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Artista Lollapalooza 2014: Vampire Weekend

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El rock-pop casi siempre ha ido de la mano de la contingencia de cada época y país, en donde van paralelamente como un canto de la gente hacia el empoderamiento y las injusticias, convirtiéndose en los interlocutores de la juventud y, a veces, de movimientos urbanos gigantescos que tengan algo que decir.

VAMPIRE WEEKEND 02Aún así, también han existido épocas en la música donde sus autores no han sido precisamente profundos, privilegiando la instrumentalización por sobre las letras, lo que de igual forma les ha valido fama y seguidores, aunque con la mirada desconfiada de quienes critican la falta de contenido, lo que siempre será un valorado. Quizás por lo mismo es que en la segunda mitad de la década pasada comenzaron a aparecer decenas de bandas que sólo querían hacer bailar a la gente, sin necesariamente ser una banda del pop más comercial, como pasó con Franz Ferdinand y su bullada declaración de principios, donde pedía que aceptaran el hecho de que sólo querían que “las chicas se divirtieran bailando”, cosa que pudo haber sido de doble filo para toda esta camada de músicos indie –con todas las subdivisiones de géneros posibles-, donde varios vieron a estos veinteañeros sólo como una mala etapa para la música de corte más alternativo.

Y de esta historia también es parte Vampire Weekend, que en 2008 salieron a la luz pública con uno de los discos más bailables y politimbrísticos a la vez, con un frontman como Ezra Koenig, que hace gala de ese estilo casi afroamericano para impostar su voz, y con una banda tras él que demuestra una y otra vez que con acelerados ritmos también se puede hacer música seria, donde las letras hablan de historias mundanas, amor y vivencias algo adolescentes, que hicieron de aquel debut homónimo uno de los discos favoritos de 2008 para cualquier fiesta y para la crítica, y que nos dejaron escuchando a cada rato “A-Punk”.

Vampire WeekendSin embargo, lo que venía era más difícil aún, ya que una banda como Vampire Weekend es como la rubia tonta de la clase que debe demostrar que no es sólo una cara bonita, y de esto se hizo cargo el impulsivo Rostam Batmanglij, tecladista de la agrupación que desde un comienzo se ha hecho cargo de la producción de la música de la banda, y que de a poco se ha convertido en uno de los hombres importantes de la escena indie de Estados Unidos. Batmanglij ha usado sus dotes de multiintrumentista para crear un sonido alegre, con distintos matices y siempre sacando el mejor provecho de los sintetizadores, añadiendo distintos adornos, y que también se le ha adjudicado más del 50 por ciento de la composición de la música de su agrupación, donde ha logrado una más que decente evolución de su sonido.

Si bien la dupla creativa es Koenig-Batmanglij, la producción de los dos primeros discos de la banda descansa sólo en los hombros del segundo. Rostam y sus habilidades en la producción hicieron llevar el sonido de Vampire Weekend siempre arriba en cuanto a críticas, partiendo desde lo acelerado del indie más cercano a un sonido new wave con tintes de world music, pasando por sonidos ska polirítmicos, y llegando hasta la conjunción de “Modern Vampire Of The City”, donde Batmanglij decidió esta vez compartir los créditos junto a Ariel Rechtshaid, famoso ingeniero y productor que trabajó con nombres tan distintos a Vampire Weekend como Justin Bieber o Usher, y otros un poco mas cercanos como Haim, Cass McComb o We Are Scientist.

VAMPIRE WEEKEND 03Con Rechtshaid lograron llevar el sonido a un sitial donde se obtiene perfecta armonía entre una banda electro acústica y los sampleos de Batmanglij que, a cada disco que pasa, parecieran estar más arriba, pero siempre en paralelo con las guitarras y agregados como el piano y los arreglos de cuerdas de “Hanna Hunt” o “Everlasting Arms”, lo que logró que finalmente pudieran sacar lo mejor de los dos álbumes anteriores (“Vampire Weekend” de 2008 y “Contra” de 2010), y coronarlo con letras más profundas y sonidos más oscuros, lo que llevaron a “Modern Vampire Of The City” a convertirse en uno de los discos más importantes de 2013, obteniendo el N°1 en Pitchfork y en Rolling Stone, el Grammy a Mejor Disco Alternativo, y el quinto en nuestro recuento de Mejores Discos 2013.

Vampire Weekend llega a Chile como unas de las bandas del momento, y aunque esto se lo han ganando íntegramente por su sonido en el estudio, queda mucho por ver en vivo de esta trilogía de discos donde Ezra Koenig ha reconocido que se trata de una unidad sonora, y aunque así lo sea, creemos que la perspectiva de los años le dará un valor agregado a la trilogía, aunque hoy por hoy es más que suficiente para decir y reconocer que Vampire Weekend es más que la niña bonita de la clase.

Por Pamela Cortés

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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