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Discos chilenos destacados 2015

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2015 fue un tremendo año para la música chilena, pese a la fútil discusión en que resultó lo del 20% en las radios o a que nuevamente asistimos a múltiples ocasiones donde el machismo de la escena nacional se advirtió a distancia, o a los prejuicios en materia de géneros musicales aún hacen que se discuta la calidad de propuestas necesarias para destacar. Pese a los ripios de (pésima) costumbre, y a las pobres soluciones que se presentan, la música es lo último que se apaga. Como siempre.

El año fue salvado por los excelentes retornos de gente con trayectoria, pero también por debuts estremecedores, dejando la sensación de que existe fortaleza estructural a nivel creativo en la música chilena, pero también habiendo irrupciones que van más allá de estos cimientos, que se expanden en los dominios de los territorios y vibraciones que pisan la producción artística.

2015 fue marcado por el accidente cerebrovascular y posterior recuperación de Jorge González, por la posibilidad única para este país de reconocer a un ícono clave en su arte en vida, y no de forma póstuma, tanto en un Movistar Arena repleto viéndolo regresar al canto, como con el lanzamiento hace muy poco de “Trenes”, su quinto álbum solista, y el mejor disco chileno del año.

Por otro lado, tuvimos el combo doble del sello Piloto, que si bien había lanzado sencillos, noqueó a todo el mundo, primero con el gran debut de Patio Solar, “Temporada”, y meses más tarde con “Nonato Coo”, el disco más importante de 2015 a manos de Niños del Cerro. Música con arraigo del locus desde el cual es creada, no sólo física, sino que también emocionalmente, unido con la conformación de verdaderas comunidades y circuitos propios, tocando en patios, casas, lugares lejos de lo tradicional, haciendo caminos propios, refrescantes y, lo que más importa para evitar la inercia, nuevos. Como si fuera poco, además tuvimos el EP debut de Velódromo, solidísimo estreno que va por un carril más tradicional en las formas, pero no en los contenidos, con muchísima potencia e identidad clara.

En medio tenemos excelentes discos de Camila Moreno, (Me Llamo) Sebastián, Colombina Parra, Nuclear, Gepe, Tenemos Explosivos, The Suicide Bitches, All Tomorrows o Dënver; retornos para consolidarse por parte de Maifersoni o Diego Peralta; así como también el debut de Los Días Contados con su impactante “Tocaciones”, un álbum lleno de elegancia y sexualidad. Además, hay discos que pasaron demasiado desapercibidos para la calidad que mostraron, como los regresos de Claudius Rieth, Gameover, o Andrés Valdivia.

Finalmente, es importantísimo destacar la intervención de los sellos cuyos trabajos aparecen en este listado. Ya mencionamos a Piloto, pero también es muy trascendente la labor de Cápsula Discos (que editó el grandioso “Gabriel” de Matorral), Sudamerican Records (a cargo del mejor empaque de disco del año para “Triunfo Moral” de Tus Amigos Nuevos), el coloso Quemasucabeza, Beast Discos y Tuneless Records, todos sellos que no sólo editan, sino que tratan de darle valor agregado a lo que muestran, lo que es notorio y mejora sin dudas este paisaje prometedor para la escena nacional, más que por lo que hay alrededor, por lo que importa: las canciones, los artistas y las sensaciones que los discos y los conciertos producen. Aquí, tal como en 2013 y 2014, les presentamos nuestros destacados 2015 (en orden alfabético):

Adelaida – “Madre Culebra”

ADELAIDA - MADRE CULEBRAConciso. La capacidad de aprovechar los recursos en el estudio por parte de Jurel Sónico, Natalia Díaz y Gabriel Holzapfel ya se notaba en “Monolito” (2014), primer larga duración de Adelaida, pero la banda expande su identidad hacia terrenos más brumosos y potentes en “Madre Culebra”, álbum más directo y que pule los pequeños ripios técnicos que se podían sentir en “Monolito”. Junto a Pablo Giadach, garante del sonido texturado de la agrupación, Jack Endino aparece en los créditos de producción de los singles más inmediatos, como “Holograma”, los que esperamos lleven a Adelaida a una mayor cantidad de oídos, porque, aunque tenga nexos con el grunge, el rock de los porteños suena a futuro fuerte y urgente.

Aeroparque – “Aeroparque” EP

AEROPARQUE - AEROPARQUEFuerza. Dentro de las novedades que han irrumpido este año, muchas veces existen ecos de ese indie pop más estadounidense, con referentes como Mac DeMarco, pero Aeroparque va por otros rumbos, pese a compartir ciertos elementos sonoros. Su potente EP debut homónimo tiene potencia y emociones, evocando más a Los Planetas, por ejemplo, con canciones directas, como “Ya No Te Necesito”, para pasar a la calma melódica con la acústica “Este Tren”. No hay tanta madurez en el sonido de Aeroparque aún, pero se esboza una identidad clara e inquietudes que se condicen con su búsqueda en vivo, por lo que este EP se convierte en una promesa y un atisbo de realidad a manos del novel cuarteto.

All Tomorrows – “Sol Agnates”

ALL TOMORROWS - SOL AGNATESPotencia. Si hace cuatro años “Opilion” ponía al cuarteto chileno en un sitial expectante respecto a la amplia, pero muchas veces poco enfocada escena del rock chileno, “Sol Agnates” consolida a All Tomorrows a punta de precisión y fuerza, llevando más allá su evolución dentro del metal moderno. El crecimiento de la banda ha sido fuerte en el escenario, con la posibilidad de tocar en grandes ocasiones, pero escapan del designio clásico del metal chileno sobre ser mejores en vivo que en estudio con un trabajo pulcro y directo al grano que, no obstante, entrega joyas más experimentales como “Unión” o lo más mathcore con “Downpour”, una variedad que los instala entre lo mejor del año.

Andrés Valdivia – “Efectos Secundarios”

ANDRES VALDIVIA - EFECTOS SECUNDARIOSBuscar. El nombre de Andrés Valdivia ganó notoriedad por haber compuesto e interpretado ese himno que es “Encontrar”, canción parte del soundtrack de “Se Arrienda” (2005), pero el sentido de las melodías y la composición han movido armónicamente a Valdivia, primero con “Nudo Ciego” (2006) y ahora, casi una década después, con “Efectos Secundarios”, donde –como reconoció en entrevistas– intenta responder a la pregunta “¿qué significa ser un hombre en 2014?”, y quizás por ello hay más ruido y distorsión, como se nota en la tensa “Ese Misterio”, o con un dinamismo sencillo como en “Responde”. Un disco con paisajes de película y melodías de cuartos estrechos, que devuelve a Valdivia a nuestros oídos en diez tracks.

Camila Moreno – “Mala Madre”

CAMILA MORENO - MALA MADREÉpico. Delicado, furibundo y femenino, “Mala Madre” es el disco que define por completo la fuerza de Camila Moreno, al tomar las capacidades de sus lanzamientos anteriores e ir más allá. Las historias que se cuentan en él tienen mucho de íntimo, de hablar sobre las sensaciones de las oprimidas, de evitar la condescendencia porque las cosas caen por su propio peso. La oscuridad que rodea al disco se siente inevitable, mientras se suceden capas sonoras intrigantes con interpretaciones crudas y compases atrevidos, sagaces y llenos de sangre. En una escena de pop individual, “Mala Madre” se alza como una voz coral, casi como si la humanidad hablara a través suyo, en huracanes de ritmos y nubes de miradas.

Colombina Parra – “Otoño Negro”

COLOMBINA PARRA - OTOÑO NEGROReflexión. Colombina Parra es una artista de ciclos, y los que ocurren en su vida son parte importante de lo que es capaz de mostrar en sus lanzamientos como solista. Si en “Flores Como Gatos” (2011) enfrentaba la vida por su embarazo, “Detrás Del Vidrio” (2013) dejaba en claro la necesidad de Colombina de retomarse a sí misma. “Otoño Negro”, de este año, la pone frente a la muerte de su madre, Nury Tuca, y la artista lo hace de forma cálida pero a conciencia plena, con más aires a homenaje que a algo más nostálgico. Folk, cueca, noise y más se mezclan en un disco que muestra muchas más caras de Colombina que en lanzamientos anteriores. Un gran álbum con múltiples facetas.

Claudius – “Get Out”

CLAUDIUS - GET OUTÚnico. Claudius Rieth ha hecho una carrera en la producción y en la capacidad de pulir el sonido de otros, generando joyas en múltiples estilos, aunque para sí mismo ha dedicado menos tiempo, con sólo un álbum anterior, “Piano” (2008), y este, “Get Out”, que quizás a muchos no les suene porque no parece un disco hecho en Chile –para el caso, en el Estudio Triana en plena Providencia-, y genera sensaciones como las de New Orleans, Seattle o New York. Es un álbum con vocación, calidad e interpretaciones internacionales, pese a su aparente simpleza. He ahí una gracia de los grandes como Rieth: saber que el virtuosismo no muestra maestría, sino que es simplemente hacer las cosas bien.

Dënver – “Sangre Cita”

DENVER - SANGRE CITARiesgos. El cambio sonoro, arriesgadísimo y aun así muy lógico que presentó Dënver en su cuarto disco, “Sangre Cita”, es parte de las apuestas más fuertes del año. Si los arreglos aparentemente densos se sucedían en “Fuera de Campo” (2013), en su nuevo disco el dúo de Milton Mahan y Mariana Montenegro se posiciona en la pista de baile, de forma directa, apelando conscientemente a un sonido “plástico”, que esconde una manufactura muchas veces grandiosa (“Mai Lov”, “Mi Derrota”, “Los Vampiros”) y otras no tanto (“Bola Disco”), pero que nunca deja de exudar toneladas de convicción. La intención de Dënver nunca estuvo tan clara como ahora, y la transición de “Sangre Cita” debe ser seguida con mucha atención.

Diego Peralta – “Nuevo Hogar”

DIEGO PERALTA - NUEVO HOGARRefugios. Aunque llevaba tres producciones anteriores, “Nuevo Hogar” representa el debut en las ligas mayores para Diego Peralta que, pese a su juventud, tiene ya bastante recorrido en la escena más under de los cantautores en nuestro país. De la mano de la producción de Mowat, y con participaciones de Ítalo Arauz, Felipe Cadenasso y Antonio Del Favero de Matorral, Leo Saavedra, Cristóbal Briceño, y Javier Barría, Peralta logra destacar con canciones que se notan trabajadas a pulso para lograr el tránsito desde la composición solista, hasta un desarrollo en banda que permite ver la ambición de un autor que –como la carátula– merece estar en portada, a la vista y oído de todos.

Föllakzoid – “III”

FÖLLAKZOID - IIICaleidoscopio. Uno de los grupos de rock psicodélico más exitoso de nuestro país, que no tiene una presencia muy importante en las carteleras de conciertos en vivo, pero esto no impide que su fama crezca de la mano de sus discos. “III”, no sólo muestra una evolución, sino que algo aún más complicado dentro del estilo en el que se mueven, evidenciando rasgos únicos y reconocibles. Sí, “III” a veces se siente un poco pegado y monotemático, pero nadie puede negar que Föllakzoid es una fuerza que, a través de loops, efectos y ecos, consigue dar con canciones que impactan y que merecen ser escuchadas. Esperemos que sí sean profetas en su tierra, porque tienen méritos para ello.

Gameover – “Lázaro”

GAMEOVER - LAZAROGeneración. No hay regularidades en el trabajo que ha llevado a cabo Gameover, uno de esos grupos que definió lo que es ser independiente a comienzos de los 2000. Luego de un tránsito vertiginoso, dos hiatos han devuelto a la banda al ruedo por cortos períodos, y su estatus de culto se ha construido de manera quizás involuntaria, lo que le viene bien a un disco directo pero atemporal como “Lázaro”, siendo una breve aunque potente declaración de Gameover en 2015; una definición de que la madurez implica reconocer lo que se hizo bien, abrazarlo y devenirlo en historia grande, de esas que se escriben en canciones largas, como la excelente “Rey de la Ciudad” o en “Mil Años Luz”. Fuerte, claro, levántate y anda.

Gepe – “Estilo Libre”

GEPE - ESTILO LIBREColores. No es complicado ver por qué hay gente que aún resiste a Gepe. Daniel Riveros no hace lo mismo una y otra vez, sino que impulsa cambios, se mueve por diferentes géneros, y por ello es que genera también anticuerpos; es claro, porque se niega a seguir por caminos de un pasado glorioso. Hoy, se arma de canciones que están listas para cazar listados de todas las radios, porque Gepe en “Estilo Libre” genera fiestas para cada espacio del dial, romántico con “Invierno” o “TKM”, bailoteado con “Fiesta Maestra” o “Melipilla”, e incluso más zorrón con “Vivir”, a dúo con Javiera Mena. Un disco que lo libera de etiquetas y que es a prueba de prejuicios, con calidad e intención internacional.

Gran Capitals – “Nada Raro EP

GRAN CAPITALS - NADA RAROInfluencia. Las seis canciones que componen el EP debut de Gran Capitals –antes conocidos como ReyTuerto– son una cachetada de actualidad en medio de un panorama rockero que en Chile parece ser más tendiente a los residuos de los clásicos reinventados, más que a la novedad. “Nada Raro” tiene un sonido sofisticado, fresco y lleno de rock alternativo, donde las influencias quedan muy claras, pero se apropian de manera armónica y sin caer en el pastiche. Un debut con alma de experiencias extensas y canciones que recién comienzan a abrirse camino, son cosas que el sexteto tiene para seguir adelante, siendo parte de los estandartes de un rock que en ellos encuentra una bocanada de aire fresco.

Jorge González – “Trenes”

JORGE GONZALEZ - TRENESMaestro. El mejor disco del año viene de la mano del artista vivo más importante de la música chilena, que en vez de dormir entre las almohadas de la redituable nostalgia, lleva al ex Prisionero a los territorios del pop más texturado y variado. A diferencia de “Libro” (2013), donde lo acústico dominaba la escena, en “Trenes” JG no se limita, usa recursos electrónicos, aparentes sampleos y efectos, logrando mezclar la calidez de “Nada Es Para Siempre” con la cadencia oscura y sexual de “Desconocido” o el pop-funk de “Julián”. González toma múltiples hablantes y alter egos para lograr el objetivo de transportarnos a través de un disco inolvidable y lleno de sentimientos. Lo mejor del año.

Los Días Contados – “Tocaciones”

LOS DIAS CONTADOS - TOCACIONESElegancia. Juan Pablo Abalo ya había entregado uno de los mejores discos chilenos en la última década durante 2014, pero nada hacía presagiar que, junto a Carlos “Cabeza” Reinoso (ex Mostro) y Luis Felipe Saavedra, sacaría en 2015 un álbum que movería esa oscuridad en clave de pista de baile reflexiva. “Tocaciones” de Los Días Contados cuenta con elegancia, con texturas cercanas a la de las sábanas de una cama vacía, un tanto desordenada, pero con el frío de las brisas que acompañan a una lluvia copiosa. En seis canciones y media hora, el trío muestra las caras más escondidas del dolor sensual al ritmo de beats y sintetizadores, cuya calidad hace de este uno de los debuts más pulcros en los últimos años.

Maifersoni – “Maiferland (Acto de Amor)”

MAIFERSONI - MAIFERLAND ACTO DE AMORAtmósferas. Enrique Elgueta estuvo en silencio cinco años, desde su “Telar Deslizante” (2010) hasta crear su tierra propia, “Maiferland”, donde se palpa reflexión y un idealismo sujeto al amor. No es el álbum más fácil de digerir de la temporada, pero una vez que el oyente queda inmerso en él, no hay para qué escapar. La estratósfera resulta ser el lugar perfecto para observar los movimientos en un planeta original, que habla de “generaciones doradas” y “partners”, de invocaciones y de aires andinos, porque las historias y ánimos se entrelazan para dar con un álbum que parece una verdadera introducción al mundo de Maifersoni, ese que se desata y brilla en su sólido show en vivo.

Mantarraya – “Frío” EP

MANTARRAYA - FRIOCalidez. Sólo cuatro canciones hicieron falta para que los penquistas Mantarraya se hicieran notar en 2015. Aunque de bajo perfil, el lanzamiento de su EP acústico, “Frío”, dejó en claro que, junto con lo expansivo de su sonido eléctrico, evidente en “Costa Esqueleto” (su excelente debut de 2013), existe una sensibilidad melódica que impacta. Perfecto para sonorizar una fogata en el sur o un despertar en la costa, “Frío” incluye su breve y emocionante tema homónimo o la grandiosa “La Divina Comedia”, antecedentes promisorios para los siguientes pasos del quinteto, que muestra en este EP su capacidad compositiva al desnudo, y sale con un gran triunfo en las manos.

Matorral – “Gabriel”

MATORRAL - GABRIELPerfección. No es nuevo afirmar que Matorral tiene una de las discografías más potentes y perfectas de la música nacional, pero el cuarteto, acostumbrado a un sonido directo y en vivo, necesitaba explorar las opciones de edición del estudio para dar un paso adelante en su ya excelsa calidad. “Gabriel” es el resultado de un trabajo meditado, con ningún elemento de sobra, con todo en su lugar, con canciones donde la vida transcurre en dos minutos, como “Abril”, o tiene la urgencia emocional de “Blanco”. Perfección con sangre, alma, belleza y la fuerza de la experiencia dispuesta de la manera más coherente, que hacen de “Gabriel” lo mejor de los ya tremendos Matorral.

(Me Llamo) Sebastián – “La Belleza”

ME LLAMO SEBASTIAN - LA BELLEZATeatral. Si “El Hambre” (2012) presentaba a Sebastián Sotomayor a lo grande, con un set de canciones infalibles e interpretaciones únicas, “La Belleza” aspira a cosas aún mayores. Ya no es sólo (Me Llamo) Sebastián quien se quiere presentar, sino que también tenemos mayores chance de acceder a sus composiciones y a las relaciones que se establecen entre estas y quien las oiga. Si antes se esbozaban los tópicos autobiográficos, ahora el compromiso es aún mayor, y la identidad de género aparece como columna vertebral de los relatos, pero musicalmente además todo es más radial, más sencillo de digerir, sin claudicar en lo teatral y en la riqueza de matices. Una belleza, por dentro y por fuera.

Niños Del Cerro – “Nonato Coo”

NIÑOS DEL CERRO - NONATO COOManifiesto. El álbum más importante del año. Quizás, uno del cual se harán tesis y análisis sociológicos en el futuro. “Nonato Coo” no sólo es un gran disco, sino que también parece ser la carta de principios de la nueva era de la música independiente en Chile, esa que se escapa de los teclados y bases para tomar instrumentos e irrumpir en formato banda, hablando menos y convocando más, generando himnos dignos de cantar como barrabrava, tal cual son los temas que se suceden en este excelente lanzamiento de Niños del Cerro,  uno de los créditos de la piedra angular de esta nueva escena, el iluminador sello Piloto. Un manifiesto épico y un gran disco debut para los floridanos.

Nuclear – “Formula For Anarchy”

NUCLEAR - FORMULA FOR ANARCHYControl. El metal chileno goza de un nivel muy interesante cuando se exploran de forma correcta los matices y el sonido, teniendo varias pruebas de ello, aunque la mayoría de las veces se trata más fuertemente de la experiencia arriba del escenario y las salas de ensayo. Nuclear no ha hecho un camino corto: los ariqueños tienen más de 17 años de carrera, y en “Formula For Anarchy” logran su mejor trabajo a la fecha, sin abandonar la brutalidad de su propuesta, pero agregándole cuotas de manejo y producción que los llevan a arenas internacionales, no sólo en escena, sino que también en estudio, lejos de las fórmulas, jugándosela por desarrollar las canciones, y dejarlas fluir con potencia suprema.

Patio Solar – “Temporada”

PATIO SOLAR - TEMPORADARealidad. El otro disco editado por Piloto, primer larga duración del novel sello, y uno perfecto para ampliar las rutas desde la periferia del Gran Santiago –esa donde hay pasajes estrechos y patios breves– hacia la carretera musical, instancia en que se dan a conocer nuevas propuestas a la velocidad de la luz, y donde la voz de Claudio Gajardo, sin mayores inflexiones, logra expresar emociones de forma adolescente sin subestimar tal concepto, de forma sencilla sin escatimar en calidad, y con una capacidad de letras y melodías tan directas, que es imposible quedar indiferentes. Un disco que dejó y seguirá dejando huella, y que pone todos los ojos en el luminoso futuro de Patio Solar.

Planeta No – “Odio”

PLANETA NO - ODIOOrgánico. Muchas veces se dictamina que el pop es música plástica, poco tangible. De ser así, ese prejuicio choca de frente con Planeta No. El trío, luego de varios años puliendo su propuesta y con el buen EP “Matucana” (2014) como antecedente, sacó “Odio” este año, tremendo debut donde lo orgánico es fundamental. Música para bailar y llorar, para cantar y tocar, con puntos altísimos en “El Campo”, “Maricón Zara” y “64”, en un disco que en medio de letras aparentemente simples explora la adolescencia como el último bastión de la rebeldía y de la posibilidad de una identidad propia, sin estar amenazada por las hegemonías culturales y económicas. Sí, hay odio, pero también mucha verdad.

Tenemos Explosivos – “La Virgen De Los Mataderos”

TENEMOS EXPLOSIVOS - LA VIRGEN DE LOS MATADEROSMemoria. En Chile mucha gente se compra el populismo, el discurso oficial, la necedad que domina el cotidiano, y en medio se enfrentan a slogans facilistas. He ahí donde se hace urgente el rescate de la memoria, de la historia, de los procesos, y de las sensaciones asociadas que generan las letras de Eduardo Pavez en “La Virgen de los Mataderos”, segundo disco de Tenemos Explosivos. Canción política pero poética, sin explícitos pero dejando todo muy claro, en medio de gritos y potencia post hardcore permanente. Un disco memorable y que es necesario escuchar muchas veces para poder hacernos cargo de la multiplicidad de significados que posee. Una escucha necesaria en tiempos oscuros.

The Suicide Bitches – “Semenation”

THE SUICIDE BITCHES - SEMENATIONRock. Pudo haber partido como un proyecto de un grupo de amigos, pero la evolución evidenciada en “Semenation” hace que The Suicide Bitches pise fuerte y asegure su lugar en los buenos lanzamientos de 2015 en Chile, en especial al jugársela por un rock “a secas”, sin caer ni en el metal ni en la psicodelia dominantes, y así hacerse su propio camino con ciertos elementos stoner y también con mucho tino en el manejo de la dinámica de los compases y la potencia. Uno de los proyectos más directos, que aprendió a ponerse más capas y texturas, logrando uno de los discos más excitantes y fáciles de disfrutar en un año donde pocos lograron tal solidez y consistencia en el rock.

Trementina – “Almost Reach The Sun”

TREMENTINA - ALMOST REACH THE SUNDefinitivo. Shoegaze puro y duro, con una apropiación única de códigos que parecen muy conocidos, es la carta de presentación del cuarteto valdiviano que madura y lleva su identidad al papel más sólido con este, su último lanzamiento. Ya en su EP “Brilliant Noise” (2013) mostraban que su interés es mezclar ruido con una sensibilidad pop evidente. No son dados a la complejidad como motivo de hacer canciones, aunque logren intrincados y geniales solos y murallas de efectos a volúmenes altos. Trementina hasta fue editado en Japón, y es de las pocas bandas chilenas que puede cantar en inglés y no perder en el intento. Sin duda seguirán proyectándose a la velocidad del sonido.

Tus Amigos Nuevos – “Triunfo Moral + Folclor de Medianoche I”

TRIUNFO MORAL - TUS AMIGOS NUEVOSEscenarios. Diego Lorenzini tiene una capacidad de generar letras cercanas y divertidas, con melodías imbatibles, pero en Tus Amigos Nuevos no posee la carga de ser el ente creativo, y Javier Chorbadjian, Leo Salinas y Manuel del Valle dotan a TAN de una potencia y posibilidad de corromper al ente viviente más aburrido a punta de bajos dinámicos, percusiones enérgicas y riffs afilados. Una fiesta que en vivo se desata y que en “Triunfo Moral” tiene su registro más acabado, mientras que el EP “Folclor de Medianoche I” muestra las sensibilidades innegables del conjunto, capaces de crear canciones excelentes, sea de la mano del ruido más fiestero o de las cuerdas acústicas más bonitas.

Velódromo – “Velódromo” EP

VELODROMO - VELODROMORevelación. Cuando el novel cuarteto Velódromo sacó su primer adelanto, “Gemini”, este año, las miradas inmediatamente se pusieron en lo que sería su EP debut. Un sonido tan maduro y tan claro es complejo de encontrar en el espectro de agrupaciones que buscan ser depositarias del shoegaze; y es que Velódromo –como muestra en las cuatro canciones que conforman su primer lanzamiento– mezcla con gracia sus influencias, logrando algo único y, lo más importante, con identidad inmediata. Puede que les falte experiencia, pero las ideas están, y si con cuatro canciones se convirtieron en una de las “bandas revelación”, habrá que esperar qué pueden hacer con un LP en toda su magnitud.

Por Manuel Toledo-Campos

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Discos chilenos destacados 2022

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Discos chilenos destacados 2022


Tras dos años donde la creación y lanzamientos fueron marcados por la pandemia, 2022 fue de reconstrucción de circuitos, flujos y formas de mover la música. Varios locales que impulsaban música en vivo ya no existen o cambiaron de rumbo, y en los medios también se estrecharon los espacios para la música nacional, viviéndose una especie de reinicio muy lento en la actividad. En un contexto así, el formato “disco” ha significado un refugio no sólo creativo, sino que en muchos casos es la gran vitrina que tienen estos proyectos, así que no basta con un par de canciones y nada más, notándose cada vez más un afán coherente en las propuestas chilenas.

Habiendo evaluado alrededor de un centenar de álbumes, sin mayor filtro de género o factura, EP o LP, nuestro equipo seleccionó recomendaciones para comprender la amplitud de los sonidos chilenos en una época donde los nombres o los amiguismos no alcanzan para ganar notoriedad. Felizmente, es la creatividad la que hoy entrega espacios, reconvertidos y resignificados para llegar a la audiencia.

La música de cantautores sigue siendo relevante, con nombres como Yorka, Benjamín Walker, Rosario Alfonso o Diego Lorenzini, cruzando el año con la fuerza de composiciones que denotan una evolución sin perder la esencia. También hay artistas y agrupaciones que se la jugaron con proyectos nuevos y que acertaron en lanzamientos que consiguen identidad propia, como pasó con Carlos Cabezas en su primer EP con La Banda del Dolor, Cienfuegos, Jurel Sónico & Los Impuros, Lanza Internacional o Mowat & Colombina Parra. En tanto, existen debutantes que pisaron fuerte en este año con sus primeros LPs, como Movediza, Emilia Borlone, Suppression o Casa Tomada. Finalmente, una mención especial para retornos que entregaron nuevos bríos a proyectos que ya tenían un corpus sólido de trabajo, como ocurrió con Weichafe, Niños del Cerro o Congreso.

La selección comprende trabajos lanzados entre el 27 de noviembre de 2021 y 1 de diciembre de 2022. Los discos están ordenados por orden alfabético de artista y cada imagen contiene un link directo para escucharlos.


“III Brote”

Alerce

Diez años transcurrieron para que desde las húmedas tierras valdivianas emergiera el tercer álbum de Alerce. Honrando a los milenarios árboles de los cuales la banda recoge su nombre, “III Brote” es un trabajo que tardó en gestarse, pero que pacientemente desarrolla su vigor, tanto sonoro como lírico, combinando la destreza del math rock con las ambiciones grandilocuentes de un poético rock progresivo. Evocando la nostalgia y el aura de misterio de los parajes cubiertos por la neblina en nuestro sur, el cuarteto nos regala una antología de cartas donde reflejan sus más profundos sentires; miedos y angustias que arrecian cual diluvio, pero que permiten florecer la vida enclaustrada en nuestro interior.


“El Poder del Mar”

Arranquemos del Invierno

En una segunda aventura sonora, el proyecto de la ex voz de Niño Cohete explora por pasajes envolventes y calmos, donde la producción es fiel reflejo del concepto detrás del disco. “El Poder del Mar” ofrece una fórmula que se desvía levemente del repertorio previo de Arranquemos del Invierno, y en esta ocasión son ritmos elementalmente electrónicos los que se mezclan con arreglos vinculados al folk, sin perder la esencia pop en cada composición. Mediante canciones que hablan de reflexiones internas y evocan el renacer, Pablo Álvarez toma el desafío de navegar por nuevos ritmos, dando como resultado una mixtura interesante, cuyos puntos en común son el aura ambiental y el compás manso que lo rodea.


“Maximalismo”

ASMRBRUJO

Desviándose del camino que sigue con su banda Coloresantos, el productor Adan Fresard se expande sonoramente en su proyecto solista ASMRBRUJO, donde con “Maximalismo” se concentra en desarrollar una estética sonora muy personal, entregando guiños al shoegaze siempre mediante un toque contemporáneo y donde en ocho canciones explora distintas facetas de su propia personalidad a través de temáticas humanas, vulnerables y también de mucha reflexión. Gracias a un cruce de estilos y texturas, ASMRBRUJO irrumpe con una experiencia comprometida artísticamente hablando, donde se despoja de cualquier etiqueta para implementar sus impulsos creativos.


“Choose Your Death”

Behead

Mediante un sonido influenciado por el death metal de los noventa, “Choose Your Death” es un flashback colmado de agresividad correctamente ejecutado. Bajo la distribución del sello chileno Burning Coffin, el cuarteto oriundo de Talagante apuesta por una fórmula intensa, la cual se posiciona dentro de un territorio intermedio entre el thrash y el death. Con un repertorio en inglés casi a totalidad, destacan los matices de la apertura con “Moonlight Nocturne”, la canción en español “Renacer”, y el quiebre melancólico a final de “Suicidal Mind”. En un trabajo claro en su cometido, el debut de Behead logra evocar un período puntual en la historia del metal extremo, acompañados de un sonido y técnica sobresaliente.


“Libro Abierto”

Benjamín Walker

El tercer disco de Benjamín Walker, y primero desde que dejara Chile para establecerse de forma permanente en México, es un oleaje de emociones y sutilezas, donde las canciones –guiadas principalmente por su guitarra acústica– van mostrando un abanico de matices y sonoridades que abrazan en los momentos difíciles e impulsan cuando la energía recorre tu cuerpo. “Libro Abierto”, tal como lo dice su nombre, es una oportunidad para conocer a la persona detrás del artista y entender que los discos también pueden ser una instancia de aprendizaje y reconocimiento. Once piezas bien armadas y concisas que, sobre todo, elevan el nombre del santiaguino a las grandes ligas de la escena nacional.


“Más Allá del Mundo”

Burning Caravan

Fieles a su propuesta y con una lucidez digna de imitar, el sexteto franco colombiano chileno nos vuelve a deleitar con un álbum de estudio directo, ecléctico y, sobre todo, increíblemente cautivador. Como quien vuelve a reunirse con un grupo de viejos amigos, la agrupación no pierde el tiempo intentando reinventar su fórmula, sino que se dedica a sacarle punta a sus puntos fuertes y además sumar himnos a un catálogo que, a esta altura, tiene innumerables momentos de magia. De espíritu innegablemente gitano, pero con exquisitos pasajes de jazz, bolero y ska, los 30 minutos de música que nos regala el conjunto son un verdadero viaje más allá del mundo, tal como profesa el título del álbum.


“Antes Del Sol” (EP)

Carlos Cabezas

Grabado con los músicos de La Banda del Dolor (Gonzalo López, Mauricio Melo, Paolo Murillo, Nicolás Quinteros y Edita Rojas), este lanzamiento es el primer trabajo solista del cantautor desde 2010. Fiel al tono de sus últimos discos con Electrodomésticos, los cuatro temas que dan vida a este EP se caracterizan por tener un sonido más bien reposado, que da espacio suficiente para la construcción de cautivadoras atmósferas, donde sobresale el correcto trabajo en guitarra, las precisas percusiones de Rojas y la infalible interpretación de Cabezas. A esta altura, el ADN musical que caracteriza la obra del cantautor es ciertamente familiar, sin embargo, ha probado al mismo tiempo seguir siendo además imprescindible.


“Ruth 9000”

Casa Tomada

El primer LP de la banda penquista Casa Tomada, aparece con fuerza dentro de lo mejor de 2022. Un disco directo, que sin rodeos entrega media hora de un rock alternativo cargado al shoegaze y a la distorsión, mostrándose como nuevos exponentes de un estilo que en el último tiempo ha ganado fuerza en el medio nacional. Un trabajo que también gira en torno a una temática global: la muerte. La primera parte llama al deseo del reencuentro, mientras que la segunda aborda la llegada al más allá, logrando dar una vuelta completa por un tópico que no siempre se aborda en la escena. Pese a que puede parecer un disco oscuro, su energía llama más a la claridad, algo clave cuando se aborda este tipo de líricas.


“Derrotero/Devenir” (EP)

Cienfuegos

En un recorrido breve, aunque sumamente intenso, “Derrotero/Devenir” conduce la rabia como su principal fuerza creadora. Con seis canciones que se articulan desde la visceralidad, lo nuevo de Cienfuegos aglutina múltiples sentimientos en combustión, donde convive la desesperanza y el cansancio, pero también la resistencia. Mediante el uso de un lenguaje poético, la banda ofrece como postal la memoria de un territorio herido, emparentándose en su propuesta a grandes nombres de la escena hardcore local con tintes figurativos. En un trabajo de naturaleza caótica y con cercanías al screamo, el cuarteto logra abrirse espacio con particular belleza, donde se hace del ruido las respuestas.


“El Desierto Avanza”

Cola de Zorro

Algo especial tiene el cuarto larga duración del conjunto de Valparaíso. De alguna manera, y pese a los múltiples obstáculos que atravesó el lanzamiento del disco, la banda se las supo arreglar para transmitir un nivel de luminosidad e ímpetu que hasta ahora no le conocíamos. Anclados al post rock, pero con maravillosos pasajes de krautrock y una identidad sonora fuertemente ligada a los sonidos de espíritu latinoamericano, lo de “El Desierto Avanza” es tan limpio y contundente, que se termina transformando en uno de esos viajes donde, aunque uno sepa hacia dónde pueden llevarnos, igualmente terminan siendo necesarios. Un paso al frente para una banda que avanza pausadamente, pero que sólo parece crecer.


“Fuerzas Que Retroceden”

Colombina & Mowat

Trabajado a la distancia y por largos años, el proyecto que une a estos dos artistas finalmente sale a la luz. De ánimo pausado e intimista, los pasajes que dan vida a este álbum transitan de forma elegante por espacios de luz, sombra y mucha incerteza. Por momentos minimalista, todos los ingredientes incluidos en esta fórmula parecen tener un significado especial, con cada canción finalmente funcionando como un acertijo que, luego de desarrollarse, lentamente va a terminar mostrándonos su verdadera cara en una sutileza que puede ir desde un breve pasaje de piano, hasta la susurrada y a veces inquietante voz de Colombina. De esos discos que sólo crecen en la medida que uno les da espacio para respirar.


“Colores”

Columpios Al Suelo

Un mundo ruidoso lleva a la creación de proyectos ruidosos. Una frase que puede parecer liviana en su precisión, pero que no sólo radica en producir un eco, sino que en la capacidad de despertar y generar fricción. “Colores” de Columpios al Suelo genera mucho de eso. Son canciones caóticas, filosas, con una esencia muy en modo shoegaze y noise rock, que en la segunda parte se transforman en piezas más amplias y con una notoria carga post rock. Además, todo aquello combina con mensajes de escape e inquietud, que piden a gritos salir al mundo. La mezcla da, sin espacio a dudas, con un esencial en la discografía nacional de 2022.


“Luz, Figura y Sombra”

Cómo Asesinar A Felipes

Tres palabras, tres conceptos, tres energías. “Luz, Figura y Sombra” es un disco que por lógica divide, pero que por naturaleza une. Un trabajo donde Cómo Asesinar A Felipes logra mostrar su propia historia, llevando al oyente por piezas instrumentales, ritmos electrónicos y un rap oscuro. Cada etapa de la banda está aquí: el jazz ácido de los primeros discos, las postales ambientales de “Elipse” (2017) y la psicodelia agresiva y electrificada de “MMXX” (2020). Pero no es un recopilatorio, porque los detalles muestran a una banda en plena exploración y renovación. A veces recurrir a lo conocido puede llevar a una nueva esencia, y eso fue justo lo que hizo CAF.


“LUZ DE FLASH”

Congreso

Con más de 50 años de carrera musical, el nuevo trabajo del conjunto funciona perfecto para entender por qué bandas como Congreso parecen nunca perder vigencia. Basta sumergirse una sola vez en esta nueva travesía para que la urgencia y ánimo exploratorio del conjunto termine pasándonos por arriba. Elegantes en lo compositivo, precisos en la ejecución y cercanos en lo narrativo, el viaje al que nos invitan, si bien es acogedor y familiar (por el sello sonoro), nunca sacrifica un ápice de frescura. De esos trabajos que con seguridad serán un deleite para aquellos que siguen a Congreso por muchos años, pero que además deja la puerta abierta para atraer nuevos curiosos.


“Coraje”

Dania Neko

Dania Neko continúa consolidando su carrera en un disco en que, a su elocuencia e inventiva lírica, se suma una novedosa exploración de la sonoridad del flamenco. Esta nueva síntesis es un descubrimiento realmente notable en cuanto este género parece calzar de manera perfecta con su timbre vocal. Las rimas reminiscentes del estallido social y la protesta se entremezclan con referencias a Valparaíso (donde se halla radicada), dejando también espacio a momentos instrumentales que revelan un notable trabajo de la guitarra, cuyo rol protagónico ya había sido explorado previamente en su repertorio, pero que en este disco exuda una gran versatilidad técnica.


“Palabritas y Palabrotas”

Diego Lorenzini

Para la cuarta entrega de su etapa solista, Diego Lorenzini continúa desarrollando ideas a través de álbumes extensos, donde el foco de atención recae en los arreglos folk y una pluma dotada de humor y creatividad. “Palabritas y Palabrotas” se pasea por canciones íntimas y austeras, que suenan introspectivas, pero también incluye aquellas que hablan de nuestra historia reciente, como en “Nada En Contra Del K-Pop”, además de una certera versión a “Romance Del Enamorado y La Muerte” de Víctor Jara. Acompañado de algunos recursos electrónicos, las composiciones adquieren matices sin olvidar aquellos enganches mediante la reiteración de frases ingeniosas. Un álbum llevadero y fluido, pese a su duración.


“Rota”

Emilia Borlone

Con una aproximación de apariencia sencilla, pero al mismo tiempo íntima y evocadora, el primer disco de la cantautora nos sumerge en un viaje donde la variedad de texturas y una acertadísima e ineludible versión del clásico “Corazón De Poeta” (original de Jeanette) se anotan los puntos altos de la experiencia. Bossa nova, indie folk y pasajes de soul se amalgaman perfecto con la dulce y cautivadora interpretación vocal de Borlone, que no sólo tiene el gran mérito de unificar todo bajo un mismo sello sonoro, sino que además logra que la artista se aventure en universos narrativos que van desde lo romántico a la crítica social sin perder un ápice de credibilidad. Veintitrés minutos de pura lucidez.


“El Camino del Selk’nam”

Fases

Un trabajo como “El Camino del Selk’nam” merece ser visto desde dos perspectivas. Primero, por su extraordinaria propuesta musical, en donde sobresale la convivencia de potentes riffs de guitarra con delicadas secciones tocadas por la agrupación. Una mezcla de emociones y sonidos meticulosamente grabados, que sacan a flote el trasfondo del proyecto: honrar a una cultura exterminada por la ambición. Es esa intención la que lleva a la segunda perspectiva por donde se debe abordar el EP lanzado por Fases: sus líricas. Durante la media hora que dura el álbum, el oyente está expuesto a una narrativa emotiva y directa, que lleva a la reflexión y al redescubrimiento del pueblo amerindio asesinado en el extremo sur. Un manifiesto lírico, social, cultural y musical.


“Herida”

Francisco Victoria

Un disco que sangra, hiere, sana y se resiente, es lo que entrega Francisco Victoria en su segunda entrega. Explorando los orígenes del dolor, el artista evita caer en clichés, por lo que, cuando hace interpelaciones directas en letras llenas de sentimiento, el pop elegante que cultiva se torna más devastador. Cómo se llega a los momentos de los que usualmente se canta, y cómo las decisiones y las sensaciones se van sucediendo, son análisis veraces que el compositor aplica en un álbum que lo ve avanzar como productor y expandirse como intérprete. Breve en sus ocho tracks, pero duradero en el efecto que produce, “Herida” es un preciso bisturí pop que interviene las emociones y no deja indiferente.


“A Flourishing Fall In A Grain Of Sand”

Humanotone

El segundo disco de esta banda originaria de Coquimbo se caracteriza por un incuestionable protagonismo de la guitarra, que dialoga con las suaves melodías de la voz mediante riffs que transitan entre lo pesado y lo melódico. Aunque el uso prominente del fuzz y los ritmos arrastrados acercan a la banda al mundo del stoner rock, los solos extensos y la longitud de las canciones –que promedian los 10 minutos– la vinculan con un sonido más progresivo. Esta interesante combinación, y la similitud que tienen las canciones entre sí, da como resultado un disco que refleja la temprana madurez de una banda que ya ha definido su sonido, pero que aún tiene un amplio margen para expandir la variedad de su repertorio.


“Paisajes Imaginarios”

Julia Gjertsen & Nico Rosenberg

El álbum propone una exploración de texturas ambientales donde confluyen elementos orgánicos (piano, flauta) y sonidos sintéticos, que se empastan a través del uso de delays de cinta, aportando un característico sonido lo-fi. En general, las piezas tienen una gran libertad en relación al ritmo, otorgando un carácter casi improvisado a las líneas melódicas, aunque algunas, como “Håp” o “Atlantis”, poseen ritmos pulsativos que aportan variedad. La mayor virtud de Gjertsen & Rosenberg reside en la construcción de múltiples planos sonoros, pues logran que un elemento, que inicialmente parece principal, termine constituyéndose en una parte del acompañamiento de otra idea melódica o textural.


“Flores Plásticas”

Jurel Sónico & Los Impuros

No importa cuál sea el proyecto o el lugar que ocupe en él, Jurel Sónico siempre tiene algo que aportar a la escena nacional. Conocido por ser el fundador de Adelaida, ahora Claudio Manríquez se sumó a Joaquín Roa, Gacotochi, Tomás Pérez y Mort para dar vida a Jurel Sónico & Los Impuros, una banda que debutó con fuerza gracias a su disco “Flores Plásticas”. Aquí la agrupación explora estilos como el grunge, shoegaze y un rock más alternativo, mostrando una paleta de colores que, aunque inevitablemente lleva a lugares similares a la de los otros proyectos de Jurel (Adelaida y Mowasee), aporta nuevas sensaciones, principalmente ligadas a paisajes oscuros y muy densos, los cuales explotan en coros con mucho engañe y fuerza.


“Antipoda” (EP)

La Brígida Orquesta

Con una formación que incluye a algunas de las figuras más llamativas de la escena nacional (Gabo Paillao, Matiah Chinasky y Felipe Metraca), La Brígida Orquesta vuelve a dar con una propuesta que cautiva a públicos tan distintos como a los fanáticos del jazz y los del rap más duro. Es esa mezcla de vibraciones y emociones la que vuelve en “Antipoda”, segundo proyecto de la banda, que en sus bronces incluye a ex participantes de la Conchalí Big Band. Un EP que atrapa con los lúgubres sonidos instrumentales y con la melancólica prosa de su vocalista, elevando la experiencia a un ir y venir de sensaciones y colores. El producto hace justicia al nivel de sus creadores, algo muchas veces difícil.


“Ritmos en Cruz”

La Ciencia Simple

Ritmos En Cruz

A estas alturas, hablar de La Ciencia Simple es referirse a un emblema de la escena post rock nacional. Revalidando su jerarquía, el cuarto álbum del colectivo es la consolidación de una exploración que los ha llevado a navegar en la inmensidad de los mares del ambient. En un momento de cambios para la banda, “Ritmos en Cruz”, las últimas grabaciones con formación original, es responsable de reflejar ese estado de metamorfosis, el cual privilegia texturas y atmósferas donde prima la calma y delicadez, pero que sabe dar espacios a intensos quiebres, y con ello, a un firmamento infinito de constelaciones sónicas, redibujando la infinita cartografía de colores del cuarteto santiaguino.


“Frente”

Lanza Internacional

Mirarnos cara a cara, sacarnos las máscaras, tanto en relaciones interpersonales como a nivel de sociedad. Esas son las invitaciones que nos hace el nuevo trabajo de los hermanos Durán, quienes, pese a estar radicados en México, mantienen su vínculo con nuestro país, reflejándolo en el contenido lírico del segundo álbum de su proyecto. Con un catálogo sonoro de temas bailables y estribillos pegajosos, influenciados por el new wave y el rock alternativo, en todos trasciende su potencial radial. De esta forma, “Frente”, para bien o para mal, se emparenta con el pasado y tiende puentes con la última etapa de Los Bunkers, siendo antesala a la reunión de la legendaria agrupación penquista.


“Los Jerjeles”

Los Jerjeles

La energía de un sonido inclasificable y mestizo es lo primero que reluce del inquieto debut homónimo de Los Jerjeles. Bronces, percusiones con tintes afro y sintetizadores psicodélicos son parte de un trabajo heterogéneo, que bebe influencias del funk, jazz, surf y el afrobeat, todo junto y revuelto con audacia y actitud punk. En un proyecto que reúne a miembros de Ram y Los Mixes, Playa Gótica y Pirómanos del Ritmo, las palabras son un aspecto prescindible, abriendo paso a un colectivo instrumental donde la música habla por sí sola, y el título de sus siete canciones invita al imaginario de la libre interpretación. Un trabajo ineludible para aquellos afines a lo bailable y lo experimental.


“Faces”

Luxferre

Con la capacidad para levantar imaginarios grandilocuentes, “Faces” se posiciona como uno de los trabajos mejor logrados dentro del panorama post-metal a nivel local este año. Cuatro canciones son las que sostienen el primer larga duración de Luxferre; cuatro pilares donde se aprecia un permanente cuidado por crear obras atmosféricas, en las cuales convive la densidad de las melodías con los pasajes etéreos. Mediante recursos propios de este género “ambiental”, cada composición atraviesa distintos niveles de tensión en su desarrollo. En su conjunto, este álbum refuerza la idea de aquellos proyectos donde el peso instrumental es el encargado de encaminar las emociones, demostrando solidez y cohesión en la propuesta.


“Fracturas”

MOVEDIZA

Construyendo un sonido íntimo, elegante, pero con fuerza, Movediza deshace el piso mientras da sus primeros pasos en su intrigante disco debut. Sin obviedades, pero tampoco invitando a hurgar demasiado para comprender el todo, “Fracturas” es un álbum que se siente desde los pliegues de aquello que tapa lo aparente, dejando que el misterio se disipe poco a poco, tanto en sonido como en las letras, que también plantean múltiples lecturas. Aunque lo electrónico predomina, el cuidado de cada track, cada capa, cada elemento que suena o se acalla, todo apunta a un trabajo “a mano”, con espacios para lo delicado y lo rugoso. Un primer disco brillante, que requiere ser descubierto y disfrutado.


“Botones”

Narval Orquesta

Hace mucho que un disco póstumo no sonaba tan celebratorio y expansivo, pero Narval Orquesta consigue que su adiós sobresalga a punta de riesgos, colores y muchas ideas en medio de otro año opaco para el país. “Botones” es una colección de experiencias que rondan lo académico y lo poco ortodoxo, entregando más que canciones o composiciones. El nivel de juego y de manejo del lenguaje musical en este disco es enorme, pero no sólo desde lo prodigioso y hábil, sino también desde lo emotivo, que se cierne sobre un trabajo que evita mostrar su hálito de despedida, aunque sí consigue llegar a esa atmósfera épica donde se cruza el momentum, la astucia, lo nuevo y la identidad de una banda que se extrañará.


“Suave Pendiente”

Niños del Cerro

En un ánimo menos directo que el de su disco anterior, pero igualmente arrollador, el tercer trabajo de estudio del quinteto tiene el gran mérito de eludir de manera impecable casi todas las etiquetas estilísticas. Es cierto que al acercarnos a estas quince canciones vamos a encontrar elementos de shoegaze, dreampop, space rock e incluso algo de post rock, pero claramente la propuesta sonora de Niños del Cerro va mucho más allá de ellas, con la banda inteligentemente abocada a fusionar y alternar dichas identidades. Como si eso fuera poco, los precisos arreglos de saxofón (cortesía de Franz Mesko) y el audaz trabajo en la base rítmica a lo largo del álbum, terminan haciendo de este viaje una experiencia imperdible.


“Monte Oculto”

Novedades Matutinas

Art rock, jazz fusión, neo-progresivo, ambient pop. Son variadas las etiquetas y mundos que caben en los tan solo seis temas que dan vida al segundo álbum de Novedades Matutinas. Poderosos y elegantes, palabras empleadas por sus propios integrantes, definen a la perfección la multiplicidad de colores y texturas de una propuesta cuya destreza técnica habita en comunión con una sensibilidad melódica envidiable. Destacando en la esfera de sonidos de vanguardia nacional, justamente por balancear complejidad y sencillez, “Monte Oculto” nos convoca a una peregrinación sónica, experimentando tanto momentos de frenesí como de profunda templanza, para de paso develar los misterios de sus atmósferas etéreas.


“Sons Of Violence”

Parasyche

Impulsados por la fama viral de su vocalista en YouTube, Parasyche logra sacar provecho de las lógicas de internet para saltar desde el anonimato hacia una vitrina global, presentando un álbum que podría significar un paso importante en su consagración. A punta de riffs estrechamente emparentados con el groove metal de Gojira o la escuela europea del thrash metal, la segunda entrega de la banda destaca además por la participación de diversas personalidades del metal sudamericano y músicos youtubers de renombre mundial. En tiempos de agresividad e hiperconectividad, Borie y compañía se valen del impulso y encaminan la internacionalización del conjunto, respondiendo violentamente a un contexto que así lo exige.


“De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”

Rosario Alfonso

De naturaleza indie folk, pero con un sello único que destaca por sus delicados vocales, elegantes arreglos de cuerda y vientos, percusiones de innegable espíritu latinoamericano y una narrativa directa e inteligente, lo del segundo larga duración de la cantautora es uno de esos trabajos que obliga a detenerse y dejarse encantar. Los 45 minutos que dan vida a “De Canciones Tristes y Otras Sutilezas”, alternan motivos sonoros de una manera tan efectiva y cautivadora, que cada vez que creemos haber descifrado el lenguaje musical de este recorrido, nos vamos a encontrar con algún pequeño (o no tan pequeño como sucede al cierre del disco) giro compositivo que vuelve a recuperar nuestra atención. Un gran acierto por donde se le mire.


“Visions Of A Dismal Fate”

Rotten Tomb

Desde las agrestes tierras del extremo norte, los iquiqueños Rotten Tomb nos condenan al averno con su primer álbum, uno que, gracias a riffs espectrales, ritmos bestiales y voces infernales, son manifestación de un death metal en su estado más puro. Tras años de ruedo en la escena, tanto nacional como internacional, este debut es la consolidación de un trabajo que se posiciona a la par de aquellos nombres que defienden la ortodoxia del género. Con un sonido demoledor y descarnado, que no requiere de un matiz de originalidad para destacar, “Visions Of A Dismal Fate” halla su virtud en el correcto entendimiento y ejecución de las formas clásicas, revelando ante nosotros el significado de lo demoníaco.


“The Sorrow Of Soul Through Flesh”

Suppression

Pocas veces un debut en el metal chileno logra un nivel de autodeterminación tan profundo como lo que hace Suppression. Quizás ayudan las experiencias anteriores de los músicos que conforman la banda, o tal vez es el tiempo que fue paciente con el crecimiento del proyecto, pero la brutalidad siempre intencionada y al servicio de las estructuras de las canciones hace que este disco suene fresco y agobiante. Ejecutando un death metal más técnico, no deja de ser admirable la capacidad de hacer propios ciertos elementos que pareciera que se han escuchado tantas veces, y con una producción donde lo old school no le quita aires de presente a este, uno de los mejores lanzamientos del metal chileno del año.


“Cortacalles”

Tenemos Explosivos

La emotividad en el discurso y en lo musical son aspectos fundamentales para un proyecto como Tenemos Explosivos. Sin ser la excepción, “Cortacalles” es un trabajo que reafirma el factor político como cualidad inherente, constituyendo los cimientos que permiten levantar cada composición. En esta cuarta entrega, lo interesante recae en una producción que amplía los recursos sonoros. Un abanico que ofrece sutilezas como “El Barco de Teseo”, hasta canciones más pesadas como el caso de “Zanjón de la Aguada”. Todas con un cuidado por el relato, que en conjunto dibujan postales de un pasado reciente colmado de terrores y preguntas, donde se sostiene y reafirma el valor de la música como ejercicio de memoria.


“Vuelo Hacia El Final”

Weichafe

La sexta entrega discográfica de Weichafe se desenvuelve de una manera sólida y sin mayores complicaciones en lo sonoro y narrativo, demostrando el inmenso oficio que la agrupación ha desarrollado con los años, además de la expansión en términos de desarrollar sus canciones sin temor a experimentar. Nueve tracks de naturaleza arrolladora, pero con una delicadeza en los detalles que el cuarteto implementa bajo una amalgama de influencias, siempre con su sello preciso en cuanto a la exploración de estilos, texturas y la convivencia de distintos elementos. Con este trabajo, Weichafe se muestra como una banda compositivamente madura y aventuradamente joven.


“Chao”

Yorka

El cuarto disco de las hermanas Pastenes dispone una coherencia brutal desde el adiós y sus múltiples facetas, en diez tracks cálidos y fríos, como diría Franco de Vita. Ya sea cuando se aproxima o cuando ya ocurrió, este “Chao” pone a la melancolía al centro y consolida al dúo con elegancia, frescura y sutileza. En medio de tracks de suave pop llenos de cadencia, producción cuidada y voces en armonía perfecta, se explora cómo “dejar ir” y no decaer en el intento, incluso no siempre desde lo amoroso, tal como ocurre con la canción más impactante del álbum, “Viento”, inspirada en el fallecimiento de su padre, y que ahonda en cómo seguir adelante con todo a cuestas: dolores, recuerdos y cariños que siguen ahí.


Selección y textos por Manuel Toledo-Campos, Aquiles Cornejo, David Martínez, Javier Pérez, Emilio Toledo, Manuel CabralesClaudio Tapia.


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