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Discos chilenos destacados 2019

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El año pasado quisimos incluir los discos chilenos en nuestro artículo de mejores discos internacionales. Resultó bonito, es cierto, pero aquello disminuyó la cantidad de trabajos desarrollados en Chile por entrar a competir en un ranking. Así que, como aprendemos de nuestros errores, decidimos volver a la idea original, que es destacar los discos chilenos que nos han llamado la atención durante todo el año sin competencia ni números.

Algo que ocurrió este año a nivel de industria fue el lanzamiento de más música que nunca, pero sin tener un correlato aparente en cantidad de discos. Las nuevas formas de consumo y la precariedad en la que muchas y muchos músicos deben trabajar en nuestro país, hacen que se deban optimizar los recursos a mano y eso ha derivado en una preferencia por el formato single o por los EPs muy breves, destinando más a instalar artistas que a poner un álbum como carta de presentación.

Pese a ello, hay artistas que se la siguen jugando por un formato de múltiples voces dentro de su expresión, y por ello creemos que este listado también puede destacar actos que juegan en esta dirección, más relacionada a conceptos, coherencia y un trabajo que muchas veces tiene calidad, otras tantas presenta un arrojo importante, y también es capaz de lograr un lugar en la memoria, como estimamos que estos discos lo lograron en 2019.

Además, con la situación sociopolítica del país, se entiende cómo el último trimestre del año –que usualmente ve muchos lanzamientos– se transformó en una triada más de lucha que de fiesta. Ver que, pese a ello, hay tantos trabajos de calidad, es un aliciente para escuchar y seguir con atención lo que la música chilena pueda ofrecer en 2020.

Están ordenados en orden alfabético y cada uno de ellos contiene un link que envía directo a su correspondiente streaming.


Cevladé – “RainViento

RainVientoUna reinvención musical y personal, eso es lo que trae “RainViento”, el nuevo disco de Cevladé, quien sigue posicionándose como uno de los raperos más dinámicos de la escena nacional y latinoamericana. Grabado en Buenos Aires y CDMX, el trabajo explora las contradicciones y pesares del Demonio Maravilla, quien usa al álbum como una especie de bitácora de vida. Todo adornado de una instrumentalización precisa y grandes colaboraciones como las de Leisha Medina, Giuliana Potenza y Muelas de Gallo. “RainViento” es un disco moderno y dinámico que funciona como un hibrido de estilos, perfeccionando lo hecho por Cevladé en “La Casa de Astaire” (2014) y “Pinceles y Puñales” (2017).


Cómo Asesinar A Felipes – “Naturaleza Muerta

Naturaleza MuertaEl séptimo asesinato de Los Felipes se llama “Naturaleza Muerta” y trae consigo una advertencia para todas y todos: adaptarse, cambiar o desaparecer. Con su ya característica lucidez, CAF saca adelante un disco reflexivo, en el que pintan sobre un lienzo donde es expuesto uno de los grandes pecados de la sociedad: cómo olvidamos de dónde venimos y a quién nos debemos. Junto a secuaces de la talla de Camila y Chino Moreno, Cómo Asesinar A Felipes explota nuevamente su dinamismo y experimentación, logrando dar con un álbum que en este Chile actual toma segundas lecturas, recordándonos que este sistema no sólo es perverso contra la naturaleza, sino que también contra la humanidad.


Cristóbal Briceño – “Briceño Contra Las Cuerdas

El inquieto músico nacional ha demostrado a través de sus distintos proyectos que es capaz de abarcar diversos estilos. Este último LP no es la excepción: Briceño experimenta con un sonido orientado a lo sinfónico y fuertemente cargado a las cuerdas, dando como origen a su título. En él, Francisco Rojas –tecladista de Ases Falsos– colabora como arreglista, productor y director de un ensamble orquestal creado para la ocasión. Sus letras, que van desde el amor y la contraposición entre control y libertad, hasta actividades paranormales en un nuevo hogar, se funden perfectamente con la mano de Rojas, creando un ambiente melancólico, que toca hasta la fibra más intrincada del alma.


Diego Lorenzini – “De Algo Hay Que Morir

La tercera entrega de Lorenzini llega marcada por la línea acústica que ha caracterizado su carrera solista. Con el humor como pilar fundamental, el artista es capaz de crear un arma para resistir a situaciones crudas y cuestionamientos cotidianos de la fragilidad humana. Las exquisitas capas de percusiones, cuerdas y trompetas se hacen presente a lo largo de todo el LP, creando ambientes que se ciñen a la perfección con la pícara lírica del mismo, una cargada de chilenismos que aportan risas y realidad. Además, las voces –con múltiples colaboradores, entre los que destaca Erlend Øye y gente del sello Uva Robot– le dan a este extenso disco un toque potente y conmovedor.


Entrópica – “Formas

Mientras Francisca Bascuñán entiende el pop y la electrónica de forma funcional a la composición como pocos artistas en Chile, “Formas” es la manifestación de que no sólo de esos estilos se puede nutrir la cantante conocida como Entrópica, sino también de R&B, soul, ambient y otras texturas. Aunque el título indique que hay que fijarse en cómo luce la música, una de las grandes contribuciones de “Formas” a la paleta sonora chilena en 2019 es desde otro sentido, desde las texturas, desde las sensaciones y del contraste entre tracks como “Housie”, “Atrás”, “Cálido” o “Mercurio”, que hacen que la imagen –soporte clave para la artista– tenga más significados y matices que nunca.


Felics – “Bosque Sagrado

En su primer disco solista, Félix Encina logra dar con un trabajo cálido y orgánico, influenciado fuertemente por el synth pop y el indie. El oriundo de La Cisterna juega constantemente con sintetizadores y progresiones vocales en un álbum que nace desde la autogestión (el mismo realizó la producción, grabación, mezcla y masterización del LP) y que con sus letras nos muestra la belleza de lo cotidiano. Ejemplo de ello son las canciones “Por Un Rato”, “El Lobo Feroz” y “Al Menos Hoy”. “Bosque Sagrado” es el primer paso de un proyecto cargado de luminosidad y frescura, que es dirigido por un músico que, desde una propuesta lo-fi, viene a innovar en la escena indie nacional.


Fernando Milagros – “Serpiente

Entre melodías pop y rock oscila “Serpiente”, el sexto disco de Fernando Milagros, quien nuevamente acoge esos estilos con su ya característica impronta folclórica. Dando un paso adelante en comparación a lo realizado en “Milagros” (2017), el compositor del Bío-Bío logra sacar un disco que llama la atención por lo fácil de escuchar que es. No se necesita de muchos minutos para cautivarse por esta serpiente que en su columna vertebral tiene hits como “La Diana”, “Poco A Poco”, “Ojos De Aceituna” y “Antirrevolución”. Fernando Milagros cerró este 2019 con uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, demostrando que con los años ha ido afinando sus propias ideas y sonidos.


IIOII – “Hacia Donde Va El Agua

Gio Foschino y Nicolás Alvarado consiguen en el primer larga duración de IIOII decir mucho sin usar palabras. Los paisajes que pintan en este trabajo electrónico con muchos matices de ambient son complejos, pero fluyen –en medio de parajes fáciles de sentir– dada la belleza que consiguen en este disco. Nueve tracks de ensueño, donde lo onírico no requiere que alguien esté soñando, sino de que tenga los oídos bien abiertos. “Ambar” o “A Distancia De La Luz” son un par de paraderos épicos en un viaje tan interior como visible, abstracto, preciso y bien producido, algo que no es extraño dados los pergaminos de estos músicos, que reunidos consiguen perfecta contención y expansión.


Juan Pablo Abalo – “No Voy A Llorar

No siempre el amor es idílico, bonito o ideal, pero tampoco tiene que ser un infierno. En este terreno medio, mucho más cercano a la cotidianidad, es donde se instala nuevamente Juan Pablo Abalo, en un disco que, en vez de narrar, busca en los pliegues de la cama, en el alféizar o en conversaciones de madrugada; una descripción a las relaciones humanas. Abalo extiende los terrenos de sus composiciones hacia un pop sofisticado, con rica ley desde los minerales de una electrónica que le permite ser detallista sin dejar un tono minimalista, como lo cantado en “Todas Las Mañanas” o el tema que nombra al disco (gran colaboración con Kinética), punzantes exámenes al amor, al tocar o al extrañar.


Kuervos Del Sur – “Canto A Lo Brujo

El imaginario construido en “El Vuelo del Pillán” (2016) situó a Kuervos Del Sur como uno de los proyectos más interesantes y novedosos dentro del panorama local del último tiempo. El entramado de rock con raíz folclórica hace del conjunto curicano una propuesta fascinante, inspirada desde la identidad. Siguiendo ese camino, “Canto a lo Brujo” recoge el valor de la magia tradicional como su eje principal. Composiciones dedicadas a las fuerzas de la naturaleza y a la mística de sus hechiceros viajan acompañadas de la fuerza de las guitarras, como también del sonido nativo de charangos y quenas. Una obra que orbita por el terreno mágico de los saberes ancestrales.


La Bestia de Gevaudan – “Kintsukuroi

KintsukuroiLa tradicional técnica japonesa del kintsukuroi (consistente en reparar piezas de cerámica con metales preciosos) es el título que La Bestia de Gevaudan eligió para su tercer larga duración. Posicionándose de manera férrea en el universo disonante del post-metal, el conjunto realiza un viaje donde abundan las atmósferas densas y reverberantes. Junto con brindar una producción impecable, la obra cuenta con algunas colaboraciones de la escena sludge internacional; Michael Armine de Rosetta forma parte de estas contribuciones que van posicionando a La Bestia ante los ojos del mundo. “Kinstukuroi” es una experiencia multisensorial, donde la fuerza sonora abre la puerta hacia los imaginarios de un animal titánico.


Lefutray – “Human Delusions

Human DelusionsEl cuarto disco de Lefutray viene a confirmar una solidez que ya se evidenciaba desde su trabajo anterior, “Oath” (2015). Tomando la intensidad como elemento central del álbum, “Human Delusions” es un flujo de energía constante e inagotable. Una obra donde la pulcritud en su producción ofrece grandes piezas, como el inicio arrollador con “Wrath”, o el ímpetu implacable de “The Mist”, todo articulado con guitarras contundentes y un ritmo brutal, cuyo tono recuerda a grandes exponentes del metal extremo a nivel mundial. Un álbum que no suelta el pie del acelerador, consagrándose dentro de los mejores trabajos del circuito metalero local durante el año.


Maifersoni – “Monstrws

Maifersoni invoca con “Monstrws” a esa bestia interna que todos llevamos dentro y que está esperando salir para tomar represalias. Así de dura es la definición de este disco, que exprime el resentimiento y la rabia que se producen por el mundo en el que vivimos. Con un sonido cambiante, pero de permanente hipnotismo, el proyecto de Enrique Elgueta nos transporta por un viaje de largos momentos instrumentales, en los que se nota que el manejo de tiempos y sensaciones son de los grandes aciertos del músico. Un tercer LP que sigue dejando en alto el nombre de Maifersoni, quienes luego de este álbum no tiene que demostrarle a nadie que sus trabajos son sinónimos de calidad.


Medio Hermano – “XO

El sonido de una generación es difícil de obtener, pero desde lo íntimo de su segundo álbum Medio Hermano predijo con precisión buena parte de las desesperanzas y, a la vez, la resiliencia de una sociedad entera, en especial de quienes tendrán que aguantar el futuro. El gravitas de “XO” se acrecentó luego del 18 de octubre, sobre todo luego de la anagnórisis vivida por el país. Chile despertó, y en temas como “WSP”, “24/7”, “KINTSUGI” o “UNA UNO” se pueden observar los sueños y pesadillas previos al despertar, entre sonidos indie y otros más ligados a los sintetizadores para complementar la potencia de una banda que madura con el acto de resistir, con “un nuevo amor / un nuevo odio”.


Meridiano de Zürich – “Saudade

En el segundo EP de esta banda post-rock / ambient, los sentimientos de melancolía y añoranza que le dan título se perpetúan a lo largo de las seis extensas canciones que le otorgan cuerpo. El disco se posiciona como un producto armónico y cohesivo, lo que hace que el oyente pueda transitar por sus experimentales y evocativas melodías fluidamente. Con marcados guiños al shoegaze a través de penetrantes sintetizadores, esta entrega funciona como un espacio para indagar en la conciencia y el alma. Confirmando que las palabras sobran, la naturaleza instrumental de este trabajo permite a quien los escuche conectar con los sentimientos y sensaciones que sólo la melancolía es capaz de encender.


On The Road To Jericho – “May Their Faces Cover The Horizon

Con el principio de que la música es una de las formas de resistencia más poderosas que existe y en el contexto del estallido social vivido en Chile desde el 18 de octubre, la banda compone, graba y lanza una gráfica pieza de cuatro movimientos que busca retratar el sentir de un país oprimido y harto de los abusos. La oscuridad abrumadora de este EP se funde de forma perfecta con las cuerdas que le dan un toque de angustia al comienzo, y luego añaden matices de un violento despertar. Al andar, lo anterior se funde a la perfección con los sonidos de cacerolazos y voces de ciudadanos molestos que se hicieron virales, convirtiendo esta composición en una radiografía de revolución y represión.


Simón Campusano – “Brillo

Hay una extraña madurez que se destila a lo largo del primer disco de Simón Campusano como solista. En vez de operar como un sujeto atado a su tiempo y espacio, el cantante que también forma parte de Niños del Cerro prefiere mirar cómo el sol hace que una sombra se mueva, cómo el tiempo pasa, o cómo la luz puede ganar a los daños que el día a día puede hacer. Nostalgia, candor, sanción, pero por sobre todo honestidad es lo que se nota en un disco que, en vez de mostrar a Campusano como un típico cantautor, lo desarrolla en medio de múltiples capas sonoras, más a la usanza de un Thom Yorke, y Martín Pérez Roa (Merci Merci) en la producción se hace cómplice perfecto de un debut sobrecogedor.


Slowkiss – “Patio 29

Patio 29Tras dos EP y constantes cambios de formación, Slowkiss lanza “Patio 29”, un disco de tintes grunge que además ofrece espacios para el noise y el punk, siempre abordando la música desde un rol feminista, idea necesaria en estos momentos de desconstrucción. El proyecto liderado por Elisa Montes esta vez opta por un sonido más oscuro que el de su último trabajo, “Ultraviolet” (2017), haciendo notorias las influencias y experiencias adoptadas en su viaje a USA. “Patio 29” se muestra –pese a tener un sonido muy noventero– como un disco 2019 donde las problemáticas actuales, como el abuso contra la mujer y las contradicciones de este mundo globalizado, son relatadas a punta de distorsión y crudas guitarras.


Solteronas En Escabeche – “Lenguaje y Comunicación

La experimentación es un territorio incierto; una vertiente que recorre la delgada línea entre lo tedioso y la genialidad. Enmarcados en esta zona de riesgo, Solteronas En Escabeche es un proyecto que cruza distintos elementos sonoros con ocurrencia. La técnica de sus músicos, determinada por baterías impredecibles y un bajo fuera de lo habitual, son la base de composiciones sugestivas. Por otra parte, las letras, pese a su minimalismo, se articulan con originalidad y cargan con un mensaje completo a las canciones de “Lenguaje y Comunicación”, un trabajo excéntrico que camina por un sendero propio y una obra que brilla como una rareza inclasificable.


Tortuganónima – “Imago

Seis años pasaron para que el cuarteto santiaguino sacara del horno su segundo LP y, lejos de defraudar, superaron con creces tanto su primer disco como su EP de 2016. Con una métrica que coquetea con el math rock y una prolijidad envidiable, este trabajo emerge como un producto sólido, destacando en su calidad sonora presente en sus riffs, efectos y loops electrónicos. Además, Tortuganónima toma riesgos al incluir voz de la mano de “Koala” Contreras, quien colabora en “Penumbra”. A través de “Imago” demuestran que son una banda consolidada y acoplada, sobre todo luego del arribo de Octavo Cañulef a las inclementes percusiones que se hacen presente de principio a fin.


Tus Amigos Nuevos – “Persisten

Para el conjunto local Tus Amigos Nuevos, el ritmo es un factor sustancial. Ya desde “Triunfo Moral” (2015) la banda llamó la atención del público chileno, caracterizándose por su desplante de energía con acento a lo bailable. Tal como dice el nombre de su nueva placa, el cuarteto persiste con una fórmula que invita a moverse, con guitarras frenéticas que resuenan a los recursos estilísticos de bandas como Talking Heads o LCD Soundsystem, entregando una propuesta levemente saturada en comparación a la anterior. Acompañándose de letras con vetas de humor, “Persisten” se apunta como un trabajo de producción sólida, que va perfilando y puliendo la habilidad rítmica de la banda.


Weight Of Emptiness – “Conquering The Deep Cycle

El arrollador debut de Weight Of Emptiness, “Anfractuous Moments For Redemption” (2017), posicionó a la banda rápidamente dentro del circuito metal extremo contemporáneo. Luego de una buena recepción internacional, que los llevó a presentarse en Europa, el conjunto local vuelve a la carga con su segundo álbum. Sin perder su fuerza característica, “Conquering The Deep Cycle” reúne recursos de distintas vertientes dentro del estilo, destacando los pasajes más intensos –en una evidente clave death metal– en contraste con los momentos más sutiles o suaves. La construcción de contrapuntos reafirma la solidez de un conjunto que va engrosando un repertorio con trabajos de reconocimiento local y foráneo.


Selección realizada por: Manuel Toledo-Campos, Javier Pérez, Francisca Miranda, Aquiles Cornejo y Claudio Tapia.


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Especial Primavera Sound Santiago 2022: Cat Power

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Pocas artistas transitan con seguridad entre lo ajeno y lo propio de manera tan clara como Cat Power. Sin temor a hacer covers, la cantautora ha encontrado reconocimiento por versionar en grande las canciones de otros, pero también por las suyas, en una carrera anómala dada la forma en la que ella flota y entrega carácter a lo que sea que haga. Su voz y su intensidad son lo que la distingue, con versatilidad y una marca propia que ha cruzado décadas.

El último lanzamiento de la cantante fue “Covers” este año, una colección donde recorre desde Nico hasta Lana Del Rey, desde Iggy Pop hasta Frank Ocean, y donde, cómo siempre, incluso se da tiempo de releer un tema propio, “Hate” del disco “The Greatest” (2006), que ahora versa como “Unhate”. Esta capacidad reflexiva viene de su admiración por Bob Dylan y su vocación por retrabajar sus canciones durante las giras y los ensayos, a veces cambiándolas por completo.

Es que, aunque en paralelo Cat Power tiene discos fuertes de composiciones propias, como “Wanderer” (2018) y “Sun” (2012), incluso su gira 2022 lleva el nombre de “Covers”, y en sus primeras paradas no sólo se concentra en el disco de este año, sino también en “Jukebox” (2008) y “The Covers Record” (2000), los otros álbumes de reversiones hechas por la artista, así que incluso Frank Sinatra o The Rolling Stones se pueden inmiscuir en sus conciertos. Esto podría sentirse como una estrategia de Marshall para mostrar un repertorio más cercano a públicos masivos, pero que tenga tres discos de covers y que se sienta bien incluso haciendo sus propias relecturas, tiene más que ver con arranques artísticos que con tácticas frías. La misma Cat Power explicaba en una entrevista que el cover a “Bad Religion” de Frank Ocean vino desde la forma de evitar sentir ira al cantar “In Your Face”, a la que le cambió la letra para sentirse bien al interpretar tal melodía.

Pero no sólo son voces las que cambian al generar nuevas formas, sino también la estructura completa. Cat Power puede deshacer la estructura reconocida y reconocible de una canción para dotarla de una vida nueva. Pasó con “(I Can’t Get No) Satisfaction” en 2000, y pasa con “The Endless Sea” de Iggy Pop en 2022. Cuando se escuchan reversiones de Cat Power no sólo se tiene a disposición una canción ya conocida para escucharla a ella a través de ese medio, sino que también está la chance de escuchar cómo ella percibe y oye el mundo, y cómo lo ve. Es ese acto de transparencia el que irrumpe al poner un poco más de atención en estas acciones de la artista, quien no pocas veces ha desnudado el alma respecto a hechos de su vida personal, desde desventuras amorosas hasta enfermedades que casi la hacen retirarse de la música.

Cuando en “I Had A Dream Joe” canta “I opened my eyes”, en medio del momento más estridente del disco, habiendo convertido el swag de Nick Cave en un pulso intoxicante más parecido a la última era de Scott Walker, queda claro que al escucharla cantar a otros en verdad es una forma de cantarse a sí misma, algo que ha cruzado su carrera, siendo puntal de lo que hace. Aunque ha creado grandes canciones por su cuenta, lo que nos atrae de Cat Power no sólo es su creatividad o su interpretación, sino también cómo ella nos quiere contar el mundo, ya sea a través de temas propios o ajenos, y mientras suene su voz, esto siempre será un privilegio artístico como pocos en el mundo hoy.

Información sobre el line up del festival, eventos satélite y entradas, la puedes encontrar ACÁ.

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