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Florence + The Machine: Catarsis liberada

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La primera vez que Florence + The Machine pise escenarios chilenos será, nada más y nada menos, como cabeza de cartel de uno de los festivales nacionales más importantes. Con sólo tres larga duración bajo el brazo, el show de la agrupación británica promete ser uno de los puntos altos del evento gracias a la calidad que han alcanzado musicalmente, tanto en términos de composición como también de ejecución, pese a la brevedad de su carrera. A esto se suma el impecable trabajo que ha realizado la banda para traducir la fuerza y la potencia de sus grabaciones de estudio a un show en vivo que no hace más que realzar estas virtudes, transformando la instancia en toda una experiencia. Y qué buena oportunidad es Lollapalooza para presenciar por vez primera este espectáculo: un escenario de grandes proporciones para un despliegue escénico de similar envergadura, que posiblemente se percibiría enclaustrado si se llevase a cabo en un contexto menor. Misma situación FLORENCE + THE MACHINE 01corre para la potente voz de Florence Welch, que llena de fuerza y para algunos incluso llega a bordear lo estruendoso, motivo por el que los espacios acotados pueden parecer desproporcionados en comparación a un gran escenario al aire libre. Como si la voz de Florence hubiese estado predestinada a alcanzar las grandes multitudes.

Y es que asistir a un concierto de Florence + The Machine no es sólo apreciar a un conjunto que lleva a cabo un pop de notable calidad, es también presenciar una perfomance que logra transcribir a lo visual la amplia gama de colores y matices expresada en el plano musical, en un espectáculo indiscutiblemente protagonizado por Welch, quien destaca por llevar al aspecto corporal toda la manifestación plasmada en sus melodías: saltos, recorridos por el escenario, acercamientos al público, incluso arrodillarse o quedar tendida en el suelo. Todo es parte de sentir en lo más profundo lo que se interpreta, y ocupar no sólo la voz, sino el cuerpo entero para transmitir al espectador este torbellino de sensaciones que aborda el sonido de la banda. Buen ejemplo de los extremos que puede alcanzar este histrionismo es lo ocurrido en la más reciente versión del festival Coachella, cuando “Dog Days Are Over” –sencillo correspondiente al álbum debut de la agrupación, que, por cierto, promete ser un momento cúlmine del paso de la los ingleses por estos lados– fue ejecutada por la banda con tal intensidad que, entre saltos y piruetas, le significó a Florence una fractura en el pie derecho tras lanzarse arrebatadamente desde el escenario hacia el público, producto de la euforia que la desborda cuando interpreta este enérgico tema.

FLORENCE + THE MACHINE 02El sello de la agrupación británica ha sido esto, una suerte de catarsis liberada en un honesto lenguaje pop en su estado más puro, sin disfraces ni experimentación con otros estilos, ni con los alcances de cada instrumento. Es un idioma limpio y sincero que escapa de las pretensiones estilísticas para enfocarse en lo expresivo, en lograr un nexo comunicativo con el público a través de una liberación desenfrenada de toda la sensibilidad que desbordan las temáticas de cada canción, y que va en estrecha coherencia con los variados matices que se abarcan musicalmente.

Por otro lado, el sonido de la banda percibe un salto cualitativo que se evidencia en su último disco. Cuatro años tuvieron que pasar para que finalmente viera la luz “How Big, How Blue, How Beautiful” (2015), su más reciente lanzamiento, el cual probablemente sea el más interpretado dentro del setlist que traerá la agrupación a nuestro país. Sin duda, un muy buen momento, ya que es un álbum que expone cierta maduración de la banda en términos musicales, evidenciado en sonidos más ricos, mayor uso de texturas y aparentemente mayor fiato entre los miembros del conjunto, dando como resultado melodías íntegras, sugerentes, donde cada elemento está orientado a un claro horizonte. La técnica vocal de Florence también parece haber alcanzado ciertas mejoras, demostrando un mayor dominio en los extremos de su registro, y también logrando controlar los excesos que la hacían bordear lo ruidoso al alcanzar los momentos de máxima intensidad. De esta forma, se convierten en un excelente exponente de lo que puede llegar a entregar el manoseado género pop cuando existen trabajos de impecable factura. De este último lanzamiento, los sencillos “Ship To Wreck” y “What Kind Of Man” se sitúan como paradas obligadas dentro del setlist, en tanto que “Delilah”, “Third Eye” y la canción homónima al disco se posicionan como muy probables candidatas a ser presentadas en vivo, por ser algunos de los puntos altos del mencionado trabajo.

FLORENCE + THE MACHINE 03Sin embargo, lejos de sólo estancarse en esta última publicación, el show también podría echar mano a los predecesores “Lungs” (2009) y “Ceremonials” (2011), dando como resultado un espectáculo equilibrado y respetuoso con los seguidores de su trayectoria. Una fórmula probada y continuamente mejorada, que ha sido puesta a prueba en los escenarios de festivales extranjeros de renombre con un excelente recibimiento. No olvidemos que la agrupación cargó con la responsabilidad no menor de reemplazar a Foo Fighters como cabeza de cartel en la pasada versión de Glastonbury, recibiendo por ello numerosos elogios de la crítica especializada y hasta del mismo Dave Grohl.

Por todo lo anteriormente expuesto, el debut de Florence + The Machine en nuestro país se ubica como una presentación altamente recomendada, incluso para quienes no se declaran seguidores de los británicos. Se trata de un show de calidad asegurada, gran exponente de su género y, como si esto fuera poco, de una banda que se encuentra en su mejor momento, si es que no es sólo el principio del ascenso acelerado de una agrupación que aún tiene mucho por entregar.

Por Evelyn Munzenmayer

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Especial Primavera Sound Santiago 2022: Björk

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Quién iba a pensar que, de una isla gélida y perdida al medio del charco que separa las dos corrientes culturales más grandes de la historia de la música, iba a salir una de las fuerzas creativas más importantes de los noventa hasta el sol de hoy. Björk Guðmundsdóttir, o simplemente conocida como Björk, una esmirriada proto-punketa islandesa que abandonó el barco de The Sugarcubes cuando comenzaba a hundirse, y viajó a Londres a enamorarse de la música house y el IDM para dar a luz a su debut llamado simplemente “Debut” (1993). Pero el cambio no fue radical, ni mucho menos permanente, se ha dejado permear por cuanto estilo y corriente musical se le ha cruzado. Cuando se habla de Björk como una fuerza creativa, va mucho más allá del talento y la musicalidad innata de la islandesa, esta fuerza hace referencia a que su obra trasciende los elementos que toma, a tal punto, que es muy difícil o casi imposible definirla o catalogarla dentro de un estilo. Aun cuando “experimental” podría ser de utilidad, no es una opción viable para alguien que ha conseguido trascender en el mainstream durante décadas.

Entonces, ¿qué es lo que tiene Björk que la hace mantenerse vigente en la vorágine del mundo musical? Se puede comenzar a deshilachar este manto gélido con su inagotable creatividad y desprejuicio a la hora de construir paisajes sonoros coloridos, aún a riesgo de sonar demasiado divergente (los tres singles de su aclamado “Post” poco tienen que ver entre sí, más allá de su inconfundible voz), y es que el flujo creativo de Björk funciona como un punto de gravedad hacia donde convergen todas las cosas de las que se alimenta musical y visualmente, ella es el alfa y el omega de su propio imaginario. Es, asimismo, un aporte cultural en el amplio sentido de la palabra: a la par de la publicación de “Biophilia” (2011) ideó The Biophilia Educational Project, un proyecto que se basa en el uso de la creatividad como herramienta de investigación y enseñanza, donde la música, la tecnología y las ciencias naturales se conjugan de forma singular e innovadora, y que ha sido implementado en ocho países.

Otra de las características que la hacen seguir vigente es su retroalimentación con los artistas que estén a la vanguardia en su momento, e incluso con quienes la ayuden a robustecer su propuesta, ya sea en labores de producción o colaboración, y la lista es variopinta. Desde Timbaland, pasando por ANOHNI y más recientemente el ir y venir que ha tenido con la música y productora venezolana Arca (también parte de Primavera Sound Santiago), quien produjo el frágil y doloroso “Vulnicura” (2015) y “Utopia” (2017), y como contra repuesta Björk apareció cantando en un confuso, pero empeñoso español, en “Afterwards” de la venezolana en su álbum “KiCk i” (2020).

Hoy en día, Björk se divide entre novedades musicales y cinematográficas: a la par que volvió a la pantalla grande tras 22 años en “The Northman” (2022) de Robert Eggers, también se trae entre manos un nuevo disco titulado “Fossora”, que verá la luz en unos días, así que es muy probable que algo de este trabajo aparezca en su presentación en nuestras tierras. Y si a esto le sumamos que su gira actual forma parte de un ciclo orquestal, en el que reimagina y rediseña sus propios y ya enormes límites en lo que a propuesta audiovisual respecta, ya con ese par de antecedentes solamente se espera que su presentación figure entre lo más memorable de la primera versión de Primavera Sound Santiago.

Información sobre el line up del festival, eventos satélite y entradas, la puedes encontrar ACÁ.

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