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La discografía de Battles: Monumentos a la construcción

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Aunque estamos próximos a recibir una nueva etapa de Battles en forma de disco, cuando el próximo 18 de octubre salga “Juice B Crypts”, el cuarto disco del conjunto, es sencillo ver por qué esta costumbre de encontrarse cada cuatro años con un nuevo material del ahora dúo es tan atractiva, pero intrigante. De carácter experimental, Battles hace que el rock parezca más interesante de lo que ha sido por décadas, jugándosela por evitar los clichés y transformando todo en algo más matemático y estético, sin perder por ello la potencia o el compromiso con un sonido fuerte y directo.

Luego de sacar EPs al inicio de su camino, completamente instrumentales, la banda estremeció las convenciones en discos de factura impecable, que construyeron catedrales, puntos de referencia y más, que se desvanecían con el mero entendimiento. Un camino de álbumes que aún no acaba, pero que, con tres trabajos de solidez inconmensurable a la fecha, deja en ascuas ante “Juice B Crypts” y también ante el venidero show del 11 de octubre, cuando Battles se reencuentre con el público chileno en el Club Chocolate.

Tratando de adivinar los pasos que vendrán, veamos qué características tuvo cada entrega discográfica de Battles hasta ahora:

“Mirrored” (2007)

Aunque Battles había mostrado su capacidad de plantear la mezcolanza entre lo humano y lo artificial antes, en su primer LP este juego de la interfaz (esa donde se busca qué es real y qué no lo es, derivando en un afán inútil) está capturado por un alma pop y bailable que, en medio de un cableado de sensaciones y ritmos, genera texturas inigualables. En vez de operar con compases fáciles de adivinar, lo que hay a lo largo de “Mirrored” es una escritura de código a lo largo del registro. En vez de ponerse en figuras identificables en un pentagrama, Battles lleva los softwares al límite de lo que puede hacer una banda de rock en vivo, generando verdaderas extensiones vastas de código en vez de compases, como si se programara todo, con una humanidad que espanta cuando se le da más vueltas a este disco. El single “Atlas” muestra todas las cartas de un LP que tiene en la batería de John Stanier una columna vertebral de la que entran y salen elementos constantemente, convergiendo en un debut que hacía pedir a gritos el siguiente paso.

“Gloss Drop” (2011)

La soltura del primer disco se extraña en las escuchas más desprevenidas de “Gloss Drop”, una consecuencia lógica de la vocación siempre expansiva del, en ese momento, trío de músicos. Pero algo que cautiva de este registro es la cantidad de referencias que se suman para dotar de mayor complejidad a canciones que no temen buscar nuevos ritmos en la música del mundo entero, adecuándolo a las exigencias del avant-garde rock de Battles. Colaboraciones con muchos músicos igualmente preocupados de la experimentación, como Matías Aguayo o Gary Numan, mantienen los colores vívidos y vibrantes. La capacidad de adaptación del trío, igualmente, es algo evidente. En vez de buscar espontaneidad a rabiar, lo que se genera son condiciones basales sobre las cuales pareciera que Battles improvisa, o al menos lo intenta, en el marco de entender que la mejor improvisación viene de la mayor preparación posible. Ahí, en esa preparación y adaptabilidad, es en la que “Gloss Drop” se ve no sólo como un avance respecto al debut, sino que marcaría las certezas de un conjunto cuya supervivencia dependería de esa flexibilidad aventurera.

“La Di Da Di” (2015)

Luego de mostrar facetas pop, y tras la flexibilidad demostrada en su segundo LP, Battles se la juega en “La Di Da Di” por la experimentación más primitiva de su historia, con matemáticos cambios de signo de los tiempos y también en los quiebres dentro de una misma pieza dentro de los doce tracks instrumentales, que tal vez son un reinicio dentro de su historia. Sólo “The Yabba” muestra una vocación de comprensión mutua entre la banda y la audiencia, mientras que el resto del disco es una fascinante muestra de planos que llevarán a alguna construcción definitiva, pero que en este trabajo no se muestra. En vez de eso, se asiste a la faceta más pensante y desafiante de un conjunto que no quiere claudicar en su afán de subvertir fórmulas no quitándoselas de encima, sino que demostrando que la misma fórmula no tiene por qué ser aplicada de una sola manera y que son las manos las que tienen las huellas digitales capaces de cambiar lo que un mero código pueda decir. Y luego de este cierre de un círculo lógico, la gran pregunta sería qué es lo que viene.

Acerca de “Juice B Crypts”, aún no se tienen certezas de un disco del cual sólo se conoce un track, el ecléctico “Titanium 2 Step”, pero si algo muestra este trayecto de Battles es que, al parecer, este trabajo vendrá en la línea del primer álbum, tras un disco de transición como se puede advertir que fue “La Di Da Di” y probablemente, además, lo nuevo sea lo que domine la excitante e intrigante noche del 11 de octubre.

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Las tres etapas de The Raconteurs

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Raconteurs

No debería ser tan adecuado catalogar a Jack White como el líder de The Raconteurs, pero sin duda él es su cara más visible. Más allá de eso, la banda ha forjado una imparable carrera desde 2005, transformándose en uno de los proyectos más interesantes del oriundo de Detroit, con tres álbumes de estudio hasta la fecha que sonarán fuerte el próximo 13 de noviembre cuando el conjunto llegue por primera vez a Chile con un concierto en Coliseo Santiago. Desde sus inicios hasta ahora, The Raconteurs ha ido quemando diferentes etapas, desde las exploradoras canciones de su primer LP, pasando por el rock más radial en el segundo, hasta derechamente las composiciones con carácter de stadium rock de su tercera placa. El proyecto es, sin duda, el punto de encuentro entre músicos que van adquiriendo experiencias por fuera en sus distintas entregas musicales, forjando en conjunto su sabiduría y carácter al encontrarse aquí reunidos.

Lo que surgió como una idea entre Jack White y Brendan Benson, se vio materializada en el primer disco de la banda, “Broken Boy Soldiers” (2006), con el dúo acompañándose de Jack Lawrence y Patrick Keeler para desarrollar un trabajo donde fueron explorando distintas veredas del rock, pasando por la psicodelia y el garage, entre otros estilos, lo que generó toda una novedad debido a la variada instrumentación, algo poco habitual para White en sus trabajos con The White Stripes hasta “Get Behind Me Satan” (2005), obra que sirvió como puntapié inicial para que el músico ampliara la paleta de instrumentos y estructuras que maneja en sus composiciones. Además de sencillos más conocidos como “Steady, As She Goes”, “Broken Boy Soldiers” o “Level”, este álbum cuenta con algunas gemas escondidas, como “Hands”, “Store Bought Bones” o “Blue Veins”, donde se demuestra lo bien que funciona cada pieza del conjunto cuando trabajan a paso firme, cómodos y totalmente cómplices de cada movimiento que se ejecuta.

Fue así como la banda incorporó más elementos del blues y un rock mucho más radial en “Consolers Of The Lonely” (2008), un trabajo que llegó de manera sorpresiva con un anuncio apenas la semana anterior a su lanzamiento. Con los ojos de la crítica ya sobre su figura, la banda mantuvo la vara en alto en términos de calidad compositiva, destacando el mega hit “Salute Your Solution” y otros pilares fundamentales de su catálogo, como “Old Enough”, “Top Yourself” o “Carolina Drama”, donde los factores acústicos del country son incorporados a la manera en que la banda ya acostumbraba a operar. Todo eso, gracias a la unión de Benson y White, donde se encuentran dos mundos completamente diferentes, permitiendo que la banda diera sus primeros indicios hacia el rock más clásico tipo Led Zeppelin o The Who, algunas de las principales comparaciones que se hicieron al momento de que publicaran su segundo trabajo, el que vino acompañado de un silencio discográfico que se prolongó por poco más de una década.

Help Us Stranger

En algún punto de ese período comenzó a gestarse el regreso triunfal con “Help Us Stranger”, álbum que los traerá por primera vez a Sudamérica y donde la banda toma riesgos para beneficiarse de un sonido mucho más maduro y estructurado, recordando mucho al rock de estadios que desarrollaron durante la década del 90 bandas como Guns N’ Roses o The Rolling Stones, utilizando muchas estrategias, como la combinación de guitarras acústicas con eléctricas, coros de doble voz y un teclado cada vez más prominente no sólo en este trabajo, sino que también en el resto del repertorio. Dichas canciones tienen una ventaja particular a la hora de enfrentarse al show en vivo, y esa es que la banda entiende muy bien cómo adaptar la música a diferentes contextos, cambiando los tempos, incorporando pasajes de improvisación o simplemente modificando la forma en que estas son interpretadas.

Ya con tres álbumes a su haber, The Raconteurs parece finalmente haber encontrado su norte en el rock que pretende hacer. Y no es que hayan tardado toda su carrera en concretar algo como esto, sino más bien es un reflejo de la madurez sonora que la banda fue adoptando cada vez mejor a medida que sus otros proyectos le tomaban el tiempo entre un álbum y otro. Muchas veces se ha debatido de si Jack White es un innovador o simplemente reinterpreta estilos, lo cierto es que tiene mucho de ambos, por lo cual no se le debe quitar méritos cuando se analiza su obra. Eso sí, cuando hablamos del cuarteto (o quinteto en vivo, si se considera a Dean Fertita dentro de la alineación), nos damos cuenta de inmediato que son cuatro fuerzas que, más que opacarse entre ellas, se combinan a la perfección para conformar un combo imparable, el que de seguro derribará Coliseo Santiago cuando la banda repase estas tres importantes obras en el mes de noviembre.

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