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Artista Lollapalooza 2014: Soundgarden

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No cabe ninguna duda que, dentro de los mayores exponentes del sonido grunge, Soundgarden ocupa un lugar de privilegio, no sólo por ser unos de los precursores del género, sino por su inmensurable legado musical, el que ha sido capaz de trascender varias generaciones, catapultándolos como una de las bandas imprescindibles en el catálogo de cualquier melómano. Sus inicios datan de 1982, en la icónica ciudad de Seattle, cuando el talentoso y carismático Chris Cornell se reúne con el bajista Hiro Yamamoto y el guitarrista Kim Thayil para dar vida al proyecto “The Shemps”, agrupación que serviría SOUNDGARDEN 01de cimiento para lo que posteriormente sería Soundgarden, cuyo nombre está inspirado en una escultura eólica tubular situada en las instalaciones del National Oceanic And Atmospheric Administration (NOAA) de Seattle, Washington, creada por el artista Doug Hollis y que está conformada por una serie de tubos de metal huecos, que emiten diferentes sonidos según la dirección e intensidad del viento.

 

Nuestros primeros conciertos eran desastrosos; los promotores no nos conocían. Un día nos hicieron actuar después de un grupo de salsa. En cuanto nos vieron aparecer, todo el mundo se fue”. (Chris Cornell)

En la primera etapa de la agrupación, Chris Cornell realizaba una doble función, asumiendo los disimiles roles de baterista y vocalista, en base a lo cual la banda optó por reclutar a un nuevo integrante que se hiciera cargo de las baquetas, y es así como surge el nombre de Scott Sundquist, quien permanecería en Soundgarden hasta 1986 cuando sería reemplazado por el talentoso baterista de Skin Yard, Matt Cameron. Gracias al apoyo del sello discográfico independiente Sub Pop, propiedad de Bruce Pavitt, la banda pudo editar sus primeros dos EP’s, “Screaming Life” (1987) y “Fopp” (1988), los cuales sirvieron de carta de presentación y les dio el impulso necesario para posicionarse en la primera línea de la corriente grunge en Seattle. Habiendo concretado sus primeros pasos, sólo fue cuestión de tiempo para que dieran el gran salto a su álbum debut, “Ultramega OK” (1988), trabajo que cumplió con gran parte de las expectativas trazadas por los incipientes fanáticos, y que ya presagiaba una trayectoria plagada de éxitos. Soundgarden no se durmió en los laureles y rápidamente se puso a trabajar en nuevo material, el que se concretaría bajo el alero de la ER1001_SOUNDGARDENmultinacional A&M Records, bajo el nombre de “Louder Than Love” (1989). Este disco sería muy bien recibido por la crítica, siendo su primera placa en entrar a la lista Billboard. Sin embargo, no todo sería positivo, ya que comienzan algunos problemas internos que repercutirían en la salida de Hiro Yamamoto.

El puesto de bajista sería suplido brevemente por el intrascendente Jason Everman, para posteriormente tomarlo el que a la postre se convertiría en miembro definitivo de Soundgarden, Ben Shepherd. Con esta nueva alineación y las energías renovadas, editan el que para muchos fanáticos es el mejor álbum de la banda, “Badmotorfinger” (1991), un trabajo perfectamente bien estructurado, compuesto por 12 gemas de increíble factura técnica y una notable maduración musical. Ya con la pesada mochila de esta obra maestra a cuestas, se vieron enfrentados a la compleja misión de ratificar todos sus pergaminos, y es así como surge su segunda placa esencial, “Superunknown” (1994), dejando más que claro que su consagración ya era una realidad, alzándose como una de las bandas esenciales de la movida grunge junto a Nirvana y Pearl Jam. Dos años después la banda vuelve al estudio para lanzar su quinto álbum, “Down On The Upside” (1996), trabajo producido por ellos mismos que, a pesar de tener muy buenos cortes, no logró el éxito de sus predecesores, fenómeno que en cierta forma marcó el declive del género. Durante la gira de promoción de este trabajo, comenzaron a surgir algunos problemas en la interna de Soundgarden, diferencias que se hicieron cada vez más irreconciliables y que, en un corto período, llevaron a un drástico desenlace: la disolución de la banda en abril de 1997.

Es difícil dar una explicación sobre eso. Supongo que creyeron que ya había transcurrido el tiempo suficiente, que se había hecho todo. Así que cada uno decidió ir por su cuenta, sin rencores. Aún somos muy buenos amigos y nos vemos de vez en cuando”. (Ben Shepherd)

SOUNDGARDEN 03Cada una de las piezas que dejó Soundgarden tomó caminos separados. Kim Thayil y Ben Shepherd optaron por alejarse de los escenarios y no incorporarse a nuevos proyectos de forma definitiva, mientras que Matt Cameron mantuvo su estatus de rockstar al unirse a la alineación titular de Pearl Jam. Chris Cornell, por su parte, potenció su carrera solista, la que dio frutos rápidamente con el disco “Euphoria Morning” (1999). Más adelante el vocalista volvería a trabajar en equipo, juntándose con los instrumentistas de Rage Against The Machine para dar vida al proyecto Audioslave, el que tendría una acotada vida de seis años, durante los cuales editaron tres álbumes de estudio que fueron bien recibidos por la crítica especializada. En 2010, tras dos poco exitosos trabajos en solitario, “Carry On” (2007) y “Scream” (2009), se concreta una de las noticias más esperadas por los fanáticos del grunge, Cornell anuncia la reunión de Soundgarden tras trece años de alejamiento, lo que se suma al lanzamiento de la placa recopilatoria “Telephantasm” (2010). El retorno definitivo lo establece la edición de su sexto larga duración “King Animal” (2012), trabajo que los lleva de vuelta a los escenarios más importantes del orbe.

Tuvieron que pasar más de tres décadas para que una de las bandas emblemáticas de la movida grunge llegara a nuestro país. Toda una generación de fanáticos que en 1997 vieron con nostalgia como se diluían las posibilidades de tener a Soundgarden pisando territorio nacional, tendrán una nueva oportunidad de ver en vivo a Chris Cornell y compañía, cuando cierren la cuarta versión del Festival Lollapalooza Chile. Como adelanto de lo que será el show de los nativos de Seattle el próximo 30 de Marzo, los dejamos con parte de lo que fue su presentación en Lollapalooza 1992.

Por Gustavo Inzunza

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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