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Especial Lollapalooza 2013: Pearl Jam

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Todos tienen alguna idea de quiénes son Pearl Jam. La banda de Seattle es una de las agrupaciones de rock más importantes de la historia, no sólo por ser la banda de grunge activa más relevante, sino que también por refrescar su estilo, esto gracias a que Pearl Jam no es la única conexión de sus miembros con la música. De hecho, si hacemos una revisión, nos daremos cuenta que la carrera de PJ ha sido muy similar en prolijidad que sus actos paralelos, lo que demuestra su inquietud por hacer PEARL JAM 01cosas y darle algo a la música todo el tiempo.

El antecedente más inmediato pueden ser los dos discos solistas que ha sacado su frontman, Eddie Vedder, que se dedican a resolver inquietudes del artista más allá de seguir con lo que ya hace con su agrupación nodriza. El soundtrack de “Into The Wild” (2007) y “Ukulele Songs” (2011) son discos extraños, conceptuales y coherentes. Cada cual se encarga de destacar aspectos de Vedder que muchas veces no se ven a simple vista, como su sensibilidad por las melodías o su sentido genial de los arpegios. No sólo ha armado estos dos álbumes, sino también ha participado con tracks en particular en soundtracks diferentes, lo que confirma que sus preocupaciones musicales son muchísimo más amplias que el rock.

Junto con Vedder, Jeff Ament, Stone Gossard y Mike McCready formaron parte de Temple Of The Dog, el germen original de Pearl Jam, donde también participó Chris Cornell. La banda duró poco, pero a juzgar por sus nombres, fue un semillero más que prolífico para el rock. Sólo sacaron un disco de estudio, el homónimo de 1991, que fue el resultado de un trabajo donde el propio Chris Cornell quiso rendir tributo a Andrew Wood, amigo suyo y miembro de Mother Love Bone, quien había muerto de una sobredosis en 1990. El álbum tuvo buenas críticas, pero falló en las ventas. De hecho, el reconocimiento de este proyecto llegó a lo masivo cuando Pearl Jam irrumpió en la escena. Pero no PEARL JAM 03significó el final del trabajo de este grupo de artistas. No mucho después, en 1993, Cornell, Ament y McCready se juntaron con el nombre de MACC (por las iniciales de sus apellidos y el de Matt Cameron) para participar de un tributo a Jimi Hendrix, “Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix” con la canción “Hey Baby (Land Of The Rising Sun)”.

Tras ello Pearl Jam se tomó la vida de sus miembros, pero no sólo Vedder pudo dedicarse a trabajar como solista. Jeff Ament también ha lanzado dos álbumes completamente de carácter experimental: “Tone” en 2008 y “While My Heart Beats” en 2012, además de tocar con otras bandas como Three Fish en los noventas, o Derranged Vision, Tres Mts. y RNDM. Mike McCready ha sido menos prolífico, pero su gran proyecto paralelo a Pearl Jam fue la súper banda Mad Season. Este grupo estaba compuesto por Layne Staley, vocalista histórico de Alice In Chains, Barrett Martin, baterista de Screaming Trees, y John Baker Saunders en el bajo. El grupo, marcado por los problemas de sus miembros con las drogas y el alcohol, lanzó sólo un disco, “Above” en 1995, y de hecho este año se reeditó en una edición de lujo.

Menos activo es el guitarrista Stone Gossard, quien mantiene un bajo perfil, pero que de todas formas ha seguido casi de manera paralela a Pearl Jam con Brad, una agrupación que formó con otros PEARL JAM 02músicos de Seattle y con quienes ya ha lanzado cinco discos. También publicó en 2001 su único álbum solista, “Bayleaf”. Y también lo intentó en la industria discográfica, creando Loosegrove Records en 1994, incluso siendo el sello que lanzó el álbum debut homónimo de Queens Of The Stone Age (1998). Loosegrove cerró sus puertas en 2000.

Como puede notarse, todos los integrantes de Pearl Jam han hecho obras en paralelo a su banda “nodriza”, no obstante, por diferentes razones, es claro que PJ se ha vuelto parte de su familia y que sería extraña una separación de esta, una de las agrupaciones que aparenta ser de las más estables del rock y que demuestra que sí es compatible tener un tremendo éxito y, a la vez, buscar generar una obra mucho más amplia por separado.

Por Manuel Toledo-Campos

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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