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Discos chilenos destacados 2016

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​Aunque a nivel masivo lo que domina la escena sigue siendo la tendencia a los sencillos, en Chile el valor del disco, ya sea un LP o un EP, está cada vez más en alto. En vez de tener colecciones de canciones, lo mejor del año en nuestro país tiene ese estatus al procurar un concepto central, una coherencia en los estilos, un respeto a la obra completa, y así es que nos encontramos con grandes muestras de talento.

Los mejores discos del año vienen desde proyectos con experiencia y las cosas claras. Sea la consolidación del talento de Javier Barría para entregar emociones, o la capacidad infinita de Congelador de reinventarse sin dejar de ser una de las mejores bandas de este país; lo mejor del año está marcado por un tono oscuro, acorde a 2016. Menciones honrosas para los últimos discos de Prehistöricos, Asamblea Internacional del Fuego e Inverness, con las nubes en el horizonte, y un sonido claro y bello.

Otros lanzamientos fueron más difíciles de encontrar en gavetas y portadas, pero aun así lograron brillar. El LP debut de Inarbolece es impresionante, así como los EP debut de Inverse, Los Valentina, Siempre Llueve Al Atardecer y el LP de El Cómodo Silencio de los Que Hablan Poco, demostrando que no es necesaria una trayectoria gigante para tener ideas que transmiten composiciones de alto vuelo, tan alto como el vuelo impecable que se pegó Kuervos del Sur, dando un salto de calidad gigante.

Un factor relevante del año fue el sentido crítico de muchos lanzamientos, teniendo posturas políticas explícitas y sonando más fuerte que nunca en el proceso, tal como lo hizo Alex Anwandter, y también como graficó Weichafe.

En tanto, hay bandas que confirmaron y avanzaron sobre lo ya logrado, como Fármacos, Miss Garrison, Liricistas o Pedropiedra. Un gran año en la música chilena, con muchos ojos en el futuro, con identidad y, sobre todo, con discos completos; con el concepto y la calidad por delante, lo que es muy alentador.

  • Si quieres ir escuchando los discos puedes pinchar el nombre o la portada de cada uno, están enlazados sus respectivos streamings gratuitos. La lista está en orden alfabético.

Aisles – “Hawaii”

Es fácil caer en “Hawaii” y su gimnasia de géneros y estilos. El virtuosismo de sus músicos permite que jamás naufrague la tarea casi imposible de hacer un disco doble interesante en estos tiempos de inmediatez. Pero en medio de tanto acierto, hay pequeños errores que afectan el impulso que a ratos logran las suites y las canciones. La producción de la voz no se condice con el sonido del resto de “Hawaii”, y a veces los quiebres de compases no cuajan todo lo que deberían, y distraen. Aun así, hay ideas impactantes y trabajadas con sapiencia, en un estilo donde esto es muy difícil. Mérito gigante de Aisles que arman un pequeño paraíso de rock progresivo en muy buenos 81 minutos.

Alex Anwandter – “Amiga”

Cuando estaba en Teleradio Donoso, Anwandter negaba la posibilidad de meter lo político en su música y se concentraba en la estética, pero qué bueno que el cantautor haya cambiado de opinión. En “Amiga” este tipo de discursos dotan al trabajo de una densidad que le da mayor peso al trabajo. Alex se mueve desde el synthpop más tradicional hasta el bolero y la balada AM, con una producción con todos los quilates que necesitaba el artista para dar el paso a la internacionalización, que es el siguiente escalafón, y es interesante que lo haga con un disco que apunta directamente a “los poderosos” en tracks tan poéticos y crudos como “Cordillera”, “Mujer” o la implacable “Manifiesto”.

Asamblea Internacional del Fuego – “Dialéctica Negativa”

Once años después de “Lo Que Hablaron Las Ánimas En El Camino” (2005), era complicado imaginarse qué sería volver a escuchar material nuevo de Asamblea, no sólo porque los cambios podrían haber sido muchos, sino también porque el mundo es diferente y una agrupación cuyas letras son tan poéticas y sensibles claramente tendría mucho que decir. El reencuentro con AIDF es explosivo como toda su discografía, y sanador como parece ser la intención del canto de Emilio Fabar, el vocalista cuya entrega termina haciendo de “Dialéctica Negativa” una experiencia emocionante, un refugio de belleza en la catarsis y una brutal pero necesaria obra de arte en un 2016 crudo, negativo y real.

Caravana – “Caminata”

Rodrigo Santis puede ser la melodía en medio de la arriesgada estridencia de Congelador, pero en Caravana tiene la posibilidad de ser la gentil tormenta de sentimientos y canciones que ya había creado en el álbum homónimo de este proyecto editado en 2011, uno de los primeros supergrupos en Chile (con Gepe, Pedropiedra, Fernando Milagros y Felicia Morales). Tras recesos y nuevas formaciones, Santis vuelve a sacar un álbum de Caravana y es más profundo que el debut, con sencillos directos como “Juegos Olímpicos” o “Amigos” que invitan a estar bajo una cobija, con colores otoñales y atardeceres con el arrebol intenso. Un álbum bello que es imposible escuchar una sola vez.

Columpios Al Suelo / Dolorio y Los Tunantes – “Gritos y Susurros”

Un disco de dos bandas, con tracks por separado, es difícil de cuajar. Pero la gracia del split que lanzaron Columpios Al Suelo y Dolorio y Los Tunantes es que grafica esa mezcla de fuerza y angustia que se presenta como símil en ambos conjuntos. El sonido no es pulcro, y nunca quiere serlo. Las dos bandas suenan parecido a como son en vivo, y en medio del frenesí de Los Tunantes o de la languidez que pesa más que el mundo de Columpios, converge la necesidad de expresar algo de forma urgente. No hay mensajes por la paz mundial, para nada, y sin embargo este tipo de trabajos termina uniendo sonidos, ganas y oídos, en una de las colecciones de canciones más impredecibles de 2016.

Congelador – “Persona”

Una de las mejores bandas de Chile es también una de las más confiables. Sea cual sea la premisa, el conjunto de Rodrigo Santis, Walter Roblero, Jorge Santis y Estefanía Romero-Cors logra sacar distancias siderales entre sus diferentes facetas sin perder la identidad o la coherencia. En “Persona” esto no es la excepción. La tarea era complicada después de la estridente excelencia de “Cajón”, el mejor disco chileno de 2013, pero los teclados y las segundas voces de Romero-Cors consiguen aires más oníricos, en medio de la concreta tendencia a lo mecánico e industrial, con pinceladas de pop, configurando un álbum tan arriesgado como sencillo de disfrutar. Uno de los mejores del año.

Diego Lorenzini – “Pino”

El segundo disco solista de Lorenzini lo confirma como uno de los cantautores más destacados del país, con canciones que destilan cotidianeidad moviéndose con seguridad en la simpleza. Aunque sería interesante ver a Lorenzini llevando sus composiciones a un formato más elaborado, es imposible no sentir una conexión con lo familiar que suenan temas como “Tutorial” o “La Amenaza”, o con ganas de corear ese “Porno, qué rico así de porno” en “Sexo Amateur”. “Pino” suena tan cómodo en una habitación como en una fogata, y cuenta con sensibilidad y convergencia de estilos en la guitarra de un Diego que, tal como en sus caricaturas, retrata y distorsiona en pos de expresarse con fuerza.

El Cómodo Silencio de los Que Hablan Poco – “Run Run”

En 2015 ganaron notoriedad con “Tiempos Bajo El Sol”, a estas alturas un himno en cada festival donde participa el quinteto, pero El Cómodo Silencio de los Que Hablan Poco debía tener un álbum para graficar su paleta sonora que en vivo ganaba colores y sabores. Con “Run Run” la tarea se hace con creces, desde la épica catártica de “Jardines” hasta el guiño al rock indie latino en “El Viento en la Cortina”. Una energía bien direccionada, que es abrumante pero que no se desborda, es el sello de El Cómodo Silencio de los Que Hablan Poco, otro lanzamiento de Piloto, que con discos producidos “artesanalmente” consigue que las canciones tengan calidez y que penetren el corazón.

Errante – “Nuevos Colores en el Lienzo​/​Incertidumbre” EP

Errante no es un conjunto que se caracterice por la pulcritud de su rock, pero sin duda que la capacidad de poner ideas novedosas sobre la mesa y hacer que todo funcione como un ente orgánico es un mérito importante. Tras “Punto de Quiebre” (2014), el conjunto se embarcó en la tarea de crearse nuevos espacios, y así es que este EP muestra al trío con más y mejores capacidades de disponerse al servicio de las melodías, sin perder el rock o el metal de sus inicios. La complejidad sube y Jebu (guitarra y voz), Felipe Rebolledo (bajo y coros) y Gustavo Pinto (batería) se ponen a tono, e incluso cuentan con la masterización de Francisco Holzmann para ir más allá, a la espera de su próximo LP.

Familea Miranda – “Radiopharm”

Aunque están radicados en España desde hace casi una década, Familea Miranda sigue haciendo música que suena vital en el contexto nacional, quizás porque nadie logra hacer lo que el trío consigue y reafirma en “Radiopharm”, su sexto disco. Moviéndose con soltura entre el post-hardcore, lo progresivo y lo funk, el conjunto no sólo alcanza un álbum fresco en sonido, sino que también en las canciones, donde lo expresivo puede darse por igual en letras y en música. La experiencia de casi dos décadas de carrera se nota y está puesta al servicio de las canciones, como el sencillo “Guerra Nuclear” o en la obtusa e intrigante “Bon Preu”, en un disco implacable y seguro de sí mismo.

Fármacos – “Estado de Gracia”

Pocas bandas de pop nacional manejan la mezcla entre elegancia y potencia como Fármacos. El proyecto liderado por Diego Ridolfi ya lo había había mostrado en su LP debut. Con letras enfocadas en lo carnal y con un movimiento entre lo orgánico (“Visitarte”) y lo más electrónico (“Palacio Mental”) el universo de Fármacos se expande. Un proyecto que se mueve de forma sigilosa crece de a poco, como es la forma de trabajar de Ridolfi, sin apuros, pero con alta atención en los detalles, generando un álbum con ocho tracks, todos con potencial de ser hits. “Estado de Gracia” es la consolidación de un sonido y la transición a cosas mayores que, probablemente, lleguen a paso lento.

Inarbolece – “Inarbolece”

Carampangue está rodeado de árboles explotados, de industria forestal e irrespeto a la naturaleza. Desde esta localidad viene Inarbolece, banda cuyo álbum debut homónimo no sólo es inclasificable, sino que también captura como pocos un bosque de emociones, siendo intenso, delicado, dinámico, lleno de matices; siendo uno de los discos del año, sin duda. El cuidado en la producción y el sonido puestos por la banda y Rodrigo Droguett –bajista de Mantarraya– logran generar un producto brillante, porque es un rock con atención en las canciones y lo que estas necesitan, sin pies forzados. La voz de Ineino merece mención aparte: cuidada por la producción, desgarradora en su entrega.

Inverness – “Después de Mañana”

Tal vez la banda que mejor captura los paisajes borrosos y la belleza de la neblina es Inverness, una rareza nacional, cuya calidad es consistente en el tiempo, con grandes discos, aunque con “Sól” (2014) habían decaído un poco, lo que hacía todo el sentido del mundo que su siguiente paso fuera más ambicioso. Lo que era imposible de prever era que “Después de Mañana” sería tan elegante y simple. Las composiciones brillan poco a poco, y las colaboraciones de Mariela Espinoza (Munn), Leandro Muñoz (Leche) y, en especial, de Neil Halstead de Slowdive en guitarras y producción de la tremenda “Luz Ignota” sólo suman en un disco con calidad de sobra para consolidar por fin a Inverness.

Inverse – “Inverse” EP

Una de las sorpresas del año es este quinteto que, con un metal directo y cercano al death más industrial, sacó un debut impactante. No sólo hay una atención a cada detalle, sino que las canciones logran ser avasalladoras y, a la vez, invitan a escuchar sin prejuicios. Figuras complejas, letras en inglés, intención de sonar brutal, se mezclan con lo fácil de escuchar que son los seis tracks, donde también luce la producción y mezcla de Francisco Arenas Sanhueza (All Tomorrows, Obscene), que permite a la banda golpear duro entre riffs implacables y voces bien cuidadas para entregar uno de los debuts del año, metiéndose de lleno en la nueva camada del metal nacional.

Javier Barría – “Estación Pirque”

El disco más sólido del año. Concepto, sonido, canciones y memoria se encuentran con un Javier Barría cuya amplia experiencia le permite enfrentar algo tan abstracto como el olvido y convertirlo en algo tangible, desde una imagen del pasado (la antigua Estación Pirque en la actual Plaza Italia de Santiago) para expresar un abanico de emociones intensas. Barría domina la voz y su profundidad como un instrumento más, en un álbum con cariño y amor en los detalles, y un semblante oscuro y gris que, no obstante, no impide que la luz entregue colores como en las bellas “Campo Quemado”, “Cajitas De Agua” con la tremenda voz de Natisú y “Celoso” con los peruanos Alejandro y María Laura.

Kuervos del Sur – “El Vuelo del Pillán”

La mezcla entre folklore y rock es una que ha entregado muchos dividendos este año, y quien mejor entendió las posibilidades del sincretismo cultural es Kuervos del Sur, colectivo curicano que con su segundo disco dejó en claro que vienen a ser quienes, con respeto, inteligencia y talento compositivo, puedan recoger el testimonio de lo que han hecho bandas como Los Jaivas. La épica descriptiva de los paisajes y mitos chilenos convergen en canciones compactas y bien producidas, donde lo único que no logra plenamente lucir es la voz de Jaime Sepúlveda, cuya producción no parece igual de pulida que el resto del registro, pero que aun así no deja a nadie indiferente.

La Big Rabia – “La Big Rabia”

La furia de La Big Rabia ha mutado con el tiempo, cada vez más desde la reflexión calma y la desolación más absoluta. Si antes el dúo conformado por Sebastián Orellana (voz y guitarra) e Iván Molina (batería) se basaba en el volumen sonoro para aplastar y apabullar las sensaciones a punta de brutalidad, ahora el movimiento es más parsimónico y aún más intenso. Desde la sutileza cruda del blues y el rock, el conjunto recoge trazos del bolero y pop más antiguo para dar cuenta de que todo es terrible y que la furia no alcanza a ponderar lo que se siente, porque el dolor es más grande y más real. Quizás por eso el disco es homónimo, porque el dolor es la mayor rabia de todas.

Liricistas – “Bon Voyage”

Pocos son los exponentes del rap nacional que se la juegan por el hip hop para exponer su talento, en especial con la tentación de meterse en el ragga y el reggae, y ahí es que lo que hace Liricistas (tal como Bronko Yotte y Cevladé) es más valioso que nunca. Rap con ligazones fuertes con un sonido old-school y líneas que se leen con facilidad con la entrega eficaz de Piter y Benja, que dialogan casi sin esfuerzo con los recursos que pone DJ Sta. Bases minimalistas pero llenas de significado, un instrumento orgánico de vez en cuando, un rapero hablando claro. Son elementos sencillos, pero es en la forma en que se mezclan donde está la genialidad, necesaria para tener un buen viaje.

Los Valentina – “Señoras” EP

Chile está envejeciendo demográficamente, y la valoración a los adultos mayores aún es baja, pero el concepto de “señora” ha permitido reconectarse con esa calidez de antaño, con ese cariño. Esa sensación de estar en casa se transmite a través del EP debut de Los Valentina. Las composiciones de Valentina Martínez son nostálgicas, potentes, con la capacidad de transmitir el lamento en cada letra. “Señora Civilizada” grafica un tipo de personaje y lo pone en un contexto social. Chile está envejeciendo, y el cariño se esconde entre billeteras y tarjetas de crédito, sin espacio para el candor, algo que la producción de Leo Saavedra hace brillar en uno de los mejores lanzamiento de 2016.

Miss Garrison – “Al Sol de Noche”

La banda de Fran Straube, Rodrigo de la Rivera y Tomás Pablo Rivera muchas veces pecaba de ser inexpugnable y de que su sonido quedaba escondido entre las complejidades de canciones que se abrían poco, pero en “Al Sol de Noche” esto no ocurre. El resultado es un álbum vibrante, calmo y con mucho juego entre la tormenta (o por lo playero del sonido y el contexto de producción del disco, la marejada) y la calma. Sintetizadores, guitarras atractivas y la voz intensa de Straube se mezclan en un registro que lleva a la banda mucho más allá, marcando otro episodio en su carrera y con las canciones para apoyarse, como los imperdibles singles “Navegante” o el que le da nombre al disco.

Patio Solar – “Los Movimientos” EP

Patio Solar ganó notoriedad con “Temporada” –a estas alturas un clásico del llamado “pop de guitarras”– lanzado en enero de 2015. Desde ese momento, la banda liderada por Claudio Gajardo generó más y más atención, y vino el riesgo de que lo creativo se estancase, Y he ahí el gran valor del EP “Los Movimientos”, que se erige como puente entre el debut de Patio Solar y lo que vendrá después. Con más énfasis en los teclados y con un sonido más pulcro, el quinteto consigue en un breve EP llevar al oyente en Metro, ir a máxima velocidad, o al calor del firmamento en pleno verano. Extendiendo sus territorios mediante la dinámica, Patio Solar se escapa del dique y llega aún más lejos.

Pedropiedra – “Ocho”

El disco más logrado de Pedropiedra viene de la mano de la hábil producción de su guitarrista, Felipe Castro, quien logra sacarle su lado más funk, lo que se une a su capacidad pop lúdica para dar con ocho canciones con una dinámica llena de momentum y de coros pegajosos. Pedro siempre se ha rodeado de gente talentosa, pero esta es la vez en la que queda más claro cuán generoso es el artista con quienes comparten el escenario con él, notándose un afán colectivo en esta entrega, más allá de la soledad con la que Pedropiedra se enfrentaba en sus inicios. Este sentido de banda le entrega mucho a las canciones de “Ocho” y le quita peso a él, cuyas interpretaciones brillan como nunca.

Prehistöricos – “La Velocidad de las Plantas”

El propio Tomás Preuss bromea con que Prehistöricos hace música “bien emo”, pero es esa emotividad sensible la que logra la banda, de forma natural y bien ponderada. En su disco más profundo y compacto, el conjunto logra canciones que pueden ser muy oscuras, y aun así mostrar las luces al final de los múltiples túneles que se despliegan. Con pulida producción y letras que mezclan la adolescencia emocional con la sabiduría factual, “La Velocidad de las Plantas” puede sonar a disco de transición a ratos, y he ahí lo más intrigante, porque tras este bosque tupido de sensaciones hay que ver si la oscuridad que esboza este disco se traduce en el sonido del futuro de Prehistöricos.

Siempre Llueve Al Atardecer – “Siempre Llueve Al Atardecer” EP

A veces la voz más potente es la de la guitarra. Así como James Murphy hizo en “All I Want” de LCD Soundsystem, la voz es un instrumento más para generar una emoción gris y en technicolor en el EP debut de Siempre Llueve Al Atardecer, una de las bandas más atractivas del “nuevo pop de guitarras”, tal vez porque se escapan del pop tradicional y se acercan a la música de películas, al score instrumental, o a la musicalización de lo mudo. La portada del EP remite a ese momento donde el día muere, donde el sol quiere reposar, y ahí es donde la soledad y la pausa operan para disfrutar este EP, manifiesto lleno de intención que augura paisajes únicos y caminos abiertos para esta banda.

Weichafe – “Mundo Hostil”

Con intención de radicarse en México, Weichafe se puso metas más altas que nunca, y por ambición no se quedaban, pero sin las canciones el salto podría ser más difícil. Sin embargo, el trío no tiene problemas para entregar el conjunto más inspirado de canciones con un alto componente político, una coherencia implacable y el sonido que les gusta a sus fans de antaño. Destaca la existencia de “Me Estai Hueveando”, donde como pocas veces está el grito de descrédito ante tanta injusticia. Con “Mundo Hostil”, Weichafe logra mezclar concepto, sonido y entrega para sacar un gran disco, sin repetirse ni traicionarse, lo que para una banda que se acaba de reencontrar es un gran mérito.

Por Manuel Toledo-Campos

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5 Comentarios

5 Comentarios

  1. Arnaldo

    29-Dic-2016 en 12:54 pm

    no esta el de los Ases Falsos? en serio? jajaja Prehistoricos po..

    • Michel Leiva Martínez

      30-Dic-2016 en 5:14 pm

      Los gustos personales, no siempre son los gustos generales. De lo único que sirve estas notas es saber que encontró de bueno el equipo de HN a estos discos, tener en cuenta los discos y si esta la posibilidad escucharlos.

      No mas que eso.

  2. Pedro

    31-Dic-2016 en 2:56 am

    Gracias por esta lista. Principalmente porque por ustedes conocí el año pasado a Tenemos Explosivos, y ese disco me ha acompañado infatigablemente todo este difícil 2016. Ojalá tener tiempo de escuchar toda esa música que ponen acá, seguro encontraría un grupo más que me pegue tanto. Cariños.

  3. Felipe

    03-Ene-2017 en 9:12 am

    A mi parecer faltó el de Los Mil Jinetes – Fuera de mi vista. Creo que la banda alcanzá un gran equilibrio en este disco mezclando el sonido clásico de los primeros discos con tintes mas eléctricos que tuvo mundo tan mal hecho. A la vez se mantienen e identifican las líricas tan particulares que posee el grupo.

  4. Sincero

    10-Ene-2017 en 7:38 am

    Discos y chilenos no combina. Los chilenos son muy malos haciendo musica rock. Deberian solo mirar a sus vecinos que lo hacen muy bien.

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Especial En Órbita 2017: Lee Ranaldo

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Lee Ranaldo

Hay artistas cuyo aporte musical pasa desapercibido a simple vista y terminan siendo reconocidos por quienes verdaderamente valoran su obra. En esa vereda, la tremenda influencia que Lee Ranaldo ha ejercido en el rock alternativo comenzó a gozar de aquel reconocimiento con el pasar de los años, especialmente luego de la pausa indefinida que Sonic Youth tomó de los escenarios.

El canoso guitarrista siempre jugó un rol fundamental dentro de la banda. Gran parte de su sonido correspondía a la especial forma en que toca la guitarra, y también en los eternos puentes sonoros que generaba con Thurston Moore en el escenario, compitiendo en verdaderas batallas de noise que dejaban a más de alguno con problemas de audición.

Lejos de esos artistas que viven recordando la época de gloria con su banda original, Lee se dedicó completamente a su faceta como solista una vez que terminó la historia de Sonic Youth. Tanto como en solitario, así como con su proyecto The Dust, Ranaldo ha demostrado durante los últimos años que no necesita recurrir a un catálogo seguro para demostrar su calidad y eficiencia en vivo.

Álbumes como “Between The Times & The Tides” (2012) o el recién lanzado “Electric Trim” (2017) comprueban el hecho de que Lee tiene creatividad para rato, entregando una música ligeramente diferente a lo que hacía en Sonic Youth, pero con el sello característico que sólo su guitarra y fraseos vocales pueden entregar. Melancolía y pesar, todo de la manera más surrealista posible.

Esa plena concentración en sus proyectos no es al azar. Ranaldo busca llevar un mensaje, un manifiesto de cómo piensa y siente la música. De la misma manera rupturista que en antaño, se las ingenia para conjugar las melodías y el arte, entregando todo su talento literario para crear música más poética e inspiradora, con temáticas un poco más humanas y naturales.

Toda esa introspección, se ve reflejada en un impecable show en vivo, donde las armónicas melodías se mezclan con volátiles y concisos riffs, marca propia de Ranaldo con su guitarra Fender que zumba todo a su alrededor con su potente y abrumador sonido. Sin duda que canciones como “Off The Wall”, “Tomorrow Never Comes” o la grandiosa “Lecce, Leaving”, de su proyecto Lee Ranaldo And The Dust, serán parte de un setlist que juega con cartas propias, sin tener que pedirle prestado a nadie más.

Ese show podremos sentirlo en el próximo festival En Órbita, donde Ranaldo vendrá a promocionar su última placa de estudio, trabajo que refleja un punto de inflexión entre el trabajo en formato eléctrico y las constantes giras solitarias en modo acústico que lo tiene recorriendo el mundo durante el último tiempo. La instancia perfecta para presenciar directamente todo el talento y poderío en vivo de un artista que siempre ha jugado el papel de héroe anónimo, aportando silenciosamente desde su artística y pasiva manera.

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