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Dead Can Dance: La unificación de los estilos

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Sería imperdonable pasar por alto la decisión de los australianos de Dead Can Dance de cerrar su gira mundial 2012-2013 “Anastasis World Tour” en nuestro país, no sólo porque los fanáticos chilenos tendrán la oportunidad de ver por tercera vez en menos de ocho meses al dúo conformado por Lisa Gerrard y Brendan Perry, sino porque ratifica a Chile como una de las plazas más atractivas a nivel mundial para albergar shows masivos. La velada del próximo 13 de julio en el Movistar Arena promete ser diferente a sus anteriores dos presentaciones, en Monticello Grand Casino y Espacio Riesco. respectivamente, tanto por las sorpresas que tendrá el setlist en relación a lo que han venido mostrando desde el inicio del tour en agosto de 2012, como la nostalgia y misticismo que involucra cerrar la gira que significó el regreso a los escenarios tras una pausa de casi siete años sin presentarse en vivo.

Estamos buscando algo para descubrir el proceso de creatividad, de traer cosas inanimadas a la vida, de manera que estas se expresen”. (Lisa Gerrard)

DEAD CAN DANCE 2012 03El antecedente más inmediato que tenemos del trabajo de Dead Can Dance es su más reciente producción, “Anastasis” (2012), sin embargo, para llegar a entender la envergadura y majestuosidad de su legado, debemos retroceder más de tres décadas hasta sus orígenes, con la difícil misión desmenuzar sus influencias y comprender el combustible inspirador de uno de los proyectos más camaleónicos en la historia de la música, que ostenta el gran mérito de haber triunfado en un área en que muchos otros han fracasado, la capacidad de hacer convivir en perfecta armonía sonidos clásicos con elementos modernos, potenciándolos mutuamente en una amalgama de texturas y matices sin precedentes.

El origen del nombre

Quizás lo primero que debemos tratar de descifrar antes de hablar de Dead Can Dance, es el origen y significado de su nombre, el que según declaraciones de Gerrard y Perry nace de un extenso proceso de meditación, ante la necesidad de inyectar nueva vida a música e instrumentos que podían ser considerados como muertos y obsoletos. Es precisamente esta interpretación la que justifica la utilización de toda una gama de elementos musicales, que van desde los más comunes, como lo son la guitarra, los teclados, la percusión y los sintetizadores, hasta otros de matices mucho más clásicos, como la gaita, el violín, el violonchelo, la tuba, el yang-chin o el hurdy-gurdy.

Busqué un nombre que fuera descriptivo al acto creativo. Analizar el proceso de creatividad era traer las cosas a la vida”. (Brendan Perry, entrevista a Option Magazine, 1987)

Pero no son sólo los instrumentos para hacer música que utiliza Dead Can Dance los que evidencian su interés por revivir corrientes ya desaparecidas, sino también las influencias que impregnan su lírica, trayendo de vuelta las obras del poeta francés Charles Baudelaire, así como también del dramaturgo alemán Bertolt Brecht y el poeta español Luis de Góngora y Argote. Por todo lo anterior, no es de extrañarse que el estilo de los oriundos de Melbourne sea complejo de encasillar y/o etiquetar, transitando a través de los más disimiles géneros, tales como new age, punk, gótico, música litúrgica y cantos gregorianos, sólo por nombrar algunos, todos ellos con marcadas influencias hindúes, árabes, celtas y teutónicas.

Punto de Inflexión

En 1993, en paralelo al lanzamiento de su sexto álbum de estudio, “Into The Labyrinth”, se produce un importante punto de inflexión en la prometedora carrera de Dead Can Dance, cuando comienzan a aparecer los primeros roces creativos entre Lisa Gerrard y Brendan Perry, diferencias que se basaban en la incompatibilidad de opiniones respecto al trabajo futuro de la banda, con dos visiones DEAD CAN DANCE 2012 02evidentemente opuestas, en donde la vocalista apuntaba a trabajar sobre un estilo fundamentado en arreglos orquestales, mientras que el guitarrista mostraba una inclinación más cercana al sonido del teclado y los sintetizadores. Lo que en su comienzo eran leves discrepancias, se fueron incrementando con el paso de los años, lo que incluso los llevó a vivir en diferentes países, reuniéndose sólo para las sesiones de grabación. Perry se trasladó a la frontera entre Irlanda del Norte y Eire, a una vieja iglesia llamada Quivy Church, mientras que Gerrard regresó a Australia.

A pesar de las diferencias, en los años siguientes Dead Can Dance editó dos nuevos álbumes, “Toward The Within” (1994), primer registro en vivo, y “Spiritchaser” (1996), disco que el dúo nunca llegó a interpretar en conjunto. En 1998 se confirmó lo que a esa altura era insostenible: tras diecisiete años de exitosa trayectoria, la banda confirmó su disolución, cerrando una puerta que en ese momento se veía muy difícil que se volviese a abrir.

No lo sé; no hay razón para no estar juntos de nuevo, pero no lo cuestiono. La distancia no es el conflicto, pero la gente cambia. No he tenido información o las razones de no trabajar juntos”. (Lisa Gerrard sobre la separación de Dead Can Dance)

Tal como lo dijo Brendan Perry tras el distanciamiento, si existe algo positivo en la disolución de Dead Can Dance fue el renacer de los elementos por separado, en una suerte de liberación y apertura de un nuevo capítulo en la historia del dúo, sobre todo en el caso de Lisa Gerrard, que pudo dar rienda suelta a toda su capacidad creativa y retomar una carrera solista que había comenzando con la edición del álbum “The Mirror Pool” (1995), y que posteriormente complementarían “The Silver Tree” (2006) y “The Black Opal” (2009), además de una extensa lista de colaboraciones en bandas sonoras para cine. Por su parte, Perry también se mantuvo ocupado, editando los discos “Eye Of The Hunter” (1999) y “Ark” (2010).

DEAD CAN DANCE 2012 01Los nativos de Melbourne se reunieron brevemente en 2005 para realizar una gira mundial y lanzar el álbum compilatorio “Memento”, en un reencuentro que tuvo el carácter de pasajero y que auguraba una suerte de despedida definitiva, sin embargo, para fortuna de los fanáticos más acérrimos de la banda, el proyecto Dead Can Dance todavía tenía un par de líneas por escribir en su exitosa historia y es así como el 12 de mayo de 2011, en la Web oficial de Brendan Perry, se anunciaba la edición de un nuevo trabajo de estudio, acompañado por una extensa gira de promoción que los trajo a Chile a fines de 2012, en dos memorables shows que destacaron por su impecable factura técnica y la estrecha conexión que se generó entre el público nacional y los australianos. No cabe duda que los seguidores que ya vivieron la sensible experiencia de ser parte del espectáculo que propone Dead Can Dance se repetirán el plato el próximo 13 de julio en Movistar Arena, y los que aún no han sido bendecidos con esta instancia, tendrán una nueva oportunidad de ser testigos privilegiados de una verdadera exposición de talento y maestría musical.

Por Gustavo Inzunza

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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