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Especial RockOut Fest 2016: Meshuggah

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Resulta imperioso exponer cómo era el entorno que rodeó a Meshuggah en el amanecer de su carrera. Es necesario detenerse y asimilar la distancia que hay entre ellos y sus coetáneos, para así enfrentarse a premisas que postulan a los suecos como artistas de carácter supremo dentro del rock / metal. Dicho esto, hay que remontarse unos treinta años atrás, cuando la escena a nivel global ya tenía a sus máximos exponentes y muchos de los sub-géneros, de forma simultánea, se gestaban en las entrañas de las tendencias más agitadas y vehementes. Eran días donde la atención de los medios especializados (inclusive parte de los masivos), y por consecuencia la de los seguidores, fijaba su enfoque en las oleadas de bandas identificadas con el thrash, el heavy y sus familiares más cercanos. Metallica y Pantera quizá fueron los fenómenos que alcanzaron un nivel superlativo en términos de difusión y, por otro lado, compartiendo más de algún elemento en las estructuras de sus canciones no sólo entre ellos, sino que con casi todos sus contemporáneos que más o menos se han cuadrado con ese método (siempre manteniendo presente que la idea es sintetizar lo más relevante, sin ahondar en las profundidades del underground para que hasta el más novel de los amantes del metal MESHUGGAH 01o del grupo sea capaz de participar en este ejercicio sobre la importancia de Meshuggah en la actualidad).

Cabe señalar que, por el mismo período pero en un segundo plano, el incipiente death metal daba sus primeros pasos de la mano de una mayor experimentación y de la radicalización del sonido, perspectiva que, junto a algunos matices de lo expuesto antes, fue el prisma con el que los suecos configuraron su propuesta al comienzo de su carrera, que si bien era clasificable bajo algunos parámetros definidos hasta ese punto, ya lucía atisbos de la genialidad y el virtuosismo-al-servicio-de-la-innovación que sus integrantes fundadores desarrollarían en profundidad unos años más adelante, determinación que los llevaría indefectiblemente a ser un punto de inflexión en la historia de la música extrema.

Por más que los puristas se esfuercen en posicionar a su primer larga-duración, “Contradictions Collapse” (1991), o en su defecto al siguiente, “Destroy Erase Improve” (1995) como la “cúspide de su trayectoria”, quien redacta considera más adecuado y pertinente hablar de que se está en presencia de un conjunto que en cada oportunidad ha entregado un trabajo que supera al anterior y que siempre está en movimiento, inquieto, buscando la ampliación de su creatividad y la renovación de su propio sello, que a estas alturas ha cometido su objetivo y se jacta de ser inconfundible.

MESHUGGAH 02Ahora bien, entendiendo lo común que es la controversia respecto a la dinámica de una elección del “mejor de todos” y el correspondiente debate que surge y, sin perjuicio de lo antes mencionado, adhiriendo a la premisa de elegir un disco por sobre todo su catálogo, “Chaosphere” de 1998 sería el dueño de tal decisión: su núcleo se constituye de una de-construcción del metal más pesado existente y su posterior transmutación hacia algo desconocido y transgresor, cuyo impacto repercute hasta hoy, planteando un escenario donde pareciera que nada es capaz de compararse a su fuerza indómita y a una ejecución que en su totalidad es impecable, que colinda con el paroxismo y que abusa de las habilidades de sus músicos. Es una exhibición de una serie de recursos técnicos y humanos dispuestos de tal modo, que le otorgan a una canción como “Concatenation” los argumentos para que sea imposible de etiquetar y mucho menos de emular.

El cambio de milenio trajo consigo el equilibrio y la estabilidad para estos adelantados a su tiempo, quienes a través de “Nothing” (2002) introdujeron el estilo que, a grandes rasgos, ha sido la columna vertebral del metal que hoy presentan y que tanto ha influenciado a toda una camada de nuevas bandas que han visto en Meshuggah el paradigma a seguir. De esta manera, y sumado a una creciente popularidad entre sus pares inclusive, los últimos catorce años han sido la época del reconocimiento mundial y de la consagración de su postura frente al mundo de la música (sellos, prensa y público), que en “Catch Thirythree” (2005) fue extendida hacia nuevos parajes aún más extraños, guiados por una sola pieza dividida en otras trece que catalizaban la energía de una fase que poseía un halo de misterio sobre ella. Poco y nada tenían de los MESHUGGAH 03elementos que en un principio definieron la composición de la agrupación y, en su lugar, probaron con otras texturas y arreglos dirigidos hacia la expansión de su espectro sónico.

Sin duda alguna, sus dos álbumes más recientes, “obZen” (2008) y “Koloss” (2012), son la conjugación de todo aquello que en su origen inspiró la creación de la marca registrada que es el “sonido Meshuggah” y de la pericia que han adquirido con el paso del tiempo, sustentados por la combustión de un espíritu innovador que jamás ha visto disminuido su fulgor a la hora de construir y desafiar las capacidades de los intérpretes, lo que ocurre en  temas como “Bleed” o “Marrow”, que ejemplifican la manera en que unifican su pasado con su presente en una aleación de metal que no tiene símiles.

Este 2016 es la ocasión que eligieron para publicar una nueva obra, “The Violent Sleep Of Reason”, que verá la luz en octubre, y además es el retorno a este lado del planeta en lo que será la segunda versión de RockOut Fest, que se llevará a cabo el 3 de septiembre, momento que de seguro confirmará al público nacional que Meshuggah es el acto de metal más arriesgado y novedoso  de todos los tiempos.

Por Hans Oyarzún

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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