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Discos chilenos destacados 2022 Discos chilenos destacados 2022

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Discos chilenos destacados 2022

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Tras dos años donde la creación y lanzamientos fueron marcados por la pandemia, 2022 fue de reconstrucción de circuitos, flujos y formas de mover la música. Varios locales que impulsaban música en vivo ya no existen o cambiaron de rumbo, y en los medios también se estrecharon los espacios para la música nacional, viviéndose una especie de reinicio muy lento en la actividad. En un contexto así, el formato “disco” ha significado un refugio no sólo creativo, sino que en muchos casos es la gran vitrina que tienen estos proyectos, así que no basta con un par de canciones y nada más, notándose cada vez más un afán coherente en las propuestas chilenas.

Habiendo evaluado alrededor de un centenar de álbumes, sin mayor filtro de género o factura, EP o LP, nuestro equipo seleccionó recomendaciones para comprender la amplitud de los sonidos chilenos en una época donde los nombres o los amiguismos no alcanzan para ganar notoriedad. Felizmente, es la creatividad la que hoy entrega espacios, reconvertidos y resignificados para llegar a la audiencia.

La música de cantautores sigue siendo relevante, con nombres como Yorka, Benjamín Walker, Rosario Alfonso o Diego Lorenzini, cruzando el año con la fuerza de composiciones que denotan una evolución sin perder la esencia. También hay artistas y agrupaciones que se la jugaron con proyectos nuevos y que acertaron en lanzamientos que consiguen identidad propia, como pasó con Carlos Cabezas en su primer EP con La Banda del Dolor, Cienfuegos, Jurel Sónico & Los Impuros, Lanza Internacional o Mowat & Colombina Parra. En tanto, existen debutantes que pisaron fuerte en este año con sus primeros LPs, como Movediza, Emilia Borlone, Suppression o Casa Tomada. Finalmente, una mención especial para retornos que entregaron nuevos bríos a proyectos que ya tenían un corpus sólido de trabajo, como ocurrió con Weichafe, Niños del Cerro o Congreso.

La selección comprende trabajos lanzados entre el 27 de noviembre de 2021 y 1 de diciembre de 2022. Los discos están ordenados por orden alfabético de artista y cada imagen contiene un link directo para escucharlos.


“III Brote”

Alerce

Diez años transcurrieron para que desde las húmedas tierras valdivianas emergiera el tercer álbum de Alerce. Honrando a los milenarios árboles de los cuales la banda recoge su nombre, “III Brote” es un trabajo que tardó en gestarse, pero que pacientemente desarrolla su vigor, tanto sonoro como lírico, combinando la destreza del math rock con las ambiciones grandilocuentes de un poético rock progresivo. Evocando la nostalgia y el aura de misterio de los parajes cubiertos por la neblina en nuestro sur, el cuarteto nos regala una antología de cartas donde reflejan sus más profundos sentires; miedos y angustias que arrecian cual diluvio, pero que permiten florecer la vida enclaustrada en nuestro interior.


“El Poder del Mar”

Arranquemos del Invierno

En una segunda aventura sonora, el proyecto de la ex voz de Niño Cohete explora por pasajes envolventes y calmos, donde la producción es fiel reflejo del concepto detrás del disco. “El Poder del Mar” ofrece una fórmula que se desvía levemente del repertorio previo de Arranquemos del Invierno, y en esta ocasión son ritmos elementalmente electrónicos los que se mezclan con arreglos vinculados al folk, sin perder la esencia pop en cada composición. Mediante canciones que hablan de reflexiones internas y evocan el renacer, Pablo Álvarez toma el desafío de navegar por nuevos ritmos, dando como resultado una mixtura interesante, cuyos puntos en común son el aura ambiental y el compás manso que lo rodea.


“Maximalismo”

ASMRBRUJO

Desviándose del camino que sigue con su banda Coloresantos, el productor Adan Fresard se expande sonoramente en su proyecto solista ASMRBRUJO, donde con “Maximalismo” se concentra en desarrollar una estética sonora muy personal, entregando guiños al shoegaze siempre mediante un toque contemporáneo y donde en ocho canciones explora distintas facetas de su propia personalidad a través de temáticas humanas, vulnerables y también de mucha reflexión. Gracias a un cruce de estilos y texturas, ASMRBRUJO irrumpe con una experiencia comprometida artísticamente hablando, donde se despoja de cualquier etiqueta para implementar sus impulsos creativos.


“Choose Your Death”

Behead

Mediante un sonido influenciado por el death metal de los noventa, “Choose Your Death” es un flashback colmado de agresividad correctamente ejecutado. Bajo la distribución del sello chileno Burning Coffin, el cuarteto oriundo de Talagante apuesta por una fórmula intensa, la cual se posiciona dentro de un territorio intermedio entre el thrash y el death. Con un repertorio en inglés casi a totalidad, destacan los matices de la apertura con “Moonlight Nocturne”, la canción en español “Renacer”, y el quiebre melancólico a final de “Suicidal Mind”. En un trabajo claro en su cometido, el debut de Behead logra evocar un período puntual en la historia del metal extremo, acompañados de un sonido y técnica sobresaliente.


“Libro Abierto”

Benjamín Walker

El tercer disco de Benjamín Walker, y primero desde que dejara Chile para establecerse de forma permanente en México, es un oleaje de emociones y sutilezas, donde las canciones –guiadas principalmente por su guitarra acústica– van mostrando un abanico de matices y sonoridades que abrazan en los momentos difíciles e impulsan cuando la energía recorre tu cuerpo. “Libro Abierto”, tal como lo dice su nombre, es una oportunidad para conocer a la persona detrás del artista y entender que los discos también pueden ser una instancia de aprendizaje y reconocimiento. Once piezas bien armadas y concisas que, sobre todo, elevan el nombre del santiaguino a las grandes ligas de la escena nacional.


“Más Allá del Mundo”

Burning Caravan

Fieles a su propuesta y con una lucidez digna de imitar, el sexteto franco colombiano chileno nos vuelve a deleitar con un álbum de estudio directo, ecléctico y, sobre todo, increíblemente cautivador. Como quien vuelve a reunirse con un grupo de viejos amigos, la agrupación no pierde el tiempo intentando reinventar su fórmula, sino que se dedica a sacarle punta a sus puntos fuertes y además sumar himnos a un catálogo que, a esta altura, tiene innumerables momentos de magia. De espíritu innegablemente gitano, pero con exquisitos pasajes de jazz, bolero y ska, los 30 minutos de música que nos regala el conjunto son un verdadero viaje más allá del mundo, tal como profesa el título del álbum.


“Antes Del Sol” (EP)

Carlos Cabezas

Grabado con los músicos de La Banda del Dolor (Gonzalo López, Mauricio Melo, Paolo Murillo, Nicolás Quinteros y Edita Rojas), este lanzamiento es el primer trabajo solista del cantautor desde 2010. Fiel al tono de sus últimos discos con Electrodomésticos, los cuatro temas que dan vida a este EP se caracterizan por tener un sonido más bien reposado, que da espacio suficiente para la construcción de cautivadoras atmósferas, donde sobresale el correcto trabajo en guitarra, las precisas percusiones de Rojas y la infalible interpretación de Cabezas. A esta altura, el ADN musical que caracteriza la obra del cantautor es ciertamente familiar, sin embargo, ha probado al mismo tiempo seguir siendo además imprescindible.


“Ruth 9000”

Casa Tomada

El primer LP de la banda penquista Casa Tomada, aparece con fuerza dentro de lo mejor de 2022. Un disco directo, que sin rodeos entrega media hora de un rock alternativo cargado al shoegaze y a la distorsión, mostrándose como nuevos exponentes de un estilo que en el último tiempo ha ganado fuerza en el medio nacional. Un trabajo que también gira en torno a una temática global: la muerte. La primera parte llama al deseo del reencuentro, mientras que la segunda aborda la llegada al más allá, logrando dar una vuelta completa por un tópico que no siempre se aborda en la escena. Pese a que puede parecer un disco oscuro, su energía llama más a la claridad, algo clave cuando se aborda este tipo de líricas.


“Derrotero/Devenir” (EP)

Cienfuegos

En un recorrido breve, aunque sumamente intenso, “Derrotero/Devenir” conduce la rabia como su principal fuerza creadora. Con seis canciones que se articulan desde la visceralidad, lo nuevo de Cienfuegos aglutina múltiples sentimientos en combustión, donde convive la desesperanza y el cansancio, pero también la resistencia. Mediante el uso de un lenguaje poético, la banda ofrece como postal la memoria de un territorio herido, emparentándose en su propuesta a grandes nombres de la escena hardcore local con tintes figurativos. En un trabajo de naturaleza caótica y con cercanías al screamo, el cuarteto logra abrirse espacio con particular belleza, donde se hace del ruido las respuestas.


“El Desierto Avanza”

Cola de Zorro

Algo especial tiene el cuarto larga duración del conjunto de Valparaíso. De alguna manera, y pese a los múltiples obstáculos que atravesó el lanzamiento del disco, la banda se las supo arreglar para transmitir un nivel de luminosidad e ímpetu que hasta ahora no le conocíamos. Anclados al post rock, pero con maravillosos pasajes de krautrock y una identidad sonora fuertemente ligada a los sonidos de espíritu latinoamericano, lo de “El Desierto Avanza” es tan limpio y contundente, que se termina transformando en uno de esos viajes donde, aunque uno sepa hacia dónde pueden llevarnos, igualmente terminan siendo necesarios. Un paso al frente para una banda que avanza pausadamente, pero que sólo parece crecer.


“Fuerzas Que Retroceden”

Colombina & Mowat

Trabajado a la distancia y por largos años, el proyecto que une a estos dos artistas finalmente sale a la luz. De ánimo pausado e intimista, los pasajes que dan vida a este álbum transitan de forma elegante por espacios de luz, sombra y mucha incerteza. Por momentos minimalista, todos los ingredientes incluidos en esta fórmula parecen tener un significado especial, con cada canción finalmente funcionando como un acertijo que, luego de desarrollarse, lentamente va a terminar mostrándonos su verdadera cara en una sutileza que puede ir desde un breve pasaje de piano, hasta la susurrada y a veces inquietante voz de Colombina. De esos discos que sólo crecen en la medida que uno les da espacio para respirar.


“Colores”

Columpios Al Suelo

Un mundo ruidoso lleva a la creación de proyectos ruidosos. Una frase que puede parecer liviana en su precisión, pero que no sólo radica en producir un eco, sino que en la capacidad de despertar y generar fricción. “Colores” de Columpios al Suelo genera mucho de eso. Son canciones caóticas, filosas, con una esencia muy en modo shoegaze y noise rock, que en la segunda parte se transforman en piezas más amplias y con una notoria carga post rock. Además, todo aquello combina con mensajes de escape e inquietud, que piden a gritos salir al mundo. La mezcla da, sin espacio a dudas, con un esencial en la discografía nacional de 2022.


“Luz, Figura y Sombra”

Cómo Asesinar A Felipes

Tres palabras, tres conceptos, tres energías. “Luz, Figura y Sombra” es un disco que por lógica divide, pero que por naturaleza une. Un trabajo donde Cómo Asesinar A Felipes logra mostrar su propia historia, llevando al oyente por piezas instrumentales, ritmos electrónicos y un rap oscuro. Cada etapa de la banda está aquí: el jazz ácido de los primeros discos, las postales ambientales de “Elipse” (2017) y la psicodelia agresiva y electrificada de “MMXX” (2020). Pero no es un recopilatorio, porque los detalles muestran a una banda en plena exploración y renovación. A veces recurrir a lo conocido puede llevar a una nueva esencia, y eso fue justo lo que hizo CAF.


“LUZ DE FLASH”

Congreso

Con más de 50 años de carrera musical, el nuevo trabajo del conjunto funciona perfecto para entender por qué bandas como Congreso parecen nunca perder vigencia. Basta sumergirse una sola vez en esta nueva travesía para que la urgencia y ánimo exploratorio del conjunto termine pasándonos por arriba. Elegantes en lo compositivo, precisos en la ejecución y cercanos en lo narrativo, el viaje al que nos invitan, si bien es acogedor y familiar (por el sello sonoro), nunca sacrifica un ápice de frescura. De esos trabajos que con seguridad serán un deleite para aquellos que siguen a Congreso por muchos años, pero que además deja la puerta abierta para atraer nuevos curiosos.


“Coraje”

Dania Neko

Dania Neko continúa consolidando su carrera en un disco en que, a su elocuencia e inventiva lírica, se suma una novedosa exploración de la sonoridad del flamenco. Esta nueva síntesis es un descubrimiento realmente notable en cuanto este género parece calzar de manera perfecta con su timbre vocal. Las rimas reminiscentes del estallido social y la protesta se entremezclan con referencias a Valparaíso (donde se halla radicada), dejando también espacio a momentos instrumentales que revelan un notable trabajo de la guitarra, cuyo rol protagónico ya había sido explorado previamente en su repertorio, pero que en este disco exuda una gran versatilidad técnica.


“Palabritas y Palabrotas”

Diego Lorenzini

Para la cuarta entrega de su etapa solista, Diego Lorenzini continúa desarrollando ideas a través de álbumes extensos, donde el foco de atención recae en los arreglos folk y una pluma dotada de humor y creatividad. “Palabritas y Palabrotas” se pasea por canciones íntimas y austeras, que suenan introspectivas, pero también incluye aquellas que hablan de nuestra historia reciente, como en “Nada En Contra Del K-Pop”, además de una certera versión a “Romance Del Enamorado y La Muerte” de Víctor Jara. Acompañado de algunos recursos electrónicos, las composiciones adquieren matices sin olvidar aquellos enganches mediante la reiteración de frases ingeniosas. Un álbum llevadero y fluido, pese a su duración.


“Rota”

Emilia Borlone

Con una aproximación de apariencia sencilla, pero al mismo tiempo íntima y evocadora, el primer disco de la cantautora nos sumerge en un viaje donde la variedad de texturas y una acertadísima e ineludible versión del clásico “Corazón De Poeta” (original de Jeanette) se anotan los puntos altos de la experiencia. Bossa nova, indie folk y pasajes de soul se amalgaman perfecto con la dulce y cautivadora interpretación vocal de Borlone, que no sólo tiene el gran mérito de unificar todo bajo un mismo sello sonoro, sino que además logra que la artista se aventure en universos narrativos que van desde lo romántico a la crítica social sin perder un ápice de credibilidad. Veintitrés minutos de pura lucidez.


“El Camino del Selk’nam”

Fases

Un trabajo como “El Camino del Selk’nam” merece ser visto desde dos perspectivas. Primero, por su extraordinaria propuesta musical, en donde sobresale la convivencia de potentes riffs de guitarra con delicadas secciones tocadas por la agrupación. Una mezcla de emociones y sonidos meticulosamente grabados, que sacan a flote el trasfondo del proyecto: honrar a una cultura exterminada por la ambición. Es esa intención la que lleva a la segunda perspectiva por donde se debe abordar el EP lanzado por Fases: sus líricas. Durante la media hora que dura el álbum, el oyente está expuesto a una narrativa emotiva y directa, que lleva a la reflexión y al redescubrimiento del pueblo amerindio asesinado en el extremo sur. Un manifiesto lírico, social, cultural y musical.


“Herida”

Francisco Victoria

Un disco que sangra, hiere, sana y se resiente, es lo que entrega Francisco Victoria en su segunda entrega. Explorando los orígenes del dolor, el artista evita caer en clichés, por lo que, cuando hace interpelaciones directas en letras llenas de sentimiento, el pop elegante que cultiva se torna más devastador. Cómo se llega a los momentos de los que usualmente se canta, y cómo las decisiones y las sensaciones se van sucediendo, son análisis veraces que el compositor aplica en un álbum que lo ve avanzar como productor y expandirse como intérprete. Breve en sus ocho tracks, pero duradero en el efecto que produce, “Herida” es un preciso bisturí pop que interviene las emociones y no deja indiferente.


“A Flourishing Fall In A Grain Of Sand”

Humanotone

El segundo disco de esta banda originaria de Coquimbo se caracteriza por un incuestionable protagonismo de la guitarra, que dialoga con las suaves melodías de la voz mediante riffs que transitan entre lo pesado y lo melódico. Aunque el uso prominente del fuzz y los ritmos arrastrados acercan a la banda al mundo del stoner rock, los solos extensos y la longitud de las canciones –que promedian los 10 minutos– la vinculan con un sonido más progresivo. Esta interesante combinación, y la similitud que tienen las canciones entre sí, da como resultado un disco que refleja la temprana madurez de una banda que ya ha definido su sonido, pero que aún tiene un amplio margen para expandir la variedad de su repertorio.


“Paisajes Imaginarios”

Julia Gjertsen & Nico Rosenberg

El álbum propone una exploración de texturas ambientales donde confluyen elementos orgánicos (piano, flauta) y sonidos sintéticos, que se empastan a través del uso de delays de cinta, aportando un característico sonido lo-fi. En general, las piezas tienen una gran libertad en relación al ritmo, otorgando un carácter casi improvisado a las líneas melódicas, aunque algunas, como “Håp” o “Atlantis”, poseen ritmos pulsativos que aportan variedad. La mayor virtud de Gjertsen & Rosenberg reside en la construcción de múltiples planos sonoros, pues logran que un elemento, que inicialmente parece principal, termine constituyéndose en una parte del acompañamiento de otra idea melódica o textural.


“Flores Plásticas”

Jurel Sónico & Los Impuros

No importa cuál sea el proyecto o el lugar que ocupe en él, Jurel Sónico siempre tiene algo que aportar a la escena nacional. Conocido por ser el fundador de Adelaida, ahora Claudio Manríquez se sumó a Joaquín Roa, Gacotochi, Tomás Pérez y Mort para dar vida a Jurel Sónico & Los Impuros, una banda que debutó con fuerza gracias a su disco “Flores Plásticas”. Aquí la agrupación explora estilos como el grunge, shoegaze y un rock más alternativo, mostrando una paleta de colores que, aunque inevitablemente lleva a lugares similares a la de los otros proyectos de Jurel (Adelaida y Mowasee), aporta nuevas sensaciones, principalmente ligadas a paisajes oscuros y muy densos, los cuales explotan en coros con mucho engañe y fuerza.


“Antipoda” (EP)

La Brígida Orquesta

Con una formación que incluye a algunas de las figuras más llamativas de la escena nacional (Gabo Paillao, Matiah Chinasky y Felipe Metraca), La Brígida Orquesta vuelve a dar con una propuesta que cautiva a públicos tan distintos como a los fanáticos del jazz y los del rap más duro. Es esa mezcla de vibraciones y emociones la que vuelve en “Antipoda”, segundo proyecto de la banda, que en sus bronces incluye a ex participantes de la Conchalí Big Band. Un EP que atrapa con los lúgubres sonidos instrumentales y con la melancólica prosa de su vocalista, elevando la experiencia a un ir y venir de sensaciones y colores. El producto hace justicia al nivel de sus creadores, algo muchas veces difícil.


“Ritmos en Cruz”

La Ciencia Simple

Ritmos En Cruz

A estas alturas, hablar de La Ciencia Simple es referirse a un emblema de la escena post rock nacional. Revalidando su jerarquía, el cuarto álbum del colectivo es la consolidación de una exploración que los ha llevado a navegar en la inmensidad de los mares del ambient. En un momento de cambios para la banda, “Ritmos en Cruz”, las últimas grabaciones con formación original, es responsable de reflejar ese estado de metamorfosis, el cual privilegia texturas y atmósferas donde prima la calma y delicadez, pero que sabe dar espacios a intensos quiebres, y con ello, a un firmamento infinito de constelaciones sónicas, redibujando la infinita cartografía de colores del cuarteto santiaguino.


“Frente”

Lanza Internacional

Mirarnos cara a cara, sacarnos las máscaras, tanto en relaciones interpersonales como a nivel de sociedad. Esas son las invitaciones que nos hace el nuevo trabajo de los hermanos Durán, quienes, pese a estar radicados en México, mantienen su vínculo con nuestro país, reflejándolo en el contenido lírico del segundo álbum de su proyecto. Con un catálogo sonoro de temas bailables y estribillos pegajosos, influenciados por el new wave y el rock alternativo, en todos trasciende su potencial radial. De esta forma, “Frente”, para bien o para mal, se emparenta con el pasado y tiende puentes con la última etapa de Los Bunkers, siendo antesala a la reunión de la legendaria agrupación penquista.


“Los Jerjeles”

Los Jerjeles

La energía de un sonido inclasificable y mestizo es lo primero que reluce del inquieto debut homónimo de Los Jerjeles. Bronces, percusiones con tintes afro y sintetizadores psicodélicos son parte de un trabajo heterogéneo, que bebe influencias del funk, jazz, surf y el afrobeat, todo junto y revuelto con audacia y actitud punk. En un proyecto que reúne a miembros de Ram y Los Mixes, Playa Gótica y Pirómanos del Ritmo, las palabras son un aspecto prescindible, abriendo paso a un colectivo instrumental donde la música habla por sí sola, y el título de sus siete canciones invita al imaginario de la libre interpretación. Un trabajo ineludible para aquellos afines a lo bailable y lo experimental.


“Faces”

Luxferre

Con la capacidad para levantar imaginarios grandilocuentes, “Faces” se posiciona como uno de los trabajos mejor logrados dentro del panorama post-metal a nivel local este año. Cuatro canciones son las que sostienen el primer larga duración de Luxferre; cuatro pilares donde se aprecia un permanente cuidado por crear obras atmosféricas, en las cuales convive la densidad de las melodías con los pasajes etéreos. Mediante recursos propios de este género “ambiental”, cada composición atraviesa distintos niveles de tensión en su desarrollo. En su conjunto, este álbum refuerza la idea de aquellos proyectos donde el peso instrumental es el encargado de encaminar las emociones, demostrando solidez y cohesión en la propuesta.


“Fracturas”

MOVEDIZA

Construyendo un sonido íntimo, elegante, pero con fuerza, Movediza deshace el piso mientras da sus primeros pasos en su intrigante disco debut. Sin obviedades, pero tampoco invitando a hurgar demasiado para comprender el todo, “Fracturas” es un álbum que se siente desde los pliegues de aquello que tapa lo aparente, dejando que el misterio se disipe poco a poco, tanto en sonido como en las letras, que también plantean múltiples lecturas. Aunque lo electrónico predomina, el cuidado de cada track, cada capa, cada elemento que suena o se acalla, todo apunta a un trabajo “a mano”, con espacios para lo delicado y lo rugoso. Un primer disco brillante, que requiere ser descubierto y disfrutado.


“Botones”

Narval Orquesta

Hace mucho que un disco póstumo no sonaba tan celebratorio y expansivo, pero Narval Orquesta consigue que su adiós sobresalga a punta de riesgos, colores y muchas ideas en medio de otro año opaco para el país. “Botones” es una colección de experiencias que rondan lo académico y lo poco ortodoxo, entregando más que canciones o composiciones. El nivel de juego y de manejo del lenguaje musical en este disco es enorme, pero no sólo desde lo prodigioso y hábil, sino también desde lo emotivo, que se cierne sobre un trabajo que evita mostrar su hálito de despedida, aunque sí consigue llegar a esa atmósfera épica donde se cruza el momentum, la astucia, lo nuevo y la identidad de una banda que se extrañará.


“Suave Pendiente”

Niños del Cerro

En un ánimo menos directo que el de su disco anterior, pero igualmente arrollador, el tercer trabajo de estudio del quinteto tiene el gran mérito de eludir de manera impecable casi todas las etiquetas estilísticas. Es cierto que al acercarnos a estas quince canciones vamos a encontrar elementos de shoegaze, dreampop, space rock e incluso algo de post rock, pero claramente la propuesta sonora de Niños del Cerro va mucho más allá de ellas, con la banda inteligentemente abocada a fusionar y alternar dichas identidades. Como si eso fuera poco, los precisos arreglos de saxofón (cortesía de Franz Mesko) y el audaz trabajo en la base rítmica a lo largo del álbum, terminan haciendo de este viaje una experiencia imperdible.


“Monte Oculto”

Novedades Matutinas

Art rock, jazz fusión, neo-progresivo, ambient pop. Son variadas las etiquetas y mundos que caben en los tan solo seis temas que dan vida al segundo álbum de Novedades Matutinas. Poderosos y elegantes, palabras empleadas por sus propios integrantes, definen a la perfección la multiplicidad de colores y texturas de una propuesta cuya destreza técnica habita en comunión con una sensibilidad melódica envidiable. Destacando en la esfera de sonidos de vanguardia nacional, justamente por balancear complejidad y sencillez, “Monte Oculto” nos convoca a una peregrinación sónica, experimentando tanto momentos de frenesí como de profunda templanza, para de paso develar los misterios de sus atmósferas etéreas.


“Sons Of Violence”

Parasyche

Impulsados por la fama viral de su vocalista en YouTube, Parasyche logra sacar provecho de las lógicas de internet para saltar desde el anonimato hacia una vitrina global, presentando un álbum que podría significar un paso importante en su consagración. A punta de riffs estrechamente emparentados con el groove metal de Gojira o la escuela europea del thrash metal, la segunda entrega de la banda destaca además por la participación de diversas personalidades del metal sudamericano y músicos youtubers de renombre mundial. En tiempos de agresividad e hiperconectividad, Borie y compañía se valen del impulso y encaminan la internacionalización del conjunto, respondiendo violentamente a un contexto que así lo exige.


“De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”

Rosario Alfonso

De naturaleza indie folk, pero con un sello único que destaca por sus delicados vocales, elegantes arreglos de cuerda y vientos, percusiones de innegable espíritu latinoamericano y una narrativa directa e inteligente, lo del segundo larga duración de la cantautora es uno de esos trabajos que obliga a detenerse y dejarse encantar. Los 45 minutos que dan vida a “De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”, alternan motivos sonoros de una manera tan efectiva y cautivadora, que cada vez que creemos haber descifrado el lenguaje musical de este recorrido, nos vamos a encontrar con algún pequeño (o no tan pequeño como sucede al cierre del disco) giro compositivo que vuelve a recuperar nuestra atención. Un gran acierto por donde se le mire.


“Visions Of A Dismal Fate”

Rotten Tomb

Desde las agrestes tierras del extremo norte, los iquiqueños Rotten Tomb nos condenan al averno con su primer álbum, uno que, gracias a riffs espectrales, ritmos bestiales y voces infernales, son manifestación de un death metal en su estado más puro. Tras años de ruedo en la escena, tanto nacional como internacional, este debut es la consolidación de un trabajo que se posiciona a la par de aquellos nombres que defienden la ortodoxia del género. Con un sonido demoledor y descarnado, que no requiere de un matiz de originalidad para destacar, “Visions Of A Dismal Fate” halla su virtud en el correcto entendimiento y ejecución de las formas clásicas, revelando ante nosotros el significado de lo demoníaco.


“The Sorrow Of Soul Through Flesh”

Suppression

Pocas veces un debut en el metal chileno logra un nivel de autodeterminación tan profundo como lo que hace Suppression. Quizás ayudan las experiencias anteriores de los músicos que conforman la banda, o tal vez es el tiempo que fue paciente con el crecimiento del proyecto, pero la brutalidad siempre intencionada y al servicio de las estructuras de las canciones hace que este disco suene fresco y agobiante. Ejecutando un death metal más técnico, no deja de ser admirable la capacidad de hacer propios ciertos elementos que pareciera que se han escuchado tantas veces, y con una producción donde lo old school no le quita aires de presente a este, uno de los mejores lanzamientos del metal chileno del año.


“Cortacalles”

Tenemos Explosivos

La emotividad en el discurso y en lo musical son aspectos fundamentales para un proyecto como Tenemos Explosivos. Sin ser la excepción, “Cortacalles” es un trabajo que reafirma el factor político como cualidad inherente, constituyendo los cimientos que permiten levantar cada composición. En esta cuarta entrega, lo interesante recae en una producción que amplía los recursos sonoros. Un abanico que ofrece sutilezas como “El Barco de Teseo”, hasta canciones más pesadas como el caso de “Zanjón de la Aguada”. Todas con un cuidado por el relato, que en conjunto dibujan postales de un pasado reciente colmado de terrores y preguntas, donde se sostiene y reafirma el valor de la música como ejercicio de memoria.


“Vuelo Hacia El Final”

Weichafe

La sexta entrega discográfica de Weichafe se desenvuelve de una manera sólida y sin mayores complicaciones en lo sonoro y narrativo, demostrando el inmenso oficio que la agrupación ha desarrollado con los años, además de la expansión en términos de desarrollar sus canciones sin temor a experimentar. Nueve tracks de naturaleza arrolladora, pero con una delicadeza en los detalles que el cuarteto implementa bajo una amalgama de influencias, siempre con su sello preciso en cuanto a la exploración de estilos, texturas y la convivencia de distintos elementos. Con este trabajo, Weichafe se muestra como una banda compositivamente madura y aventuradamente joven.


“Chao”

Yorka

El cuarto disco de las hermanas Pastenes dispone una coherencia brutal desde el adiós y sus múltiples facetas, en diez tracks cálidos y fríos, como diría Franco de Vita. Ya sea cuando se aproxima o cuando ya ocurrió, este “Chao” pone a la melancolía al centro y consolida al dúo con elegancia, frescura y sutileza. En medio de tracks de suave pop llenos de cadencia, producción cuidada y voces en armonía perfecta, se explora cómo “dejar ir” y no decaer en el intento, incluso no siempre desde lo amoroso, tal como ocurre con la canción más impactante del álbum, “Viento”, inspirada en el fallecimiento de su padre, y que ahonda en cómo seguir adelante con todo a cuestas: dolores, recuerdos y cariños que siguen ahí.


Selección y textos por Manuel Toledo-Campos, Aquiles Cornejo, David Martínez, Javier Pérez, Emilio Toledo, Manuel CabralesClaudio Tapia.


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Mejores discos internacionales 2022

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Mejores discos 2022


No importa si se trata de nombres nuevos o consagrados, no queda duda de que este año trajo consigo varias grandes obras en distintos estilos. 2022 queda atrás y es tiempo de nuestros recuentos revisando lo mejor en el cine y la música durante la temporada, siendo en esta ocasión el turno de los discos internacionales que más destacaron en los últimos meses. Desde figuras siempre presentes en este tipo de publicaciones, hasta nuevas incorporaciones, el año tuvo una diversidad de sonidos y conceptos que fueron ejecutados de manera impecable por los artistas acá presentes.

Como cada año, nuestro equipo propuso, escuchó, evaluó y seleccionó un cuidadoso listado durante todos estos meses, para así entregar los que son, a nuestro parecer, los discos más destacados durante el período del 3 de diciembre de 2021 hasta el 1 de diciembre de 2022. Más allá de subjetividades, consideren esta lista como una guía de los títulos que más disfrutamos durante este año, esperando también que puedan encontrar alguno que les llame la atención o, por qué no, a su próximo artista o disco favorito. Sin mayores preámbulos, los dejamos con nuestra lista de los mejores 50 discos de 2022.

Si quieres escuchar los álbumes, haz clic en la imagen de cada uno.


Diaspora Problems

Soul Glo

Acechando desde las tinieblas del under e influenciados por diferentes vertientes de la música negra, Soul Glo irrumpe en los radares mundiales vomitando energía a través de versos furibundos, con rimas y riffs que merodean en búsqueda de trifulca. Encausando múltiples estímulos del mundo callejero a través de la energía hardcore del sonido east coast, el cuarteto de Filadelfia incorpora además la agresividad y excentricidades del trap con naturalidad, redibujando esa ambigua etiqueta denominada “música urbana”. Transgresor en cuerpo y alma, “Diaspora Problems” refleja la mirada de un grupo de hijos de migrantes sobre la violencia y marginalidad vivida entre callejones y baldíos de nuestras metrópolis.


“And I Have Been”

Benjamin Clementine

Benjamin Clementine logra que los vacíos que deja el sonido minimalista se conviertan en un foco, casi como el lente encuadrando detalles al filmar una película. Melodía, letra, poesía, fuerza y ansia artística se respiran en cada rincón de su álbum más directo y accesible, pero no por ello menos elaborado. El manejo de melodías y relatos es algo que el artista implementa con maestría, acercándose a lo cotidiano y lo mundano sin dejar de sonar celestial, en especial en los arreglos, tanto vocales como de cuerdas, y en su propia voz. Pocas veces la pena, la angustia y las disputas internas suenan tan elegantes y brillantes, menos aún con este halo de integridad artística que baña de épica cada escucha.


“Malign Hex”

Meat Wave

Post punk y noise es lo que suda Meat Wave en su cuarto disco de estudio. Los de Chicago se vuelcan a una forma más primitiva y natural de ejecución, donde expulsan con mayor intensidad y velocidad una propuesta sonora que goza cada vez más de nuevos adeptos. “Malign Hex” es breve y veloz, un disco pensado sin mayores sobresaltos y con una estructura al grano, que no da pie a mayores sutilezas que acompañen bajo, guitarra y batería, sólo 10 certeros golpes al mentón entre un tímido baile. Es interesante cómo conjugan justamente los brillos del noise con las claves típicas del ensueño post punk que ya han revitalizado bandas como Protomartyr, Shame o Fontaines D.C. Si bien, Meat Wave no ofrece mayor originalidad, explota con destreza un recurso donde lo certero es clave, manteniendo una tensión constante y resolviendo con oficio con una receta básica.


“Melt My Eyez See Your Future”

Denzel Curry

Dando un nuevo paso en su ascendente carrera, Denzel Curry sorprende con “Melt My Eyez See Your Future”, su quinto larga duración y una demostración de las capacidades que el rapero tiene a la hora de gestar un relato coherente, potente y más orgánico que los estilos a los que suele recurrir, donde no solamente se expande sonoramente, sino que también presenta distintas caras de su multifacética presencia. Entre incontables colaboraciones y referencias a la cultura popular y la estética del hip hop más clásico, el oriundo de Florida se muestra diverso y establece de manera definitiva las bases para seguir su obra en el futuro, el que seguramente estará marcado por capítulos tanto o más interesantes que este.


“BADモード

Hikaru Utada

El autoconocimiento es algo que viene con el tiempo, desde experiencias e interactuar con otros, y Hikaru Utada entiende que esa reflexión no se termina. Por ejemplo, elle (en respeto a su autodefinición) primero se rebeló contra los pronombres de género y luego se definió como persona no binaria; la electrónica que dominó sus trabajos anteriores dio paso también a sonidos más orgánicos y, en medio, canciones bailables, pero llenas de tristezas compartidas. Empatía en dosis saludables y dolores en espacios seguros, entre el city pop, disco, R&B y más estilos que se complementan con composiciones que relucen la madurez en la voz de le artista, ícono del jpop no sólo en su forma de cantar, sino en la solidez estructural del LP.


“Where Myth Becomes Memory”

Rolo Tomassi

A través de un fluido viaje de intensidades, “Where Myth Becomes Memory” se perfila como la muestra del extendido proceso artístico recorrido por Rolo Tomassi. En su sexto álbum, los ingleses enfocan su mirada hacia los sonidos etéreos, tomando nota de géneros como el dream pop para añadirlos a la fórmula donde también habitan influencias cercanas al mathcore. En un vaivén permanente, la banda logra plasmar la dualidad de emociones que conduce este disco, donde pasajes agresivos conviven armónicamente con aquellos momentos de mayor sutileza e intimidad. Liderados por la dupla Eva Korman y James Spence, Rolo Tomassi consolida una etapa de crecimiento mediante un trabajo donde prima la melancolía y amplía sus horizontes.


“Zeal & Ardor”

Zeal & Ardor

Tras casi un año entre la publicación de su primer single promocional y el álbum, Zeal & Ardor hizo valer cada segundo de espera por su nuevo LP. Como si hubiese sido intencional, por cada mes de espera, Manuel Gagneux incorporó un estilo musical en su ecléctico proyecto, reafirmando su posición de vanguardia en el metal. Con naturalidad y sin tapujos, el músico logra combinar ritmos tan dispares como los son el blues y góspel con el black metal, dando por resultado un trabajo lleno de matices, a su vez reinventando aquellos cantos que por siglos alzaron al viento los esclavos traídos desde África, reconfigurando su sentir, en un ejercicio que para liberar almas está dispuesto a desgarrar carne.


“II”

Dead Cross

Una aplanadora sin contemplaciones es lo que entrega Dead Cross con su segundo trabajo de larga duración. El proyecto que ve a Mike Patton asomarse por las vertientes del hardcore punk al más puro estilo de la escena ochentera, entrega un disco muy claro en sus intenciones, sin escatimar recursos para desenvolver su carácter de una manera lúdica y violenta, con la siempre inquietante fuerza interpretativa del frontman. Una sección rítmica de lujo, coronada por las punzantes baterías de Dave Lombardo, hace de este disco un esencial no sólo de la temporada, sino que también de un artista tan relevante como Patton, que se encuentra en un prolífero y maduro punto de su extensa carrera con múltiples proyectos.


“BLUSH”

PVA

El trío londinense no revoluciona el género, pero sí refresca el panorama con “BLUSH”. La receta de la banda es simple: acercarse lo más posible a todos los recursos del synthpop, el dance, la electrónica y sus derivados, con diferentes estados de fervor, intensidad y oscuridad. Así, el álbum se mueve entre la voz de Ella Harris y Josh Baxter, quienes marcan sus diferentes ritmos y pausas. Dentro de la música electrónica y bailable, PVA propone nuevos aires que, si bien no son arriesgados, recuperan ciertos pasajes de un estilo que necesita reinventarse. En sencillos como “Bad Dad” la banda conjuga en extremo su destreza entre lo sintético y lo análogo. Para los fanáticos del género, PVA se enlaza muy bien con lo que hacían bandas como Ladytron, por ejemplo.


“Fear Of The Dawn”

Jack White

En una de las decisiones más inesperadas para un artista como Jack White, publicar dos álbumes este 2022 sirvió para analizar en profundidad su obra, principalmente con “Fear Of The Dawn”, disco más eléctrico y experimental en comparación a su sucesor “Entering Heaven Alive”. Acá, el guitarrista se expande sonoramente y entrega arreglos refrescantes a una fórmula que con los años hizo propia, funcionando para dejar contentos a sus seguidores de la vida, así como a los curiosos que busquen un nuevo álbum de rock en tiempos como estos. Jovial, atrevido y despojado de las etiquetas, el guitarrista muestra una de sus facetas más maduras y sólidas con otro capítulo en su larga carrera.


“Gnosis”

Russian Circles

Con su octavo trabajo, Russian Circles abraza mucho más el metal que en otros discos, demostrando cuáles son sus intenciones e influencias. Y es que el consejo de Kurt Ballou en la producción los ha llevado a nuevos límites sonoros y compositivos. “Gnosis” asoma como un disco breve pero intenso, lleno de capas y detalles. Esos riffs que antes Mike Sullivan administraba de manera más textural y con el uso de loops, ahora resuenan de manera más cruda y directa, siempre acompañados de profundos bajos, y una furiosa y ordenada batería. “Gnosis” es uno de los trabajos más duros de Russian Circles, donde la inspiración se centra en profundizar ese sonido más ligado al sludge y al post metal, trabajando por capas y haciendo del trío una experiencia más robusta.


“The Line Is A Curve”

Kae Tempest

Como un ejercicio de auto reconocimiento y una necesaria comprensión de su entorno, Kae Tempest irradia energía en su urgente rima con “The Line Is A Curve”, álbum donde las historias de carácter más contemporáneo toman forma y fondo mediante los contrastes propios de lo personal y colectivo, factores esenciales para comprender la narrativa y forma de interpelar que tiene Tempest en su trabajo. Con un hip hop que no teme incorporar otros estilos, la obra progresa dramáticamente mediante la interpretación de experiencias, análisis de la sociedad y sus conductas, además de una convicción muy en tono con la manera en que Tempest despacha cada palabra, siempre de forma prosaica, resiliente y lo más honestamente posible.


“Warm Chris”

Aldous Harding

La manera en que se funden arpegios acústicos y eléctricos junto a la suave voz de Harding, dan cuenta de su atractivo y sólido rango. En un contexto más minimalista, la compositora neozelandesa se atreve con toques de electrónica muy sutil, jazz y pop, casi emulando a Broadcast, con cuerdas y teclas como protagonistas. “Warm Chris” es cálido y sencillo, pero lo que lo hace robusto y completo es su paseo por esos elementos; una pizca de cada uno para un sonido original con su clásica receta de voz, la que se disfraza en cada track según lo que propone en su revoltoso folk. La experiencia a través de los movimientos que propone “Warm Chris” no hace recordar a primeras la música anterior de la artista, sino que funciona como invitación a un descubrimiento personal e íntimo hacia sus propias inquietudes, pero de forma tenue y pausada, dejando trazos de clásicos en cada compás.


“A Gut Feeling”

Cassels

Claramente no fue parte del plan, pero el resultado deja claro que el dúo inglés fue uno de los que se benefició con la pausa de la pandemia. Si bien, la propuesta de la banda siempre se sostuvo en base a riffs directos y contagiosos, el tiempo extra para trabajar en el nuevo álbum permitió que perfeccionaran la fórmula. Mientras en lo narrativo lucen más punzantes y críticos que nunca, es en lo musical donde la banda corre el kilómetro adicional, explorando estilos que van desde el math rock al post punk, pasando incluso por momentos de pop de una manera equilibrada y atractiva. Líderes de un revival desde antes de que este lo fuera, el tiempo de los hermanos Beck parece finalmente haber llegado.


“NOT TiGHT”

DOMi & JD Beck

El joven dúo DOMi & JD BECK irrumpe con un debut que mantiene en completo equilibrio la suavidad y frenética naturaleza de un sonido virtuoso, y construido en base a una naturalidad y estructura rítmica sin titubeos. Con “NOT TiGHT”, estos músicos llevan los elementos esenciales del jazz fusión hacia las nuevas generaciones, proyectando una infusión de estilos de los 70 con una mirada moderna y que carga con el peso del aprendizaje y desarrollo de dichas influencias. Desde un enfoque técnico, maduro y fresco, este disco demuestra el poder que la interpretación puede explayar para crear la esencia y alma de los sonidos, más allá de estructuras y reglamentos.


“Close”

Messa

Cual tormenta de arena en el desierto, Messa ha irrumpido en la escena global de forma inesperada con un trabajo que logra brindar nuevos colores al siempre penumbroso doom metal. Conjugando una propuesta oscura, cargada de misticismo, llena de matices melódicos y fuertemente influenciada por la cultura norafricana, el tercer larga duración de los italianos tiende puentes entre la modernidad y sonidos de raigambre tribal, enriqueciendo de texturas la propuesta autodenominada por ellos mismos como “doom escarlata”. De esta forma, “Close” consolida y hace destacar ese sello propio al lograr una comunión entre el género y elementos de dark jazz, drone e incluso música ajena a la tradición occidental.


“Lucifer On The Sofa”

Spoon

Tras aventurarse a utilizar el estudio como un laboratorio en sus últimos discos, Spoon vuelve a la creación mirándose a los ojos, transparente y aparentemente simple, y el resultado es brillante, con más rock & roll y la sencillez como emblema. La banda hilvana ideas escondiendo sus complejidades, con la habilidad que ha decantado teniendo a Britt Daniel como uno de los compositores más prolijos del rock actual. En paralelo, Mark Rankin logra que el sonido del disco comparta tal limpieza, sin perder potencia ni esa rugosidad que ya es una característica de las performances de Britt y Spoon. Uno de los mejores discos de, quizás, la banda de calidad más consistente del rock en las últimas décadas.


“Dragon New Warm Mountain I Believe In You”

Big Thief

Lanzar un álbum de veinte canciones puede parecer excesivo para una banda que habitualmente se mueve por un universo sonoro más bien pausado, sin embargo, tras recorrer los 80 minutos que dan vida al quinto disco de Big Thief, se hace evidente que el cuarteto no sólo resolvió el acertijo sin contratiempos, sino que además terminó firmando el que muy probablemente sea su mejor trabajo a la fecha. Con acertados pasajes de indie folk, country, dream pop e incluso trip hop, una aproximación narrativa impecable a cargo de la infalible Adrianne Lenker y una producción especialmente cautivadora en lo rítmico, “Dragon New Warm Mountain I Believe In You” se alza sin duda como uno de los momentos musicales imperdibles del año.


“Cheat Codes”

Danger Mouse & Black Thought

De aquellas sorpresas altamente satisfactorias es lo que entrega “Cheat Codes”. En la primera colaboración entre los gigantes Danger Mouse y Black Thought, la excelencia es un atributo que aflora desde todas las aristas posibles. La producción refinada de Brian Burton transporta al oyente medio siglo al pasado, con recursos interesantes, como el tono de teclados y beats propios del soul, hasta detalles como el ruido de los discos de vinilo. La lírica certera del MC de The Roots se complementa con invitados igual de consistentes, destacando el aporte onírico de Michael Kiwanuka o la emotiva participación póstuma de MF DOOM. Un sólido homenaje al linaje cultural afroamericano, con méritos propios de un clásico contemporáneo.


“Laurel Hell”

Mitski

Hasta 2018, Mitski había estado editando discos casi cada dos años. Para “Laurel Hell” sin embargo, se tomó cuatro años y el tiempo parece haberle sentado bien, porque su nuevo trabajo abandona por un momento la crudeza rítmica de sus entregas anteriores y se embarca sin consideraciones en los terrenos del synth-pop, el indie y el new wave de la mano de Patrick Hyland, su productor de toda la vida, acometiéndose en líricas más conceptuales e íntimas. Si bien, la producción musical es sólida, y por ratos la naturaleza intrínseca de los sintetizadores acapara rango sonoro y la voz de Mitski suena soterrada, quizás es parte de su plan de pseudo retiro por allá por 2019 y dejar que la música tome un rol más protagónico.


“Dawn FM”

The Weeknd

Tras dominar la euforia y la resaca con el todopoderoso “After Hours” (2020), The Weeknd sorprendió al encargarse de las consecuencias en su disco más humano en mucho tiempo. “Dawn FM” tiene una fluidez y coherencia que se cruza con la confusión, añoranza y hedonismo que dominan los tracks de un álbum donde no sólo se extiende en el sonido electrónico bailable y nostálgico que consolidó al artista canadiense, sino también configura una retórica compleja. Una radio, un viaje al infierno personal, y figuras como Quincy Jones y Jim Carrey se suceden en un trabajo que utiliza la división entre placer y dolor para otorgarle madurez e intención a uno de los artistas claves del pop de este milenio.


“You Belong There”

Daniel Rossen

Cuando un trabajo se posiciona bajo el rótulo de “álbum solista”, usualmente ofrece la oportunidad de abordar pasajes que evocan intimidad, ya sea desde su música como sus letras. Con una sobriedad solemne, que va desde su austera portada en adelante, Daniel Rossen es consciente de esta virtud. Las armonías vocales, el acompañamiento de cuerdas y vientos y, sobre todo, el cautivador rol de las guitarras, en partes iguales dan una excelente muestra de un minucioso trabajo de producción y las cualidades multi instrumentales del también vocalista de Grizzly Bear. Acompañándose de letras crípticas, las diez canciones que componen este disco articulan un sonido envolvente y sorprendentemente equilibrado.


“Super Champon”

Otoboke Beaver

Brutales como knockout. En un comprimido de estridencia, Otoboke Beaver amplifica una puesta en escena que, hace sólo tres años, se caracterizó por su explosiva ferocidad. El segundo disco de las kiotenses lleva la fórmula al extremo, con un buen puñado de canciones que ni siquiera alcanzan los sesenta segundos y un álbum que, en su totalidad, apenas supera los veinte minutos. No hace falta de mayores preámbulos para apreciar la habilidad de uno de los grupos más histriónicos dentro de la escena hardcore punk contemporánea. Desde la trinchera del ruido, este cuarteto de mujeres arrolla al oyente en una vorágine que, pese a su ritmo fulminante e impredecible, no deja de ser una experiencia divertida.


“How Do You Burn?”

The Afghan Whigs

Greg Dulli es un tipo que lleva cuatro décadas haciendo música, pero en vez de ser un “viejo zorro” y no aprender nuevos trucos, mantiene los oídos y el alma abierta para continuar adelante, con sonidos que motivan, prenden, emocionan, aterran y enamoran. La saga de retorno de The Afghan Whigs continúa demostrando versatilidad, letras genuinas, interpretaciones que reconocen la experiencia sin avejentar el resultado y, en esta última parada, además lo hacen sin caer en nostalgias como sería tan fácil hacerlo. Ni siquiera las últimas notas de Mark Lanegan instalan al disco desde la reminiscencia, sino que desde la reflexión, mirando hacia adelante, con dolor pero sin temor, y el resultado es inspirador.


“Sometimes, Forever”

Soccer Mommy

Uno de los desafíos que enfrentan los artistas anclados en la vereda del indie pop es cómo hacer para diferenciarse del largo número de proyectos que ocupan dicho espacio. En esa línea, el tercer trabajo de estudio de Sophie Allison funciona perfecto para poner a la cantautora por delante de sus pares. Ya no sólo se trata de un proyecto de narrativas íntimas conducido por una voz cálida, sino que en este álbum Allison toma sonoridades de corte dream pop, noise y algo de psicodelia, pero además decide sumar a la mezcla arreglos de electrónica. Con esto, no sólo logra darle novedad a su propuesta, sino que permite que el disco atraviese espacios de luz y oscuridad sin perder un ápice de consistencia. Único y cautivador.


“Autofiction”

Suede

Una de las cosas que siempre se le agradece a una banda con más de dos décadas de carrera, es que sea capaz de aventurarse en nuevas direcciones y no repetir la fórmula. Es justamente en esa línea donde el noveno álbum del quinteto se anota sus mayores aciertos. Completamente desmarcado del ánimo orquestal de “The Blue Hour” (2018), lo que hace este nuevo trabajo es invitarnos a explorar la faceta más cruda, íntima y urgente del conjunto, en un cautivador viaje que no sólo echa mano a sonidos que rememoran a grupos históricos del rock gótico, sino que además saluda a bandas contemporáneas de la escena post punk sin perder en ningún momento el innegable sello de los londinenses. Revitalizador y contundente.


“Renaissance”

Beyoncé

Después de seis años de silencio discográfico, Beyoncé vuelve con un álbum que se distancia radicalmente de lo que nos entregó en su última placa. Los 62 minutos que dan vida a “Renaissance”, por un lado funcionan como una suerte de homenaje a los grandes nombres del dance y el house de antaño, pero sobre todo se alzan como una celebración destemplada a la vida, a seguir adelante y a creer en uno mismo. Todo, con una Beyoncé arrolladora en los vocales, una producción impecable y una ejecución tan ridículamente contundente, que casi con seguridad está destinada a superar los límites del nicho para arrastrar a la pista de baile a cualquiera que tenga oídos y se cruce por delante.


“fawn”

Foxtails

Los de Connecticut sorprenden con un disco breve en apariencia, pero robusto en cuanto a una madurez en la producción y el sonido. Y es que, cuando la inquietud cruza el límite de lo “post” y lo experimental, es clave dar con aquellos elementos diferenciadores. En “fawn”, Foxtails propone un viaje más denso y oscuro, que se mezcla con una producción cruda, con baterías secas y un trabajo más detallado en las capas de guitarras. La voz como pieza clave se funde de manera orgánica con la banda. Por cierto, hay límites que Foxtails no cruza para mantenerse en el cerco de lo experimental de su propuesta cercana al screamo. Así, continúan su independencia sonora y a la vanguardia, gracias a las apariciones de arreglos de violín y sus referencias al jazz. Este disco mantiene a la banda en un estado under, pero aun así muestra sus cartas como referentes de un buen, inquieto y atrevido trabajo.


“Aethiopes”

Billy Woods

Como una declaración llena de simbolismos aparece “Aethiopes”, el inesperado nuevo trabajo de Billy Woods. El rapero neoyorkino sorprende con un disco en solitario donde no deja rimas al azar, alzándose como uno de los álbumes a tener en cuenta en el universo rapero de este año. Tremendamente directo y político, Woods es capaz de interpretar una directa lírica crítica del capitalismo, el colonialismo tardío y el racismo, con elementos ligados al country y al jazz, apropiándose de estas texturas históricamente arrebatadas (en el caso del sample del músico etíope Alemayehu Eshete en “Asylum”) o sus acercamientos al reggae en pequeñas dosis, entre otras sutilezas. Woods –que creció en Zimbabue– rescata así parte de la historia y el significado de su cultura con una intrépida propuesta sonora.


“Hiss”

Wormrot

Sin muchos preámbulos, pero con dosis desbordantes de energía, “Hiss” se encumbra dentro de los lanzamientos más sólidos del panorama extremo con una vorágine aplastante de poco más de 30 minutos. Seis años separan a este álbum de su predecesor, tiempo más que extenso donde el proyecto de Singapur trasladó su propuesta hacia nuevos horizontes de experimentación. Detrás de este telón de caos, hay un trabajo de complejidad y técnica difícil de emular; un torrente de composiciones donde la visceralidad se ejecuta con precisión milimétrica. Con cambios impredecibles, violines con tintes caóticos y la velocidad como constante, Wormrot se abre camino y demuestra que el grindcore aún es terreno para la innovación.


“Jodeki”

Tricot

Alejada de la convencionalidad que se da a nivel masivo en la música asiática, Tricot vuelve a hacer de las suyas con un excelente trabajo como “Jodeki”, donde saca a relucir su maestría al aportar una sustancia muy rica al pop de sus canciones, enfocándose como siempre en la técnica a la hora de ejecutar sus secciones instrumentales. Con una ejecución compleja y un sonido muy accesible, el conjunto japonés logra el equilibrio preciso para transmitir su fluidez hacia los auditores, trabajando con un constante sentimiento lúdico y de progresión en su desarrollo. Atmósferas sutiles, pero de una profundidad muy explícita en su forma y fondo, logran encontrar ese punto exacto entre la calidez y la estridencia.


“Heart Under”

Just Mustard

La oscuridad y los niveles que esta puede alcanzar es el concepto transversal del segundo álbum de Just Mustard, ajustando los oídos para ver entre las densas capas que se entrelazan, en espirales que hacen fútil el intento de distinguir sonidos particulares. Entre un rock evocativo a lo industrial y la voz de ensueño de Katie Ball, el disco hace lo suficiente para evitar el tedio y demandar ser escuchado sin detener el movimiento de las sensaciones, que nunca son de total comodidad, pero sí continúan intrigando al oyente en cada momento. Este álbum tiene vocaciones de fuera de este mundo, sin abandonar la empatía con el pavor, desorientación y atracción que puede sentirse ante tal nivel de perfección sonora.


“God’s Country”

Chat Pile

Hay belleza en el caos, un desorden sin aparente chance de control, porque hay un halo de impredecibilidad que intriga, como los protagonistas de una obra dramática sobrepasando el punto de no retorno, pese a las advertencias previas. Una espiral de suciedad, agobio, crudeza, y con luz en medio, es lo que expone el LP debut de Chat Pile. En medio de elocuentes aullidos, Raygun Busch transita entre poesía entrópica y la prosa directa, animando a descender en espacios que no están oscuros, pero sí tenues. De cerca, lo instrumental se mueve árido y polvoriento, calzando con los retratos en carbón y residuos contaminantes que conforman el concepto que cohesiona un disco que convoca desde lo sucio, doloroso y real.


“THE UNRAVELING OF PUPTHEBAND”

PUP

Si toda la música del mundo fuera dramaturgia, PUP podría ser fácilmente un discípulo actualizado de Bertolt Brecht. Porque en el sonido de “THE UNRAVELING OF PUPTHEBAND”, el cuarto larga duración de los canadienses, hay algo de performático, como una obra de teatro donde, tras un telón de fondo de punk y noise, se entrecruzan intentonas de electrónica e indie naïve con canciones de plano jocosas e irónicas sobre la facilidad de la construcción musical. Conceptualmente, además, abordando la autodestrucción, la displicencia humana y la fragilidad de las relaciones en un mundo virtual (incluso entre ellos mismos como banda, Stefan Babcok mediante) cosechan un disco que nadie esperaba, pero todos queríamos.


“As The Moon Rests”

A.A. Williams

Las estructuras del doom y el metal siguen presentes en el segundo largo de A.A. Williams. De un muy buen presente, la artista inglesa explora con más márgenes diferentes atmósferas y elementos que hacen de su propuesta un resultado denso y oscuro. Sin embargo, dentro de su registro contralto también hay destellos de luz que dejan entrar arreglos de guitarra acústica y otros elementos que enriquecen, pero no sobrepoblan su propuesta. A.A. Williams ha sido una compositora inquieta y ha llegado con nuevos aires a renovar la escena de música pesada, que ya empiezan a dominar artistas que con nuevas claves se aproximan a romper los límites del género.


“A Light For Attracting Attention”

The Smile

La primera toma de contacto con el debut de The Smile, el proyecto de Thom Yorke y Jonny Greenwood con el baterista de afrojazz Tom Skinner, resulta desconcertante, aunque no por ello menos interesante. Teniendo como referencia el incatalogable sonido de Radiohead, abundante en este trabajo por ratos, cabría preguntarse por qué todo esto no fue material para otro trabajo de los ingleses. La respuesta posible está en el imaginario percutivo de Skinner y en el alma explorativa de Yorke y Greenwood, entregando un trabajo que se arremolina alrededor de sonidos improbables, capas asfixiantes y oscuridad de bajo octanaje para fraguar un sonido que difiere de otro de los tantos proyectos de Yorke, por ejemplo.


“Fossora”

Björk

Para su regreso en larga duración, Björk optó por el camino de lo impredecible facturando un álbum que toma del ambient, la esencia musical de su país y de cosas que quizás parezcan extrañas a ojos y oídos de quien no le ha seguido los pasos en las últimas décadas (como el reggaetón, aunque sea sólo en un par de canciones), para darse un gustito y permitirse fracturar una nueva frontera. La intención musical de “Fossora” es más ubicua y menos dolorosa y rígida emocionalmente que sus trabajos anteriores, es un canto a la maternidad y al amor familiar, poniendo incluso a sus propios hijos a colaborar en él, y también un canto a la vida que brota desde la tierra sin rozar siquiera lo hippie.


“Everything Was Beautiful”

Spiritualized

En una dinámica del tipo “celebración/fin de ciclo”, justo 25 años después del lanzamiento de “Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space”, el disco más laureado del conjunto, Jason Pierce llega a sorprendernos con un álbum que, pese a ser breve, sabe rescatar de forma precisa el imaginario eterno que ha construido la banda, y además juega a golpearnos con los ingredientes que hasta acá han hecho de esta propuesta una firma sonora de identidad única. Innumerables capas de sonido, figuras musicales reverberantes y una melodicidad abrumadora, hacen imposible resistirse al viaje con que el spaceman nos invita una vez más a flotar por el espacio. Hace años que el space rock no sonaba tan contundente.


“I Love You Jennifer B”

Jockstrap

Ambicioso, desconcertante y profundamente pop, el debut de Jockstrap se escapa de las convenciones cada vez que puede, sin dejar de ser un deleite cohesivo, consistente y lleno de sorpresas. Con paciencia y confianza, las decisiones estéticas subvierten las expectativas respecto a melodías y armonías de apariencia sencilla, pero que Georgia Ellery y Taylor Skye convierten en mapas donde se sabe el terreno que se pisa, mas no el camino exacto a recorrer. Y he ahí lo impactante: el ánimo constante de descubrimiento, aprendizaje y reconocimiento de ciertos patrones que cierran el círculo, volviendo a esta aventura en algo que finalmente resulta más familiar y acogedora de lo que se pudiera llegar a anticipar.


“Most Normal”

Gilla Band

Explorando la inquietante irracionalidad del mundo de los sueños, en un desafío extremo en forma y esencia, los otrora Girl Band nos mantienen al borde de la convulsión con su particular forma de entender el surrealismo. Estrenando nuevo nombre, los irlandeses presentan una ensordecedora mezcla entre la irreverencia del no wave, el desenfreno del noise rock y la oscuridad del post industrial, que, más allá de su estética, revela la cruda realidad de un proceso de rehabilitación y búsqueda de estabilidad mental. Escapando de convencionalismos, “Most Normal” es un golpe de corriente para nuestros sentidos y férreo ejemplo de cómo la incomodidad generada por el caos puede convertirse en una virtud.


“Blue Rev”

Alvvays

A cinco años de distancia de su antecesor, el tercer álbum de Alvvays continúa recorriendo terrenos dulces y nostálgicos. Pese a que “Blue Rev” no implementa cambios significativos a la fórmula, se trata de un trabajo donde el encanto sigue latente, mediante canciones cándidas y envolventes. La apacible voz de Molly Rankin convive entre pasajes etéreos y enérgicos, donde la reminiscencia a tiempos pasados es una constante. Guitarras inspiradas en Johnny Marr y sintetizadores oníricos profundizan la identidad de un proyecto que rápidamente alcanza la consolidación, pese a las dificultades personales. En este disco, los canadienses prueban que hacer música fresca y llevadera no es tan sencillo como parece.


“Free LSD”

OFF!

El reciente LP de los californianos es la prueba perfecta de que a veces un pequeño puñado de innovación puede mejorar el nivel a una banda de manera exponencial. No es que en el pasado lo del conjunto no fuera arrollador, sin embargo, se movía dentro de un universo donde había mucho más para elegir. En esta oportunidad lo que catapulta a OFF! es la inteligente inclusión de nuevos ingredientes, que van desde la más cruda disonancia, hasta pasajes de corte jazz, que no sólo funcionan perfecto como una aplastante muralla de sonido punk, sino que además dejan el campo abierto para que la banda se aventure a dar vida a una historia extraordinaria. Ya no sólo pegan fuerte, ahora también suenan únicos.


“Baby”

Petrol Girls

Cual grupo guerrillero, Petrol Girls busca incendiar los esquemas que oprimen a las mujeres a través de un equilibrio entre creatividad musical y punzantes mensajes de protesta. En su tercer álbum, la agrupación inglesa mantiene vivo el fuego de las barricadas a punta de noise rock y post hardcore, cuya estridencia agita en lo alto las banderas del feminismo y el anticapitalismo, sin matices ni eufemismos, en tiempos de polarización que así lo exigen. Lejos de ser una respuesta coyuntural, la propuesta de la banda se nutre de décadas de lucha, tanto en el terreno social como dentro de la escena musical, siendo una de las grandes herederas en el siglo XXI del discurso y furia del movimiento Riot Grrrl.


“CLOSURE / CONTINUATION”

Porcupine Tree

El regreso de Porcupine Tree con “CLOSURE/CONTINUATION” luego de trece años de ausencia oficial, podría parecer un reseteo, pero en realidad es la última gran jugada maestra de Steven Wilson, sistemáticamente rechazando la idea de reunir a la banda durante más de una década para poner por delante sus proyectos personales, cuando por detrás había canciones como “Chimera’s Wreck”, que data de 2011, por lo que la trastienda del disco transmite perfectamente la sensación ambigua del título. Un LP macizo, potente, pero escasamente metalero –muy en la veta actual de Wilson–, con vocación melódica y sentido experimental por partes iguales, un disco de prog-rock para mostrarle a los no fans del prog-rock con orgullo.


“Once Twice Melody”

Beach House

Los mundos que describe Beach House van más allá de las palabras, pero en su disco más ambicioso, la banda encuentra más resonancia en las letras, desarrolla especificidades en medio de lo difuso, y con ello entrega atmósferas variadas, que expanden lo ya conocido. En cuatro capítulos, cada cual accediendo a una forma de articular mensajes y emociones, pero con la íntima majestuosidad de los arreglos (por primera vez incluyendo una orquesta a su sonido) como punto común. Expansivo en su espectro, “Once Twice Melody” reúne todo lo aprendido por Beach House en su historia, y se siente como un punto cúlmine en sus poderes creativos y a nivel de composición, siendo tan familiar como desafiante.


“Skinty Fia”

Fontaines D.C.

Con el arraigo cultural que les caracteriza, Fontaines D.C. regresa con “Skinty Fia”, el que puede considerarse como el hito más consistente dentro de una joven, prometedora y para nada despreciable carrera discográfica. Trasladando la agresividad hacia un segundo plano, este disco fluye con distinguida sobriedad en canciones como “Bloomsday” y “Roman Holiday”, sin dejar de lado la impronta poética y melancólica que bien sabe materializar Grian Chatten. Dialecto, anécdotas de la historia reciente de Irlanda y sutiles inspiraciones musicales, son el cúmulo de elementos con los que la banda tributa a sus raíces, en un interesante ejercicio que se mueve con códigos contemporáneos.


“Mr. Morale & The Big Steppers”

Kendrick Lamar

El disco con más expectativa de toda la carrera del oriundo de Compton es también su obra más compleja y personal. A través de 18 tracks, Kendrick Lamar usa a “Mr. Morale & The Big Steppers” como un vehículo para explorar su mente y alma, con luces y sombras, dando su opinión sobre los temas de relevancia en el mundo, pero también ofreciendo una mirada a lo más profundo de su ser, dejando entrever todas las fracturas que eso conlleva. Con un ritmo asfixiante e intenso, el rapero opta por no encasillarse en un género ni apuntar hacia ninguna composición en específico, entregando un desarrollo a través de distintas capas, con todos los conceptos y personajes que componen esta obra tan oscura como esperanzadora.


“And In The Darkness, Hearts Aglow”

Weyes Blood

Si en su disco anterior Natalie Mering le cantaba a los aparentes tiempos finales y al sobrevivir, en este siguiente estadio ella prefiere enaltecer los efectos de esas pérdidas, la soledad de quienes quedaron y la desesperanza que surge del acto de seguir creyendo. En un tono aún más etéreo y celestial que en sus trabajos pasados, Weyes Blood trata de encontrarle sentido común a la humanidad más individualista de la historia. Entre psicodelia, música atemporal y una voz privilegiada, la belleza de este álbum se equipara a la devastación emocional y simbólica a la que apela, denotando experiencias colectivas más que personales, esas que se siguen perdiendo de vista, incluso cuando ya se pudrió todo.


“Hellfire”

Black Midi

Lo de Black Midi ya no es sorpresa. Su meteórica carrera les ha permitido ganar el respeto de la crítica y el cariño de la comunidad melómana. Como piedra angular de su incipiente discografía, “Hellfire” viene a coronar su santísima trinidad del rock progresivo contemporáneo, balanceando a la perfección la esquizofrenia y elegancia de sus dos predecesores. Ayudando a tender puentes entre rock arty y las masas, lo nuevo de los ingleses destaca por su histrionismo vocal y desenfrenada orquestación, manteniendo un constante tono épico y teatral, sin perder de vista la cuota de comedia. Eclécticos, encarnando el todo en todas partes y al mismo tiempo, el trío hace propio el sonido de la vorágine del mundo moderno.


“Ants From Up There”

Black Country, New Road

Uno de los desafíos que tenía el conjunto inglés luego de su disco debut, era demostrar que podía superar el reto del segundo álbum. Por fortuna, si hay una pregunta que este disco responde de forma categórica, es que lo de la banda no sólo se trata de una propuesta musical contundente, sino que además tiene un espacio enorme para seguir creciendo. Precisos arreglos de vientos y cuerdas, un impecable manejo de los silencios, una paciencia casi infinita en la construcción de cada corte y la sobrecogedora interpretación vocal de Isaac Wood, hacen de este “Ants From Up There” uno de esos viajes que por momentos parecen saltarse los oídos de los que estamos al otro lado del parlante para llegar a conectar directo con el alma.


Ránking y textos por Manuel Cabrales, Javier Pérez, Manuel Toledo-Campos, David Martínez, Matías Muñoz, Danny Arce, Emilio Toledo y Claudio Tapia. Diseño de gráficas por Rodolfo Jofré.


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OFF! – “Free LSD”

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