” en “8tema”, y sus fraseos que emulan a los cantantes folklóricos de la zona central. Hungría sería la introducción a esa facilidad que tiene Gepe para crear discos con estilos aleatorios y extremos. También comienza la amistad musical e inclusión de Pedro Piedra, quien se ha convertido en un elemento más que simplemente agregado a la música de Gepe.

“Audivisión” (2010) vendría siendo el momento de maduración, y de confirmar lo hecho años anteriores. El momento de mostrarse fuera de nuestras fronteras. El momento de adquirir el porte de lo que es uno de los compositores más talentosos, no sólo de la camada dosmilera chilena, si no más allá de nuestros límites, por qué no decirlo, a nivel latinoamericano. Aunque nada de esto es casualidad. Por primera vez, el trabajo de Gepe recaería en Cristian Heyne, uno de los productores más connotados del circuito nacional. El mismo que le daría vida a “Música, Gramática, Gimnasia” (2010) de Denver y a “Mena” (2011) de Javiera Mena. Una suerte de rey Midas indie.

“Audiovisión” muestra una gama interesante de composiciones. Instrumentalmente introduce distintos timbres, elementos más barrocos como cornos franceses y cuartetos de cuerdas, así como también la inclusión de “Amigos, Vecinos”, canción en su totalidad acústica que sólo utiliza palmas y una nota basal de piano. También se hace más evidente la cruza entre sonidos altiplánicos y electrónica moderna. Esos sonidos que uno fácilmente podría encontrar en el electroclash, como en “Alfabeto” o “La Bajada”. O el pop más bailable de “12 Minerales” y “Por La Ventana”. Audiovisión también contaría con sus ya comunes invitados, como Javiera Mena y Pedro Piedra. Este disco, trajo consigo la distinción de la prensa especializada (Rockdelux, el diario El País, por mencionar algunos) y la posibilidad de llevar su música fuera de las fronteras.

Ahora, a días de que “GP”, su cuarto disco de estudio vea la luz, el adelanto viene por el mismo camino zanjado por los singles de “Audiovisión”. El forzadamente llamado electroandino llevado un poco más al extremo en su primer single, “En La Naturaleza (4-3-2-1-0)”.

Si bien la columna de la música de Gepe siempre ha transitado por los sonidos derivados del folk, no ha tenido miedo en añadirle colores y rítmicas que normalmente serían contradictorias a lo que cita la evolución de folklore. Sólo queda seguir esperando uno de los discos más anhelados del año, y ver si este largo tiempo viene a confirmar la importancia de un tipo como Daniel Riveros en la escena nacional.

Por Pamela Cortés

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3 Comentarios

3 Comments

  1. Ro Polite

    23-Oct-2012 en 3:20 pm

    Buena reseña. este loco es un seco. Escuche el disco GP y me gustó mucho.

  2. fred

    29-Sep-2013 en 2:27 pm

    electro..pop…andino…. anoqueestupides! estos contemporaneos que intentan crear nuevas tonteras y terminan matando la musica para que los jovencitos de ahora que se creen hippies hipsterianos consuman mala musica

    • patty

      07-Dic-2013 en 10:38 am

      FRED LA VERDAD TU COMENTARIO ME ES CONTRADICTORIO…POR UN LADO DEFIENDES LA MUSICA YSU ESCENCIA, EXPRESION DE LIBETAD… Y POR OTRO LADO ATACAS DE MANERA INQUICITIVA A UN ARTISTA JOVEN QUE QUIERE FUCIONAR MÚSICA, QUE TIENE LALIBERTAD DE HACERLO…NO SEAS TAN IGNORANTE EN TUS COMENTARIOS… TU ERES HIPPIE?..EN QUÉ TRABAJAS?, ERES FELIZ????…SALUDOS Y TE INVITO A QUE TE HAGAS EL TIEMPO Y ESCUCHES…DANIEL ES SECO EN LO QUE HACE Y SÍ ES ORIGINAL…CARIÑOS PATTY…AHHH Y MI HIJOS SE LLAMAN INTI Y AMAYA…Y NO SOY HIPPIE, TRABAJO COMO DIRECTORA, ANDO ARRIBA DE UN AUTO DEL AÑO, Y DEFIENO MIS CONVICCIONES…

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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