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Especial Lollapalooza Chile 2017: The 1975

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Dueños de una meteórica carrera, los ingleses de The 1975 debutarán en nuestro país el próximo sábado 1 de abril en el gran escenario de Lollapalooza Chile 2017. En plena promoción de su segundo larga duración, el interesante pero irregular “I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It” (2016), el cuarteto oriundo de Manchester se ha hecho famoso por cultivar un sonido claramente influenciado por el pop de la década de los ochenta. Tanto así, que, al mismo tiempo que han logrado cautivar a una gran legión de fanáticos alrededor del mundo, también se han hecho de un importante sector de detractores, quienes ven con malos ojos el revival que proponen los europeos.

Formados en la secundaria, donde tocaban en su mayoría covers de bandas punk, George Daniel, Adam Hann, Matthew Healy y Ross MacDonald comenzaron a escribir música original, canciones que tiempo después se convertirían en los primeros hitos de su carrera como The 1975, nombre que nació inspirado en un libro de poesía escrito por el norteamericano Jack Kerouac, luego de haberse presentado bajo numerosos nombres previamente. Con el lanzamiento de su primer EP, “Facedown” (2012), los ingleses tuvieron gran difusión en su país, sonando en radios como la BBC, la que les dio un gran espaldarazo a la hora de encumbrarlos a la fama. Apostando por los registros de corta duración, la banda publicó tres EP`s más, haciéndose de una gran cantidad de seguidores, además de transformarse en número de apertura de grupos consagrados como Muse o los mismísimos The Rolling Stones. El hype que se creó en torno al conjunto fue tan grande, que incluso antes de editar su primer álbum oficial, ya tenían shows completamente vendidos.

El homónimo, “The 1975” (2013), los llevó por primera vez a Estados Unidos, donde formaron parte del prestigioso festival Coachella. De ahí en adelante, sumado al éxito del sencillo “Love Me”, cuyo riff de guitarra recuerda en exceso a los hits más connotados de INXS, la agrupación se estableció como uno de los actos a tener en cuenta dentro del basto espectro del rock y pop mundial. Sin embargo, los críticos que los acusaron de “poseros” y “puro humo” no tuvieron clemencia a la hora de vapulear a los músicos, a quienes veían como otro frívolo intento de la industria por lucrar con la nostalgia.

Pero eso no detuvo a The 1975, que incluso hace mofa de sus detractores en el video del single “The Sound”, el cual corona su segundo lanzamiento, cuyo extenso nombre (“I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It”) resume la gran cantidad de capas de sonidos y atmósferas que la agrupación quiso incorporar al álbum lanzado el año pasado. El LP fue un éxito de ventas a nivel mundial y encumbró definitivamente al grupo como una gran potencia musical. A pesar de que en el álbum aún se pueden encontrar ripios por pulir, es de esperar que el ascenso no se detenga.

Es así como el próximo sábado 1 de abril nos encontraremos cara a cara con una banda que ha probado ser una fábrica de hits y que hoy vive un tremendo momento. Basados en el nostálgico sonido del pop de los años ochenta, The 1975 va a poner a bailar a todos los asistentes de Lollapalooza Chile 2017, lugar donde podremos comprobar in situ si efectivamente son la gran banda que nos han querido vender hasta ahora, o simplemente puro humo.

Por Sebastián Zumelzu

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Discos chilenos destacados 2022

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Discos chilenos destacados 2022


Tras dos años donde la creación y lanzamientos fueron marcados por la pandemia, 2022 fue de reconstrucción de circuitos, flujos y formas de mover la música. Varios locales que impulsaban música en vivo ya no existen o cambiaron de rumbo, y en los medios también se estrecharon los espacios para la música nacional, viviéndose una especie de reinicio muy lento en la actividad. En un contexto así, el formato “disco” ha significado un refugio no sólo creativo, sino que en muchos casos es la gran vitrina que tienen estos proyectos, así que no basta con un par de canciones y nada más, notándose cada vez más un afán coherente en las propuestas chilenas.

Habiendo evaluado alrededor de un centenar de álbumes, sin mayor filtro de género o factura, EP o LP, nuestro equipo seleccionó recomendaciones para comprender la amplitud de los sonidos chilenos en una época donde los nombres o los amiguismos no alcanzan para ganar notoriedad. Felizmente, es la creatividad la que hoy entrega espacios, reconvertidos y resignificados para llegar a la audiencia.

La música de cantautores sigue siendo relevante, con nombres como Yorka, Benjamín Walker, Rosario Alfonso o Diego Lorenzini, cruzando el año con la fuerza de composiciones que denotan una evolución sin perder la esencia. También hay artistas y agrupaciones que se la jugaron con proyectos nuevos y que acertaron en lanzamientos que consiguen identidad propia, como pasó con Carlos Cabezas en su primer EP con La Banda del Dolor, Cienfuegos, Jurel Sónico & Los Impuros, Lanza Internacional o Mowat & Colombina Parra. En tanto, existen debutantes que pisaron fuerte en este año con sus primeros LPs, como Movediza, Emilia Borlone, Suppression o Casa Tomada. Finalmente, una mención especial para retornos que entregaron nuevos bríos a proyectos que ya tenían un corpus sólido de trabajo, como ocurrió con Weichafe, Niños del Cerro o Congreso.

La selección comprende trabajos lanzados entre el 27 de noviembre de 2021 y 1 de diciembre de 2022. Los discos están ordenados por orden alfabético de artista y cada imagen contiene un link directo para escucharlos.


“III Brote”

Alerce

Diez años transcurrieron para que desde las húmedas tierras valdivianas emergiera el tercer álbum de Alerce. Honrando a los milenarios árboles de los cuales la banda recoge su nombre, “III Brote” es un trabajo que tardó en gestarse, pero que pacientemente desarrolla su vigor, tanto sonoro como lírico, combinando la destreza del math rock con las ambiciones grandilocuentes de un poético rock progresivo. Evocando la nostalgia y el aura de misterio de los parajes cubiertos por la neblina en nuestro sur, el cuarteto nos regala una antología de cartas donde reflejan sus más profundos sentires; miedos y angustias que arrecian cual diluvio, pero que permiten florecer la vida enclaustrada en nuestro interior.


“El Poder del Mar”

Arranquemos del Invierno

En una segunda aventura sonora, el proyecto de la ex voz de Niño Cohete explora por pasajes envolventes y calmos, donde la producción es fiel reflejo del concepto detrás del disco. “El Poder del Mar” ofrece una fórmula que se desvía levemente del repertorio previo de Arranquemos del Invierno, y en esta ocasión son ritmos elementalmente electrónicos los que se mezclan con arreglos vinculados al folk, sin perder la esencia pop en cada composición. Mediante canciones que hablan de reflexiones internas y evocan el renacer, Pablo Álvarez toma el desafío de navegar por nuevos ritmos, dando como resultado una mixtura interesante, cuyos puntos en común son el aura ambiental y el compás manso que lo rodea.


“Maximalismo”

ASMRBRUJO

Desviándose del camino que sigue con su banda Coloresantos, el productor Adan Fresard se expande sonoramente en su proyecto solista ASMRBRUJO, donde con “Maximalismo” se concentra en desarrollar una estética sonora muy personal, entregando guiños al shoegaze siempre mediante un toque contemporáneo y donde en ocho canciones explora distintas facetas de su propia personalidad a través de temáticas humanas, vulnerables y también de mucha reflexión. Gracias a un cruce de estilos y texturas, ASMRBRUJO irrumpe con una experiencia comprometida artísticamente hablando, donde se despoja de cualquier etiqueta para implementar sus impulsos creativos.


“Choose Your Death”

Behead

Mediante un sonido influenciado por el death metal de los noventa, “Choose Your Death” es un flashback colmado de agresividad correctamente ejecutado. Bajo la distribución del sello chileno Burning Coffin, el cuarteto oriundo de Talagante apuesta por una fórmula intensa, la cual se posiciona dentro de un territorio intermedio entre el thrash y el death. Con un repertorio en inglés casi a totalidad, destacan los matices de la apertura con “Moonlight Nocturne”, la canción en español “Renacer”, y el quiebre melancólico a final de “Suicidal Mind”. En un trabajo claro en su cometido, el debut de Behead logra evocar un período puntual en la historia del metal extremo, acompañados de un sonido y técnica sobresaliente.


“Libro Abierto”

Benjamín Walker

El tercer disco de Benjamín Walker, y primero desde que dejara Chile para establecerse de forma permanente en México, es un oleaje de emociones y sutilezas, donde las canciones –guiadas principalmente por su guitarra acústica– van mostrando un abanico de matices y sonoridades que abrazan en los momentos difíciles e impulsan cuando la energía recorre tu cuerpo. “Libro Abierto”, tal como lo dice su nombre, es una oportunidad para conocer a la persona detrás del artista y entender que los discos también pueden ser una instancia de aprendizaje y reconocimiento. Once piezas bien armadas y concisas que, sobre todo, elevan el nombre del santiaguino a las grandes ligas de la escena nacional.


“Más Allá del Mundo”

Burning Caravan

Fieles a su propuesta y con una lucidez digna de imitar, el sexteto franco colombiano chileno nos vuelve a deleitar con un álbum de estudio directo, ecléctico y, sobre todo, increíblemente cautivador. Como quien vuelve a reunirse con un grupo de viejos amigos, la agrupación no pierde el tiempo intentando reinventar su fórmula, sino que se dedica a sacarle punta a sus puntos fuertes y además sumar himnos a un catálogo que, a esta altura, tiene innumerables momentos de magia. De espíritu innegablemente gitano, pero con exquisitos pasajes de jazz, bolero y ska, los 30 minutos de música que nos regala el conjunto son un verdadero viaje más allá del mundo, tal como profesa el título del álbum.


“Antes Del Sol” (EP)

Carlos Cabezas

Grabado con los músicos de La Banda del Dolor (Gonzalo López, Mauricio Melo, Paolo Murillo, Nicolás Quinteros y Edita Rojas), este lanzamiento es el primer trabajo solista del cantautor desde 2010. Fiel al tono de sus últimos discos con Electrodomésticos, los cuatro temas que dan vida a este EP se caracterizan por tener un sonido más bien reposado, que da espacio suficiente para la construcción de cautivadoras atmósferas, donde sobresale el correcto trabajo en guitarra, las precisas percusiones de Rojas y la infalible interpretación de Cabezas. A esta altura, el ADN musical que caracteriza la obra del cantautor es ciertamente familiar, sin embargo, ha probado al mismo tiempo seguir siendo además imprescindible.


“Ruth 9000”

Casa Tomada

El primer LP de la banda penquista Casa Tomada, aparece con fuerza dentro de lo mejor de 2022. Un disco directo, que sin rodeos entrega media hora de un rock alternativo cargado al shoegaze y a la distorsión, mostrándose como nuevos exponentes de un estilo que en el último tiempo ha ganado fuerza en el medio nacional. Un trabajo que también gira en torno a una temática global: la muerte. La primera parte llama al deseo del reencuentro, mientras que la segunda aborda la llegada al más allá, logrando dar una vuelta completa por un tópico que no siempre se aborda en la escena. Pese a que puede parecer un disco oscuro, su energía llama más a la claridad, algo clave cuando se aborda este tipo de líricas.


“Derrotero/Devenir” (EP)

Cienfuegos

En un recorrido breve, aunque sumamente intenso, “Derrotero/Devenir” conduce la rabia como su principal fuerza creadora. Con seis canciones que se articulan desde la visceralidad, lo nuevo de Cienfuegos aglutina múltiples sentimientos en combustión, donde convive la desesperanza y el cansancio, pero también la resistencia. Mediante el uso de un lenguaje poético, la banda ofrece como postal la memoria de un territorio herido, emparentándose en su propuesta a grandes nombres de la escena hardcore local con tintes figurativos. En un trabajo de naturaleza caótica y con cercanías al screamo, el cuarteto logra abrirse espacio con particular belleza, donde se hace del ruido las respuestas.


“El Desierto Avanza”

Cola de Zorro

Algo especial tiene el cuarto larga duración del conjunto de Valparaíso. De alguna manera, y pese a los múltiples obstáculos que atravesó el lanzamiento del disco, la banda se las supo arreglar para transmitir un nivel de luminosidad e ímpetu que hasta ahora no le conocíamos. Anclados al post rock, pero con maravillosos pasajes de krautrock y una identidad sonora fuertemente ligada a los sonidos de espíritu latinoamericano, lo de “El Desierto Avanza” es tan limpio y contundente, que se termina transformando en uno de esos viajes donde, aunque uno sepa hacia dónde pueden llevarnos, igualmente terminan siendo necesarios. Un paso al frente para una banda que avanza pausadamente, pero que sólo parece crecer.


“Fuerzas Que Retroceden”

Colombina & Mowat

Trabajado a la distancia y por largos años, el proyecto que une a estos dos artistas finalmente sale a la luz. De ánimo pausado e intimista, los pasajes que dan vida a este álbum transitan de forma elegante por espacios de luz, sombra y mucha incerteza. Por momentos minimalista, todos los ingredientes incluidos en esta fórmula parecen tener un significado especial, con cada canción finalmente funcionando como un acertijo que, luego de desarrollarse, lentamente va a terminar mostrándonos su verdadera cara en una sutileza que puede ir desde un breve pasaje de piano, hasta la susurrada y a veces inquietante voz de Colombina. De esos discos que sólo crecen en la medida que uno les da espacio para respirar.


“Colores”

Columpios Al Suelo

Un mundo ruidoso lleva a la creación de proyectos ruidosos. Una frase que puede parecer liviana en su precisión, pero que no sólo radica en producir un eco, sino que en la capacidad de despertar y generar fricción. “Colores” de Columpios al Suelo genera mucho de eso. Son canciones caóticas, filosas, con una esencia muy en modo shoegaze y noise rock, que en la segunda parte se transforman en piezas más amplias y con una notoria carga post rock. Además, todo aquello combina con mensajes de escape e inquietud, que piden a gritos salir al mundo. La mezcla da, sin espacio a dudas, con un esencial en la discografía nacional de 2022.


“Luz, Figura y Sombra”

Cómo Asesinar A Felipes

Tres palabras, tres conceptos, tres energías. “Luz, Figura y Sombra” es un disco que por lógica divide, pero que por naturaleza une. Un trabajo donde Cómo Asesinar A Felipes logra mostrar su propia historia, llevando al oyente por piezas instrumentales, ritmos electrónicos y un rap oscuro. Cada etapa de la banda está aquí: el jazz ácido de los primeros discos, las postales ambientales de “Elipse” (2017) y la psicodelia agresiva y electrificada de “MMXX” (2020). Pero no es un recopilatorio, porque los detalles muestran a una banda en plena exploración y renovación. A veces recurrir a lo conocido puede llevar a una nueva esencia, y eso fue justo lo que hizo CAF.


“LUZ DE FLASH”

Congreso

Con más de 50 años de carrera musical, el nuevo trabajo del conjunto funciona perfecto para entender por qué bandas como Congreso parecen nunca perder vigencia. Basta sumergirse una sola vez en esta nueva travesía para que la urgencia y ánimo exploratorio del conjunto termine pasándonos por arriba. Elegantes en lo compositivo, precisos en la ejecución y cercanos en lo narrativo, el viaje al que nos invitan, si bien es acogedor y familiar (por el sello sonoro), nunca sacrifica un ápice de frescura. De esos trabajos que con seguridad serán un deleite para aquellos que siguen a Congreso por muchos años, pero que además deja la puerta abierta para atraer nuevos curiosos.


“Coraje”

Dania Neko

Dania Neko continúa consolidando su carrera en un disco en que, a su elocuencia e inventiva lírica, se suma una novedosa exploración de la sonoridad del flamenco. Esta nueva síntesis es un descubrimiento realmente notable en cuanto este género parece calzar de manera perfecta con su timbre vocal. Las rimas reminiscentes del estallido social y la protesta se entremezclan con referencias a Valparaíso (donde se halla radicada), dejando también espacio a momentos instrumentales que revelan un notable trabajo de la guitarra, cuyo rol protagónico ya había sido explorado previamente en su repertorio, pero que en este disco exuda una gran versatilidad técnica.


“Palabritas y Palabrotas”

Diego Lorenzini

Para la cuarta entrega de su etapa solista, Diego Lorenzini continúa desarrollando ideas a través de álbumes extensos, donde el foco de atención recae en los arreglos folk y una pluma dotada de humor y creatividad. “Palabritas y Palabrotas” se pasea por canciones íntimas y austeras, que suenan introspectivas, pero también incluye aquellas que hablan de nuestra historia reciente, como en “Nada En Contra Del K-Pop”, además de una certera versión a “Romance Del Enamorado y La Muerte” de Víctor Jara. Acompañado de algunos recursos electrónicos, las composiciones adquieren matices sin olvidar aquellos enganches mediante la reiteración de frases ingeniosas. Un álbum llevadero y fluido, pese a su duración.


“Rota”

Emilia Borlone

Con una aproximación de apariencia sencilla, pero al mismo tiempo íntima y evocadora, el primer disco de la cantautora nos sumerge en un viaje donde la variedad de texturas y una acertadísima e ineludible versión del clásico “Corazón De Poeta” (original de Jeanette) se anotan los puntos altos de la experiencia. Bossa nova, indie folk y pasajes de soul se amalgaman perfecto con la dulce y cautivadora interpretación vocal de Borlone, que no sólo tiene el gran mérito de unificar todo bajo un mismo sello sonoro, sino que además logra que la artista se aventure en universos narrativos que van desde lo romántico a la crítica social sin perder un ápice de credibilidad. Veintitrés minutos de pura lucidez.


“El Camino del Selk’nam”

Fases

Un trabajo como “El Camino del Selk’nam” merece ser visto desde dos perspectivas. Primero, por su extraordinaria propuesta musical, en donde sobresale la convivencia de potentes riffs de guitarra con delicadas secciones tocadas por la agrupación. Una mezcla de emociones y sonidos meticulosamente grabados, que sacan a flote el trasfondo del proyecto: honrar a una cultura exterminada por la ambición. Es esa intención la que lleva a la segunda perspectiva por donde se debe abordar el EP lanzado por Fases: sus líricas. Durante la media hora que dura el álbum, el oyente está expuesto a una narrativa emotiva y directa, que lleva a la reflexión y al redescubrimiento del pueblo amerindio asesinado en el extremo sur. Un manifiesto lírico, social, cultural y musical.


“Herida”

Francisco Victoria

Un disco que sangra, hiere, sana y se resiente, es lo que entrega Francisco Victoria en su segunda entrega. Explorando los orígenes del dolor, el artista evita caer en clichés, por lo que, cuando hace interpelaciones directas en letras llenas de sentimiento, el pop elegante que cultiva se torna más devastador. Cómo se llega a los momentos de los que usualmente se canta, y cómo las decisiones y las sensaciones se van sucediendo, son análisis veraces que el compositor aplica en un álbum que lo ve avanzar como productor y expandirse como intérprete. Breve en sus ocho tracks, pero duradero en el efecto que produce, “Herida” es un preciso bisturí pop que interviene las emociones y no deja indiferente.


“A Flourishing Fall In A Grain Of Sand”

Humanotone

El segundo disco de esta banda originaria de Coquimbo se caracteriza por un incuestionable protagonismo de la guitarra, que dialoga con las suaves melodías de la voz mediante riffs que transitan entre lo pesado y lo melódico. Aunque el uso prominente del fuzz y los ritmos arrastrados acercan a la banda al mundo del stoner rock, los solos extensos y la longitud de las canciones –que promedian los 10 minutos– la vinculan con un sonido más progresivo. Esta interesante combinación, y la similitud que tienen las canciones entre sí, da como resultado un disco que refleja la temprana madurez de una banda que ya ha definido su sonido, pero que aún tiene un amplio margen para expandir la variedad de su repertorio.


“Paisajes Imaginarios”

Julia Gjertsen & Nico Rosenberg

El álbum propone una exploración de texturas ambientales donde confluyen elementos orgánicos (piano, flauta) y sonidos sintéticos, que se empastan a través del uso de delays de cinta, aportando un característico sonido lo-fi. En general, las piezas tienen una gran libertad en relación al ritmo, otorgando un carácter casi improvisado a las líneas melódicas, aunque algunas, como “Håp” o “Atlantis”, poseen ritmos pulsativos que aportan variedad. La mayor virtud de Gjertsen & Rosenberg reside en la construcción de múltiples planos sonoros, pues logran que un elemento, que inicialmente parece principal, termine constituyéndose en una parte del acompañamiento de otra idea melódica o textural.


“Flores Plásticas”

Jurel Sónico & Los Impuros

No importa cuál sea el proyecto o el lugar que ocupe en él, Jurel Sónico siempre tiene algo que aportar a la escena nacional. Conocido por ser el fundador de Adelaida, ahora Claudio Manríquez se sumó a Joaquín Roa, Gacotochi, Tomás Pérez y Mort para dar vida a Jurel Sónico & Los Impuros, una banda que debutó con fuerza gracias a su disco “Flores Plásticas”. Aquí la agrupación explora estilos como el grunge, shoegaze y un rock más alternativo, mostrando una paleta de colores que, aunque inevitablemente lleva a lugares similares a la de los otros proyectos de Jurel (Adelaida y Mowasee), aporta nuevas sensaciones, principalmente ligadas a paisajes oscuros y muy densos, los cuales explotan en coros con mucho engañe y fuerza.


“Antipoda” (EP)

La Brígida Orquesta

Con una formación que incluye a algunas de las figuras más llamativas de la escena nacional (Gabo Paillao, Matiah Chinasky y Felipe Metraca), La Brígida Orquesta vuelve a dar con una propuesta que cautiva a públicos tan distintos como a los fanáticos del jazz y los del rap más duro. Es esa mezcla de vibraciones y emociones la que vuelve en “Antipoda”, segundo proyecto de la banda, que en sus bronces incluye a ex participantes de la Conchalí Big Band. Un EP que atrapa con los lúgubres sonidos instrumentales y con la melancólica prosa de su vocalista, elevando la experiencia a un ir y venir de sensaciones y colores. El producto hace justicia al nivel de sus creadores, algo muchas veces difícil.


“Ritmos en Cruz”

La Ciencia Simple

Ritmos En Cruz

A estas alturas, hablar de La Ciencia Simple es referirse a un emblema de la escena post rock nacional. Revalidando su jerarquía, el cuarto álbum del colectivo es la consolidación de una exploración que los ha llevado a navegar en la inmensidad de los mares del ambient. En un momento de cambios para la banda, “Ritmos en Cruz”, las últimas grabaciones con formación original, es responsable de reflejar ese estado de metamorfosis, el cual privilegia texturas y atmósferas donde prima la calma y delicadez, pero que sabe dar espacios a intensos quiebres, y con ello, a un firmamento infinito de constelaciones sónicas, redibujando la infinita cartografía de colores del cuarteto santiaguino.


“Frente”

Lanza Internacional

Mirarnos cara a cara, sacarnos las máscaras, tanto en relaciones interpersonales como a nivel de sociedad. Esas son las invitaciones que nos hace el nuevo trabajo de los hermanos Durán, quienes, pese a estar radicados en México, mantienen su vínculo con nuestro país, reflejándolo en el contenido lírico del segundo álbum de su proyecto. Con un catálogo sonoro de temas bailables y estribillos pegajosos, influenciados por el new wave y el rock alternativo, en todos trasciende su potencial radial. De esta forma, “Frente”, para bien o para mal, se emparenta con el pasado y tiende puentes con la última etapa de Los Bunkers, siendo antesala a la reunión de la legendaria agrupación penquista.


“Los Jerjeles”

Los Jerjeles

La energía de un sonido inclasificable y mestizo es lo primero que reluce del inquieto debut homónimo de Los Jerjeles. Bronces, percusiones con tintes afro y sintetizadores psicodélicos son parte de un trabajo heterogéneo, que bebe influencias del funk, jazz, surf y el afrobeat, todo junto y revuelto con audacia y actitud punk. En un proyecto que reúne a miembros de Ram y Los Mixes, Playa Gótica y Pirómanos del Ritmo, las palabras son un aspecto prescindible, abriendo paso a un colectivo instrumental donde la música habla por sí sola, y el título de sus siete canciones invita al imaginario de la libre interpretación. Un trabajo ineludible para aquellos afines a lo bailable y lo experimental.


“Faces”

Luxferre

Con la capacidad para levantar imaginarios grandilocuentes, “Faces” se posiciona como uno de los trabajos mejor logrados dentro del panorama post-metal a nivel local este año. Cuatro canciones son las que sostienen el primer larga duración de Luxferre; cuatro pilares donde se aprecia un permanente cuidado por crear obras atmosféricas, en las cuales convive la densidad de las melodías con los pasajes etéreos. Mediante recursos propios de este género “ambiental”, cada composición atraviesa distintos niveles de tensión en su desarrollo. En su conjunto, este álbum refuerza la idea de aquellos proyectos donde el peso instrumental es el encargado de encaminar las emociones, demostrando solidez y cohesión en la propuesta.


“Fracturas”

MOVEDIZA

Construyendo un sonido íntimo, elegante, pero con fuerza, Movediza deshace el piso mientras da sus primeros pasos en su intrigante disco debut. Sin obviedades, pero tampoco invitando a hurgar demasiado para comprender el todo, “Fracturas” es un álbum que se siente desde los pliegues de aquello que tapa lo aparente, dejando que el misterio se disipe poco a poco, tanto en sonido como en las letras, que también plantean múltiples lecturas. Aunque lo electrónico predomina, el cuidado de cada track, cada capa, cada elemento que suena o se acalla, todo apunta a un trabajo “a mano”, con espacios para lo delicado y lo rugoso. Un primer disco brillante, que requiere ser descubierto y disfrutado.


“Botones”

Narval Orquesta

Hace mucho que un disco póstumo no sonaba tan celebratorio y expansivo, pero Narval Orquesta consigue que su adiós sobresalga a punta de riesgos, colores y muchas ideas en medio de otro año opaco para el país. “Botones” es una colección de experiencias que rondan lo académico y lo poco ortodoxo, entregando más que canciones o composiciones. El nivel de juego y de manejo del lenguaje musical en este disco es enorme, pero no sólo desde lo prodigioso y hábil, sino también desde lo emotivo, que se cierne sobre un trabajo que evita mostrar su hálito de despedida, aunque sí consigue llegar a esa atmósfera épica donde se cruza el momentum, la astucia, lo nuevo y la identidad de una banda que se extrañará.


“Suave Pendiente”

Niños del Cerro

En un ánimo menos directo que el de su disco anterior, pero igualmente arrollador, el tercer trabajo de estudio del quinteto tiene el gran mérito de eludir de manera impecable casi todas las etiquetas estilísticas. Es cierto que al acercarnos a estas quince canciones vamos a encontrar elementos de shoegaze, dreampop, space rock e incluso algo de post rock, pero claramente la propuesta sonora de Niños del Cerro va mucho más allá de ellas, con la banda inteligentemente abocada a fusionar y alternar dichas identidades. Como si eso fuera poco, los precisos arreglos de saxofón (cortesía de Franz Mesko) y el audaz trabajo en la base rítmica a lo largo del álbum, terminan haciendo de este viaje una experiencia imperdible.


“Monte Oculto”

Novedades Matutinas

Art rock, jazz fusión, neo-progresivo, ambient pop. Son variadas las etiquetas y mundos que caben en los tan solo seis temas que dan vida al segundo álbum de Novedades Matutinas. Poderosos y elegantes, palabras empleadas por sus propios integrantes, definen a la perfección la multiplicidad de colores y texturas de una propuesta cuya destreza técnica habita en comunión con una sensibilidad melódica envidiable. Destacando en la esfera de sonidos de vanguardia nacional, justamente por balancear complejidad y sencillez, “Monte Oculto” nos convoca a una peregrinación sónica, experimentando tanto momentos de frenesí como de profunda templanza, para de paso develar los misterios de sus atmósferas etéreas.


“Sons Of Violence”

Parasyche

Impulsados por la fama viral de su vocalista en YouTube, Parasyche logra sacar provecho de las lógicas de internet para saltar desde el anonimato hacia una vitrina global, presentando un álbum que podría significar un paso importante en su consagración. A punta de riffs estrechamente emparentados con el groove metal de Gojira o la escuela europea del thrash metal, la segunda entrega de la banda destaca además por la participación de diversas personalidades del metal sudamericano y músicos youtubers de renombre mundial. En tiempos de agresividad e hiperconectividad, Borie y compañía se valen del impulso y encaminan la internacionalización del conjunto, respondiendo violentamente a un contexto que así lo exige.


“De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”

Rosario Alfonso

De naturaleza indie folk, pero con un sello único que destaca por sus delicados vocales, elegantes arreglos de cuerda y vientos, percusiones de innegable espíritu latinoamericano y una narrativa directa e inteligente, lo del segundo larga duración de la cantautora es uno de esos trabajos que obliga a detenerse y dejarse encantar. Los 45 minutos que dan vida a “De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”, alternan motivos sonoros de una manera tan efectiva y cautivadora, que cada vez que creemos haber descifrado el lenguaje musical de este recorrido, nos vamos a encontrar con algún pequeño (o no tan pequeño como sucede al cierre del disco) giro compositivo que vuelve a recuperar nuestra atención. Un gran acierto por donde se le mire.


“Visions Of A Dismal Fate”

Rotten Tomb

Desde las agrestes tierras del extremo norte, los iquiqueños Rotten Tomb nos condenan al averno con su primer álbum, uno que, gracias a riffs espectrales, ritmos bestiales y voces infernales, son manifestación de un death metal en su estado más puro. Tras años de ruedo en la escena, tanto nacional como internacional, este debut es la consolidación de un trabajo que se posiciona a la par de aquellos nombres que defienden la ortodoxia del género. Con un sonido demoledor y descarnado, que no requiere de un matiz de originalidad para destacar, “Visions Of A Dismal Fate” halla su virtud en el correcto entendimiento y ejecución de las formas clásicas, revelando ante nosotros el significado de lo demoníaco.


“The Sorrow Of Soul Through Flesh”

Suppression

Pocas veces un debut en el metal chileno logra un nivel de autodeterminación tan profundo como lo que hace Suppression. Quizás ayudan las experiencias anteriores de los músicos que conforman la banda, o tal vez es el tiempo que fue paciente con el crecimiento del proyecto, pero la brutalidad siempre intencionada y al servicio de las estructuras de las canciones hace que este disco suene fresco y agobiante. Ejecutando un death metal más técnico, no deja de ser admirable la capacidad de hacer propios ciertos elementos que pareciera que se han escuchado tantas veces, y con una producción donde lo old school no le quita aires de presente a este, uno de los mejores lanzamientos del metal chileno del año.


“Cortacalles”

Tenemos Explosivos

La emotividad en el discurso y en lo musical son aspectos fundamentales para un proyecto como Tenemos Explosivos. Sin ser la excepción, “Cortacalles” es un trabajo que reafirma el factor político como cualidad inherente, constituyendo los cimientos que permiten levantar cada composición. En esta cuarta entrega, lo interesante recae en una producción que amplía los recursos sonoros. Un abanico que ofrece sutilezas como “El Barco de Teseo”, hasta canciones más pesadas como el caso de “Zanjón de la Aguada”. Todas con un cuidado por el relato, que en conjunto dibujan postales de un pasado reciente colmado de terrores y preguntas, donde se sostiene y reafirma el valor de la música como ejercicio de memoria.


“Vuelo Hacia El Final”

Weichafe

La sexta entrega discográfica de Weichafe se desenvuelve de una manera sólida y sin mayores complicaciones en lo sonoro y narrativo, demostrando el inmenso oficio que la agrupación ha desarrollado con los años, además de la expansión en términos de desarrollar sus canciones sin temor a experimentar. Nueve tracks de naturaleza arrolladora, pero con una delicadeza en los detalles que el cuarteto implementa bajo una amalgama de influencias, siempre con su sello preciso en cuanto a la exploración de estilos, texturas y la convivencia de distintos elementos. Con este trabajo, Weichafe se muestra como una banda compositivamente madura y aventuradamente joven.


“Chao”

Yorka

El cuarto disco de las hermanas Pastenes dispone una coherencia brutal desde el adiós y sus múltiples facetas, en diez tracks cálidos y fríos, como diría Franco de Vita. Ya sea cuando se aproxima o cuando ya ocurrió, este “Chao” pone a la melancolía al centro y consolida al dúo con elegancia, frescura y sutileza. En medio de tracks de suave pop llenos de cadencia, producción cuidada y voces en armonía perfecta, se explora cómo “dejar ir” y no decaer en el intento, incluso no siempre desde lo amoroso, tal como ocurre con la canción más impactante del álbum, “Viento”, inspirada en el fallecimiento de su padre, y que ahonda en cómo seguir adelante con todo a cuestas: dolores, recuerdos y cariños que siguen ahí.


Selección y textos por Manuel Toledo-Campos, Aquiles Cornejo, David Martínez, Javier Pérez, Emilio Toledo, Manuel CabralesClaudio Tapia.


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