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Fantômas: The Director’s Cut Show

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En un festival lleno de debuts como RockOut Fest, uno de los nombres que más despierta las pasiones de los fanáticos es Fantômas, quizás el proyecto más personal de Mike Patton, o donde por lo menos se ha dado el lujo de construir –y deconstruir- la música como se le ha dado la gana, teniendo bajo su mando a una de las alineaciones más envidiables con la que podría contar un músico que quiere crear un sonido capaz de evocar armonía y caos en la misma composición: Buzz Osborne de Melvins en la guitarra, Dave Lombardo, ex Slayer y actual Philm, en la batería y, finalmente, Trevor Dunn, ex Mr. Bungle, en el bajo. Por donde se le mire, un grupo de lujo que, en su momento, sacó de sus casillas a muchas personas que esperaban escuchar a un dulce sucesor de Faith No More, o por lo menos a una banda que tocara canciones que se pudieran “escuchar”, pero la experimentación de Fantômas no pudo ser tolerada por un importante grupo de personas que incluso se retiraban a la mitad de show durante los primeros conciertos de la súper banda.

FANTOMAS 01 ARTICULOEl tiempo ha pasado y luego de cuatro discos de estudio, Fantômas ha logrado encontrar su nicho. Y, a pesar de no sacar nada nuevo desde hace nueve años, el deseo de que el cuarteto vuelva a la vida es una constante que se ha mantenido entre los fanáticos; y si hablamos de un país como Chile, donde Mike Patton es un verdadero ídolo, el sueño de poder ver a la banda en vivo algún día era prácticamente imposible. Pero dicen que lo sueños se hacen realidad y Fantômas confirmó su retorno en exclusiva para Chile, en dos noches donde interpretará íntegramente el disco “The Director’s Cut” (2001), y aquí afloraron sentimientos encontrados para los seguidores de la agrupación, ya que el disco que vienen a presentar al país podría ser considerado como el más “digerible” que han lanzado en su carrera, uno que los que le podría agradar a los que le hicieron la cruz al grupo en un principio.

¿Por qué no tocar algo del disco homónimo? ¿Qué hay de “Delìrium Còrdia” (2004)? ¿Y de “Suspended Animation” (2005)? Trevor Dunn dijo en una entrevista que tocar con Fantômas era un dolor en el culo, y cualquiera que haya escuchado sus discos puede imaginárselo, por lo que quizás –y esto es sólo especulación- “The Director’s Cut” era la mejor opción para volver a los escenarios luego de años fuera de práctica, o por lo menos la menos riesgosa. Es por eso que, con el afán de calmar las pasiones de aquellos que los acusan de haberse ido “a la segura”, o de invitar a aquellos que no conocen la banda a que se sumerjan en la locura sónica y experimental de Patton, hemos decidido hacer una revisión de los hitos que hacen de “The Director’s Cut” un álbum digno de escuchar en vivo, y suficientemente completo para que Fantômas pueda mostrarse en plenitud sobre el escenario.

Patton y el cine

FANTOMAS 02 ARTICULOCualquiera que siga la carrera del norteamericano, puede darse cuenta del amor que Patton tiene por el séptimo arte. Referencias a películas clásicas pueden ser encontradas en toda sus discografía, desde Faith No More (el video de “Last Cup Of Sorrow” es una suerte de recreación de “Vertigo” de Alfred Hitchcock), o llamar a su banda de trip hop, Peeping Tom, en honor a la película de horror de culto del año 1960. Su afición a las películas es clara y lo llevó a rendir un tributo extremo a composiciones emblemáticas utilizadas en las bandas sonoras del filmes tan disimiles como “The Godfather” (1972) o “Spider Baby Or, The Maddest Story Ever Told” (1967). Extremo, porque lo que hizo, para cualquier amante de lo clásico, puede ser visto como una verdadera blasfemia. Mike Patton tomó quince composiciones y las ultrajó hasta parir una cría horrible, pero al mismo tiempo maravillosa. Desde la orgía thrasher de “The Omen (Ave Satani)”, pasando por el infierno matemático de “Der Golem”, hasta el groove electrónico de “Twin Peaks: Fire Walk With Me”, “The Director’s Cut” es una muestra de que no existen barreras para la experimentación, ni siquiera las del “buen gusto”, y ese justamente es uno de los elementos claves de la fórmula de Fantômas.

Supenso, terror y oscuridad

Si existe un hilo conductor entre las cintas seleccionadas, estos son el suspenso, el terror y la oscuridad. Estos tres elementos son trabajados a la perfección para dar vida a atmósferas simplemente escalofriantes. Es imposible no estremecerse al escuchar “Rosemary’s Baby”, reversión del clásico tema compuesto por Krzysztof Komeda para la película de Roman Polanski, y que es uno de los cortes más destacados del álbum, si es que no es el mejor. En sus tres minutos y veinte segundos de duración, Fantômas calla la boca de todos sus detractores, esos que alegan que son puros gritos, cautivando los oídos de aquellos lo suficientemente valientes como para entrar en el juego del cuarteto. Para más deleite/esquizofrenia sonora, ahí están “Experiment In Terror”, “Cape Fear” e  “Investigation Of A Citizen Above Suspicion”, pura genialidad trastornada.

Fantômas para las masas

FANTOMAS 03 ARTICULOEs verdad, “The Director’s Cut” es la placa más “liviana” de Fantômas, las más escuchable y digerible para el gran público. Y quizás por eso es que es la mejor carta para estas dos presentaciones en el país, sobre todo en el contexto de un gran festival, donde nadie quiere que la gente se espante en medio del show. Pero más allá de las mínimas quejas de los fanáticos que esperaban escuchar al Fantômas visceral del disco debut, al catatónico del “Delìrium Còrdia”, o al caóticamente perfecto del “Suspended Animation”, “The Director’s Cut” es un discazo por donde se le mire, y todo lo que uno quisiera ver u oír de la banda lo puede encontrar en esas quince composiciones. Así que guardemos las esperanzas de poder escuchar algo más para una próxima vez –aunque nunca se sabe qué puede pasar- y dediquémonos a disfrutar a una banda que nunca pensamos que podríamos ver en nuestro país –menos de manera exclusiva- tocando un disco que es pura maestría y que demuestra que Mike Patton es uno de los músicos más revolucionarios de las últimas décadas.

Por Sebastián Zumelzu

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Damian

    03-Dic-2014 en 5:14 pm

    Solo una corrección: “Ashes to Ashes” está relacionado con Se7ven (Los Siete Pecados Capitales). Es “Last Cup of Sorrow” la que re-crea Vertigo

  2. Claudio

    03-Dic-2014 en 6:50 pm

    También van a tocar solo del Director’s Cut en el Rockout? Cómo saben? Creí que era solo en el sideshow.

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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