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Discos chilenos destacados 2015

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2015 fue un tremendo año para la música chilena, pese a la fútil discusión en que resultó lo del 20% en las radios o a que nuevamente asistimos a múltiples ocasiones donde el machismo de la escena nacional se advirtió a distancia, o a los prejuicios en materia de géneros musicales aún hacen que se discuta la calidad de propuestas necesarias para destacar. Pese a los ripios de (pésima) costumbre, y a las pobres soluciones que se presentan, la música es lo último que se apaga. Como siempre.

El año fue salvado por los excelentes retornos de gente con trayectoria, pero también por debuts estremecedores, dejando la sensación de que existe fortaleza estructural a nivel creativo en la música chilena, pero también habiendo irrupciones que van más allá de estos cimientos, que se expanden en los dominios de los territorios y vibraciones que pisan la producción artística.

2015 fue marcado por el accidente cerebrovascular y posterior recuperación de Jorge González, por la posibilidad única para este país de reconocer a un ícono clave en su arte en vida, y no de forma póstuma, tanto en un Movistar Arena repleto viéndolo regresar al canto, como con el lanzamiento hace muy poco de “Trenes”, su quinto álbum solista, y el mejor disco chileno del año.

Por otro lado, tuvimos el combo doble del sello Piloto, que si bien había lanzado sencillos, noqueó a todo el mundo, primero con el gran debut de Patio Solar, “Temporada”, y meses más tarde con “Nonato Coo”, el disco más importante de 2015 a manos de Niños del Cerro. Música con arraigo del locus desde el cual es creada, no sólo física, sino que también emocionalmente, unido con la conformación de verdaderas comunidades y circuitos propios, tocando en patios, casas, lugares lejos de lo tradicional, haciendo caminos propios, refrescantes y, lo que más importa para evitar la inercia, nuevos. Como si fuera poco, además tuvimos el EP debut de Velódromo, solidísimo estreno que va por un carril más tradicional en las formas, pero no en los contenidos, con muchísima potencia e identidad clara.

En medio tenemos excelentes discos de Camila Moreno, (Me Llamo) Sebastián, Colombina Parra, Nuclear, Gepe, Tenemos Explosivos, The Suicide Bitches, All Tomorrows o Dënver; retornos para consolidarse por parte de Maifersoni o Diego Peralta; así como también el debut de Los Días Contados con su impactante “Tocaciones”, un álbum lleno de elegancia y sexualidad. Además, hay discos que pasaron demasiado desapercibidos para la calidad que mostraron, como los regresos de Claudius Rieth, Gameover, o Andrés Valdivia.

Finalmente, es importantísimo destacar la intervención de los sellos cuyos trabajos aparecen en este listado. Ya mencionamos a Piloto, pero también es muy trascendente la labor de Cápsula Discos (que editó el grandioso “Gabriel” de Matorral), Sudamerican Records (a cargo del mejor empaque de disco del año para “Triunfo Moral” de Tus Amigos Nuevos), el coloso Quemasucabeza, Beast Discos y Tuneless Records, todos sellos que no sólo editan, sino que tratan de darle valor agregado a lo que muestran, lo que es notorio y mejora sin dudas este paisaje prometedor para la escena nacional, más que por lo que hay alrededor, por lo que importa: las canciones, los artistas y las sensaciones que los discos y los conciertos producen. Aquí, tal como en 2013 y 2014, les presentamos nuestros destacados 2015 (en orden alfabético):

Adelaida – “Madre Culebra”

ADELAIDA - MADRE CULEBRAConciso. La capacidad de aprovechar los recursos en el estudio por parte de Jurel Sónico, Natalia Díaz y Gabriel Holzapfel ya se notaba en “Monolito” (2014), primer larga duración de Adelaida, pero la banda expande su identidad hacia terrenos más brumosos y potentes en “Madre Culebra”, álbum más directo y que pule los pequeños ripios técnicos que se podían sentir en “Monolito”. Junto a Pablo Giadach, garante del sonido texturado de la agrupación, Jack Endino aparece en los créditos de producción de los singles más inmediatos, como “Holograma”, los que esperamos lleven a Adelaida a una mayor cantidad de oídos, porque, aunque tenga nexos con el grunge, el rock de los porteños suena a futuro fuerte y urgente.

Aeroparque – “Aeroparque” EP

AEROPARQUE - AEROPARQUEFuerza. Dentro de las novedades que han irrumpido este año, muchas veces existen ecos de ese indie pop más estadounidense, con referentes como Mac DeMarco, pero Aeroparque va por otros rumbos, pese a compartir ciertos elementos sonoros. Su potente EP debut homónimo tiene potencia y emociones, evocando más a Los Planetas, por ejemplo, con canciones directas, como “Ya No Te Necesito”, para pasar a la calma melódica con la acústica “Este Tren”. No hay tanta madurez en el sonido de Aeroparque aún, pero se esboza una identidad clara e inquietudes que se condicen con su búsqueda en vivo, por lo que este EP se convierte en una promesa y un atisbo de realidad a manos del novel cuarteto.

All Tomorrows – “Sol Agnates”

ALL TOMORROWS - SOL AGNATESPotencia. Si hace cuatro años “Opilion” ponía al cuarteto chileno en un sitial expectante respecto a la amplia, pero muchas veces poco enfocada escena del rock chileno, “Sol Agnates” consolida a All Tomorrows a punta de precisión y fuerza, llevando más allá su evolución dentro del metal moderno. El crecimiento de la banda ha sido fuerte en el escenario, con la posibilidad de tocar en grandes ocasiones, pero escapan del designio clásico del metal chileno sobre ser mejores en vivo que en estudio con un trabajo pulcro y directo al grano que, no obstante, entrega joyas más experimentales como “Unión” o lo más mathcore con “Downpour”, una variedad que los instala entre lo mejor del año.

Andrés Valdivia – “Efectos Secundarios”

ANDRES VALDIVIA - EFECTOS SECUNDARIOSBuscar. El nombre de Andrés Valdivia ganó notoriedad por haber compuesto e interpretado ese himno que es “Encontrar”, canción parte del soundtrack de “Se Arrienda” (2005), pero el sentido de las melodías y la composición han movido armónicamente a Valdivia, primero con “Nudo Ciego” (2006) y ahora, casi una década después, con “Efectos Secundarios”, donde –como reconoció en entrevistas– intenta responder a la pregunta “¿qué significa ser un hombre en 2014?”, y quizás por ello hay más ruido y distorsión, como se nota en la tensa “Ese Misterio”, o con un dinamismo sencillo como en “Responde”. Un disco con paisajes de película y melodías de cuartos estrechos, que devuelve a Valdivia a nuestros oídos en diez tracks.

Camila Moreno – “Mala Madre”

CAMILA MORENO - MALA MADREÉpico. Delicado, furibundo y femenino, “Mala Madre” es el disco que define por completo la fuerza de Camila Moreno, al tomar las capacidades de sus lanzamientos anteriores e ir más allá. Las historias que se cuentan en él tienen mucho de íntimo, de hablar sobre las sensaciones de las oprimidas, de evitar la condescendencia porque las cosas caen por su propio peso. La oscuridad que rodea al disco se siente inevitable, mientras se suceden capas sonoras intrigantes con interpretaciones crudas y compases atrevidos, sagaces y llenos de sangre. En una escena de pop individual, “Mala Madre” se alza como una voz coral, casi como si la humanidad hablara a través suyo, en huracanes de ritmos y nubes de miradas.

Colombina Parra – “Otoño Negro”

COLOMBINA PARRA - OTOÑO NEGROReflexión. Colombina Parra es una artista de ciclos, y los que ocurren en su vida son parte importante de lo que es capaz de mostrar en sus lanzamientos como solista. Si en “Flores Como Gatos” (2011) enfrentaba la vida por su embarazo, “Detrás Del Vidrio” (2013) dejaba en claro la necesidad de Colombina de retomarse a sí misma. “Otoño Negro”, de este año, la pone frente a la muerte de su madre, Nury Tuca, y la artista lo hace de forma cálida pero a conciencia plena, con más aires a homenaje que a algo más nostálgico. Folk, cueca, noise y más se mezclan en un disco que muestra muchas más caras de Colombina que en lanzamientos anteriores. Un gran álbum con múltiples facetas.

Claudius – “Get Out”

CLAUDIUS - GET OUTÚnico. Claudius Rieth ha hecho una carrera en la producción y en la capacidad de pulir el sonido de otros, generando joyas en múltiples estilos, aunque para sí mismo ha dedicado menos tiempo, con sólo un álbum anterior, “Piano” (2008), y este, “Get Out”, que quizás a muchos no les suene porque no parece un disco hecho en Chile –para el caso, en el Estudio Triana en plena Providencia-, y genera sensaciones como las de New Orleans, Seattle o New York. Es un álbum con vocación, calidad e interpretaciones internacionales, pese a su aparente simpleza. He ahí una gracia de los grandes como Rieth: saber que el virtuosismo no muestra maestría, sino que es simplemente hacer las cosas bien.

Dënver – “Sangre Cita”

DENVER - SANGRE CITARiesgos. El cambio sonoro, arriesgadísimo y aun así muy lógico que presentó Dënver en su cuarto disco, “Sangre Cita”, es parte de las apuestas más fuertes del año. Si los arreglos aparentemente densos se sucedían en “Fuera de Campo” (2013), en su nuevo disco el dúo de Milton Mahan y Mariana Montenegro se posiciona en la pista de baile, de forma directa, apelando conscientemente a un sonido “plástico”, que esconde una manufactura muchas veces grandiosa (“Mai Lov”, “Mi Derrota”, “Los Vampiros”) y otras no tanto (“Bola Disco”), pero que nunca deja de exudar toneladas de convicción. La intención de Dënver nunca estuvo tan clara como ahora, y la transición de “Sangre Cita” debe ser seguida con mucha atención.

Diego Peralta – “Nuevo Hogar”

DIEGO PERALTA - NUEVO HOGARRefugios. Aunque llevaba tres producciones anteriores, “Nuevo Hogar” representa el debut en las ligas mayores para Diego Peralta que, pese a su juventud, tiene ya bastante recorrido en la escena más under de los cantautores en nuestro país. De la mano de la producción de Mowat, y con participaciones de Ítalo Arauz, Felipe Cadenasso y Antonio Del Favero de Matorral, Leo Saavedra, Cristóbal Briceño, y Javier Barría, Peralta logra destacar con canciones que se notan trabajadas a pulso para lograr el tránsito desde la composición solista, hasta un desarrollo en banda que permite ver la ambición de un autor que –como la carátula– merece estar en portada, a la vista y oído de todos.

Föllakzoid – “III”

FÖLLAKZOID - IIICaleidoscopio. Uno de los grupos de rock psicodélico más exitoso de nuestro país, que no tiene una presencia muy importante en las carteleras de conciertos en vivo, pero esto no impide que su fama crezca de la mano de sus discos. “III”, no sólo muestra una evolución, sino que algo aún más complicado dentro del estilo en el que se mueven, evidenciando rasgos únicos y reconocibles. Sí, “III” a veces se siente un poco pegado y monotemático, pero nadie puede negar que Föllakzoid es una fuerza que, a través de loops, efectos y ecos, consigue dar con canciones que impactan y que merecen ser escuchadas. Esperemos que sí sean profetas en su tierra, porque tienen méritos para ello.

Gameover – “Lázaro”

GAMEOVER - LAZAROGeneración. No hay regularidades en el trabajo que ha llevado a cabo Gameover, uno de esos grupos que definió lo que es ser independiente a comienzos de los 2000. Luego de un tránsito vertiginoso, dos hiatos han devuelto a la banda al ruedo por cortos períodos, y su estatus de culto se ha construido de manera quizás involuntaria, lo que le viene bien a un disco directo pero atemporal como “Lázaro”, siendo una breve aunque potente declaración de Gameover en 2015; una definición de que la madurez implica reconocer lo que se hizo bien, abrazarlo y devenirlo en historia grande, de esas que se escriben en canciones largas, como la excelente “Rey de la Ciudad” o en “Mil Años Luz”. Fuerte, claro, levántate y anda.

Gepe – “Estilo Libre”

GEPE - ESTILO LIBREColores. No es complicado ver por qué hay gente que aún resiste a Gepe. Daniel Riveros no hace lo mismo una y otra vez, sino que impulsa cambios, se mueve por diferentes géneros, y por ello es que genera también anticuerpos; es claro, porque se niega a seguir por caminos de un pasado glorioso. Hoy, se arma de canciones que están listas para cazar listados de todas las radios, porque Gepe en “Estilo Libre” genera fiestas para cada espacio del dial, romántico con “Invierno” o “TKM”, bailoteado con “Fiesta Maestra” o “Melipilla”, e incluso más zorrón con “Vivir”, a dúo con Javiera Mena. Un disco que lo libera de etiquetas y que es a prueba de prejuicios, con calidad e intención internacional.

Gran Capitals – “Nada Raro EP

GRAN CAPITALS - NADA RAROInfluencia. Las seis canciones que componen el EP debut de Gran Capitals –antes conocidos como ReyTuerto– son una cachetada de actualidad en medio de un panorama rockero que en Chile parece ser más tendiente a los residuos de los clásicos reinventados, más que a la novedad. “Nada Raro” tiene un sonido sofisticado, fresco y lleno de rock alternativo, donde las influencias quedan muy claras, pero se apropian de manera armónica y sin caer en el pastiche. Un debut con alma de experiencias extensas y canciones que recién comienzan a abrirse camino, son cosas que el sexteto tiene para seguir adelante, siendo parte de los estandartes de un rock que en ellos encuentra una bocanada de aire fresco.

Jorge González – “Trenes”

JORGE GONZALEZ - TRENESMaestro. El mejor disco del año viene de la mano del artista vivo más importante de la música chilena, que en vez de dormir entre las almohadas de la redituable nostalgia, lleva al ex Prisionero a los territorios del pop más texturado y variado. A diferencia de “Libro” (2013), donde lo acústico dominaba la escena, en “Trenes” JG no se limita, usa recursos electrónicos, aparentes sampleos y efectos, logrando mezclar la calidez de “Nada Es Para Siempre” con la cadencia oscura y sexual de “Desconocido” o el pop-funk de “Julián”. González toma múltiples hablantes y alter egos para lograr el objetivo de transportarnos a través de un disco inolvidable y lleno de sentimientos. Lo mejor del año.

Los Días Contados – “Tocaciones”

LOS DIAS CONTADOS - TOCACIONESElegancia. Juan Pablo Abalo ya había entregado uno de los mejores discos chilenos en la última década durante 2014, pero nada hacía presagiar que, junto a Carlos “Cabeza” Reinoso (ex Mostro) y Luis Felipe Saavedra, sacaría en 2015 un álbum que movería esa oscuridad en clave de pista de baile reflexiva. “Tocaciones” de Los Días Contados cuenta con elegancia, con texturas cercanas a la de las sábanas de una cama vacía, un tanto desordenada, pero con el frío de las brisas que acompañan a una lluvia copiosa. En seis canciones y media hora, el trío muestra las caras más escondidas del dolor sensual al ritmo de beats y sintetizadores, cuya calidad hace de este uno de los debuts más pulcros en los últimos años.

Maifersoni – “Maiferland (Acto de Amor)”

MAIFERSONI - MAIFERLAND ACTO DE AMORAtmósferas. Enrique Elgueta estuvo en silencio cinco años, desde su “Telar Deslizante” (2010) hasta crear su tierra propia, “Maiferland”, donde se palpa reflexión y un idealismo sujeto al amor. No es el álbum más fácil de digerir de la temporada, pero una vez que el oyente queda inmerso en él, no hay para qué escapar. La estratósfera resulta ser el lugar perfecto para observar los movimientos en un planeta original, que habla de “generaciones doradas” y “partners”, de invocaciones y de aires andinos, porque las historias y ánimos se entrelazan para dar con un álbum que parece una verdadera introducción al mundo de Maifersoni, ese que se desata y brilla en su sólido show en vivo.

Mantarraya – “Frío” EP

MANTARRAYA - FRIOCalidez. Sólo cuatro canciones hicieron falta para que los penquistas Mantarraya se hicieran notar en 2015. Aunque de bajo perfil, el lanzamiento de su EP acústico, “Frío”, dejó en claro que, junto con lo expansivo de su sonido eléctrico, evidente en “Costa Esqueleto” (su excelente debut de 2013), existe una sensibilidad melódica que impacta. Perfecto para sonorizar una fogata en el sur o un despertar en la costa, “Frío” incluye su breve y emocionante tema homónimo o la grandiosa “La Divina Comedia”, antecedentes promisorios para los siguientes pasos del quinteto, que muestra en este EP su capacidad compositiva al desnudo, y sale con un gran triunfo en las manos.

Matorral – “Gabriel”

MATORRAL - GABRIELPerfección. No es nuevo afirmar que Matorral tiene una de las discografías más potentes y perfectas de la música nacional, pero el cuarteto, acostumbrado a un sonido directo y en vivo, necesitaba explorar las opciones de edición del estudio para dar un paso adelante en su ya excelsa calidad. “Gabriel” es el resultado de un trabajo meditado, con ningún elemento de sobra, con todo en su lugar, con canciones donde la vida transcurre en dos minutos, como “Abril”, o tiene la urgencia emocional de “Blanco”. Perfección con sangre, alma, belleza y la fuerza de la experiencia dispuesta de la manera más coherente, que hacen de “Gabriel” lo mejor de los ya tremendos Matorral.

(Me Llamo) Sebastián – “La Belleza”

ME LLAMO SEBASTIAN - LA BELLEZATeatral. Si “El Hambre” (2012) presentaba a Sebastián Sotomayor a lo grande, con un set de canciones infalibles e interpretaciones únicas, “La Belleza” aspira a cosas aún mayores. Ya no es sólo (Me Llamo) Sebastián quien se quiere presentar, sino que también tenemos mayores chance de acceder a sus composiciones y a las relaciones que se establecen entre estas y quien las oiga. Si antes se esbozaban los tópicos autobiográficos, ahora el compromiso es aún mayor, y la identidad de género aparece como columna vertebral de los relatos, pero musicalmente además todo es más radial, más sencillo de digerir, sin claudicar en lo teatral y en la riqueza de matices. Una belleza, por dentro y por fuera.

Niños Del Cerro – “Nonato Coo”

NIÑOS DEL CERRO - NONATO COOManifiesto. El álbum más importante del año. Quizás, uno del cual se harán tesis y análisis sociológicos en el futuro. “Nonato Coo” no sólo es un gran disco, sino que también parece ser la carta de principios de la nueva era de la música independiente en Chile, esa que se escapa de los teclados y bases para tomar instrumentos e irrumpir en formato banda, hablando menos y convocando más, generando himnos dignos de cantar como barrabrava, tal cual son los temas que se suceden en este excelente lanzamiento de Niños del Cerro,  uno de los créditos de la piedra angular de esta nueva escena, el iluminador sello Piloto. Un manifiesto épico y un gran disco debut para los floridanos.

Nuclear – “Formula For Anarchy”

NUCLEAR - FORMULA FOR ANARCHYControl. El metal chileno goza de un nivel muy interesante cuando se exploran de forma correcta los matices y el sonido, teniendo varias pruebas de ello, aunque la mayoría de las veces se trata más fuertemente de la experiencia arriba del escenario y las salas de ensayo. Nuclear no ha hecho un camino corto: los ariqueños tienen más de 17 años de carrera, y en “Formula For Anarchy” logran su mejor trabajo a la fecha, sin abandonar la brutalidad de su propuesta, pero agregándole cuotas de manejo y producción que los llevan a arenas internacionales, no sólo en escena, sino que también en estudio, lejos de las fórmulas, jugándosela por desarrollar las canciones, y dejarlas fluir con potencia suprema.

Patio Solar – “Temporada”

PATIO SOLAR - TEMPORADARealidad. El otro disco editado por Piloto, primer larga duración del novel sello, y uno perfecto para ampliar las rutas desde la periferia del Gran Santiago –esa donde hay pasajes estrechos y patios breves– hacia la carretera musical, instancia en que se dan a conocer nuevas propuestas a la velocidad de la luz, y donde la voz de Claudio Gajardo, sin mayores inflexiones, logra expresar emociones de forma adolescente sin subestimar tal concepto, de forma sencilla sin escatimar en calidad, y con una capacidad de letras y melodías tan directas, que es imposible quedar indiferentes. Un disco que dejó y seguirá dejando huella, y que pone todos los ojos en el luminoso futuro de Patio Solar.

Planeta No – “Odio”

PLANETA NO - ODIOOrgánico. Muchas veces se dictamina que el pop es música plástica, poco tangible. De ser así, ese prejuicio choca de frente con Planeta No. El trío, luego de varios años puliendo su propuesta y con el buen EP “Matucana” (2014) como antecedente, sacó “Odio” este año, tremendo debut donde lo orgánico es fundamental. Música para bailar y llorar, para cantar y tocar, con puntos altísimos en “El Campo”, “Maricón Zara” y “64”, en un disco que en medio de letras aparentemente simples explora la adolescencia como el último bastión de la rebeldía y de la posibilidad de una identidad propia, sin estar amenazada por las hegemonías culturales y económicas. Sí, hay odio, pero también mucha verdad.

Tenemos Explosivos – “La Virgen De Los Mataderos”

TENEMOS EXPLOSIVOS - LA VIRGEN DE LOS MATADEROSMemoria. En Chile mucha gente se compra el populismo, el discurso oficial, la necedad que domina el cotidiano, y en medio se enfrentan a slogans facilistas. He ahí donde se hace urgente el rescate de la memoria, de la historia, de los procesos, y de las sensaciones asociadas que generan las letras de Eduardo Pavez en “La Virgen de los Mataderos”, segundo disco de Tenemos Explosivos. Canción política pero poética, sin explícitos pero dejando todo muy claro, en medio de gritos y potencia post hardcore permanente. Un disco memorable y que es necesario escuchar muchas veces para poder hacernos cargo de la multiplicidad de significados que posee. Una escucha necesaria en tiempos oscuros.

The Suicide Bitches – “Semenation”

THE SUICIDE BITCHES - SEMENATIONRock. Pudo haber partido como un proyecto de un grupo de amigos, pero la evolución evidenciada en “Semenation” hace que The Suicide Bitches pise fuerte y asegure su lugar en los buenos lanzamientos de 2015 en Chile, en especial al jugársela por un rock “a secas”, sin caer ni en el metal ni en la psicodelia dominantes, y así hacerse su propio camino con ciertos elementos stoner y también con mucho tino en el manejo de la dinámica de los compases y la potencia. Uno de los proyectos más directos, que aprendió a ponerse más capas y texturas, logrando uno de los discos más excitantes y fáciles de disfrutar en un año donde pocos lograron tal solidez y consistencia en el rock.

Trementina – “Almost Reach The Sun”

TREMENTINA - ALMOST REACH THE SUNDefinitivo. Shoegaze puro y duro, con una apropiación única de códigos que parecen muy conocidos, es la carta de presentación del cuarteto valdiviano que madura y lleva su identidad al papel más sólido con este, su último lanzamiento. Ya en su EP “Brilliant Noise” (2013) mostraban que su interés es mezclar ruido con una sensibilidad pop evidente. No son dados a la complejidad como motivo de hacer canciones, aunque logren intrincados y geniales solos y murallas de efectos a volúmenes altos. Trementina hasta fue editado en Japón, y es de las pocas bandas chilenas que puede cantar en inglés y no perder en el intento. Sin duda seguirán proyectándose a la velocidad del sonido.

Tus Amigos Nuevos – “Triunfo Moral + Folclor de Medianoche I”

TRIUNFO MORAL - TUS AMIGOS NUEVOSEscenarios. Diego Lorenzini tiene una capacidad de generar letras cercanas y divertidas, con melodías imbatibles, pero en Tus Amigos Nuevos no posee la carga de ser el ente creativo, y Javier Chorbadjian, Leo Salinas y Manuel del Valle dotan a TAN de una potencia y posibilidad de corromper al ente viviente más aburrido a punta de bajos dinámicos, percusiones enérgicas y riffs afilados. Una fiesta que en vivo se desata y que en “Triunfo Moral” tiene su registro más acabado, mientras que el EP “Folclor de Medianoche I” muestra las sensibilidades innegables del conjunto, capaces de crear canciones excelentes, sea de la mano del ruido más fiestero o de las cuerdas acústicas más bonitas.

Velódromo – “Velódromo” EP

VELODROMO - VELODROMORevelación. Cuando el novel cuarteto Velódromo sacó su primer adelanto, “Gemini”, este año, las miradas inmediatamente se pusieron en lo que sería su EP debut. Un sonido tan maduro y tan claro es complejo de encontrar en el espectro de agrupaciones que buscan ser depositarias del shoegaze; y es que Velódromo –como muestra en las cuatro canciones que conforman su primer lanzamiento– mezcla con gracia sus influencias, logrando algo único y, lo más importante, con identidad inmediata. Puede que les falte experiencia, pero las ideas están, y si con cuatro canciones se convirtieron en una de las “bandas revelación”, habrá que esperar qué pueden hacer con un LP en toda su magnitud.

Por Manuel Toledo-Campos

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5 Comentarios

5 Comments

  1. martinsepulveda

    30-Dic-2015 en 11:32 am

    Uno de mis favoritos de este año fue el “Uno” de Ya se fueron.

  2. Alvaro Stöckle

    30-Dic-2015 en 12:10 pm

    Gran lista!
    Me habría gustado, de todos modos, ver Kaskivano, del mismo autor. Un giro de tuerca en su género incluyendo violines, trompetas, cornos, clarinete y un sonido más personal. Fue uno de mis discos favoritos del año 🙂

  3. ESPORA

    30-Dic-2015 en 3:04 pm

    Excelente recopilación, solo habría sumado el homónimo de Marineros

  4. Gonzalo Toretto Cespedes Araya

    07-Ene-2016 en 11:36 am

    ME ESTAN WEBIANDO …… QUE VISION MAS CERRADA DE LA MUSICA CHILENA … Y DONDE ESTAN LOS DISCOS DE ROCK … DE HIP HOP … PUNK … VIVA EL 20% MAS ASEGURADO DE LA MUSICA SHILENA ..

  5. Lalof

    28-Ene-2016 en 12:25 pm

    faltó “gimnasia para momias” de mi querida floripondio y algo que descubrí hace poco “lancuyen” de hidalgo, un pecado no conocerlo de antes

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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