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Florence + The Machine: Catarsis liberada

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La primera vez que Florence + The Machine pise escenarios chilenos será, nada más y nada menos, como cabeza de cartel de uno de los festivales nacionales más importantes. Con sólo tres larga duración bajo el brazo, el show de la agrupación británica promete ser uno de los puntos altos del evento gracias a la calidad que han alcanzado musicalmente, tanto en términos de composición como también de ejecución, pese a la brevedad de su carrera. A esto se suma el impecable trabajo que ha realizado la banda para traducir la fuerza y la potencia de sus grabaciones de estudio a un show en vivo que no hace más que realzar estas virtudes, transformando la instancia en toda una experiencia. Y qué buena oportunidad es Lollapalooza para presenciar por vez primera este espectáculo: un escenario de grandes proporciones para un despliegue escénico de similar envergadura, que posiblemente se percibiría enclaustrado si se llevase a cabo en un contexto menor. Misma situación FLORENCE + THE MACHINE 01corre para la potente voz de Florence Welch, que llena de fuerza y para algunos incluso llega a bordear lo estruendoso, motivo por el que los espacios acotados pueden parecer desproporcionados en comparación a un gran escenario al aire libre. Como si la voz de Florence hubiese estado predestinada a alcanzar las grandes multitudes.

Y es que asistir a un concierto de Florence + The Machine no es sólo apreciar a un conjunto que lleva a cabo un pop de notable calidad, es también presenciar una perfomance que logra transcribir a lo visual la amplia gama de colores y matices expresada en el plano musical, en un espectáculo indiscutiblemente protagonizado por Welch, quien destaca por llevar al aspecto corporal toda la manifestación plasmada en sus melodías: saltos, recorridos por el escenario, acercamientos al público, incluso arrodillarse o quedar tendida en el suelo. Todo es parte de sentir en lo más profundo lo que se interpreta, y ocupar no sólo la voz, sino el cuerpo entero para transmitir al espectador este torbellino de sensaciones que aborda el sonido de la banda. Buen ejemplo de los extremos que puede alcanzar este histrionismo es lo ocurrido en la más reciente versión del festival Coachella, cuando “Dog Days Are Over” –sencillo correspondiente al álbum debut de la agrupación, que, por cierto, promete ser un momento cúlmine del paso de la los ingleses por estos lados– fue ejecutada por la banda con tal intensidad que, entre saltos y piruetas, le significó a Florence una fractura en el pie derecho tras lanzarse arrebatadamente desde el escenario hacia el público, producto de la euforia que la desborda cuando interpreta este enérgico tema.

FLORENCE + THE MACHINE 02El sello de la agrupación británica ha sido esto, una suerte de catarsis liberada en un honesto lenguaje pop en su estado más puro, sin disfraces ni experimentación con otros estilos, ni con los alcances de cada instrumento. Es un idioma limpio y sincero que escapa de las pretensiones estilísticas para enfocarse en lo expresivo, en lograr un nexo comunicativo con el público a través de una liberación desenfrenada de toda la sensibilidad que desbordan las temáticas de cada canción, y que va en estrecha coherencia con los variados matices que se abarcan musicalmente.

Por otro lado, el sonido de la banda percibe un salto cualitativo que se evidencia en su último disco. Cuatro años tuvieron que pasar para que finalmente viera la luz “How Big, How Blue, How Beautiful” (2015), su más reciente lanzamiento, el cual probablemente sea el más interpretado dentro del setlist que traerá la agrupación a nuestro país. Sin duda, un muy buen momento, ya que es un álbum que expone cierta maduración de la banda en términos musicales, evidenciado en sonidos más ricos, mayor uso de texturas y aparentemente mayor fiato entre los miembros del conjunto, dando como resultado melodías íntegras, sugerentes, donde cada elemento está orientado a un claro horizonte. La técnica vocal de Florence también parece haber alcanzado ciertas mejoras, demostrando un mayor dominio en los extremos de su registro, y también logrando controlar los excesos que la hacían bordear lo ruidoso al alcanzar los momentos de máxima intensidad. De esta forma, se convierten en un excelente exponente de lo que puede llegar a entregar el manoseado género pop cuando existen trabajos de impecable factura. De este último lanzamiento, los sencillos “Ship To Wreck” y “What Kind Of Man” se sitúan como paradas obligadas dentro del setlist, en tanto que “Delilah”, “Third Eye” y la canción homónima al disco se posicionan como muy probables candidatas a ser presentadas en vivo, por ser algunos de los puntos altos del mencionado trabajo.

FLORENCE + THE MACHINE 03Sin embargo, lejos de sólo estancarse en esta última publicación, el show también podría echar mano a los predecesores “Lungs” (2009) y “Ceremonials” (2011), dando como resultado un espectáculo equilibrado y respetuoso con los seguidores de su trayectoria. Una fórmula probada y continuamente mejorada, que ha sido puesta a prueba en los escenarios de festivales extranjeros de renombre con un excelente recibimiento. No olvidemos que la agrupación cargó con la responsabilidad no menor de reemplazar a Foo Fighters como cabeza de cartel en la pasada versión de Glastonbury, recibiendo por ello numerosos elogios de la crítica especializada y hasta del mismo Dave Grohl.

Por todo lo anteriormente expuesto, el debut de Florence + The Machine en nuestro país se ubica como una presentación altamente recomendada, incluso para quienes no se declaran seguidores de los británicos. Se trata de un show de calidad asegurada, gran exponente de su género y, como si esto fuera poco, de una banda que se encuentra en su mejor momento, si es que no es sólo el principio del ascenso acelerado de una agrupación que aún tiene mucho por entregar.

Por Evelyn Munzenmayer

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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