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Artista Lollapalooza 2014: New Order

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Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris fueron sobrevivientes a la tragedia de Joy Division, cuando su líder, vocalista y poeta, Ian Curtis, se quitaba la vida en su casa de Maccesfield, Inglaterra. La opción del trío restante era morir, alimentar el mito o volver al ruedo, ya que era claro que tenían grandes opciones de seguir avanzando en la música de comienzos de los 80’s, lo que generó que sólo meses después del fallecimiento de Curtis, el resto de la banda volvería a tocar, esta vez bajo el nombre de New Order.

NEW ORDER 01Saltándonos más de treinta años en la historia, hoy vemos a New Order como una de las bandas más importantes en varios de los sub géneros de la electrónica, quedando como una de las grandes influencias en el pop electrónico que empezó a escalar después del año 2000, impulsores de la fusión entre la alineación estándar de las agrupaciones musicales y los sonidos de los sintetizadores, pero si buscamos el clímax de la carrera de esta banda de Manchester (donde en 1981 también se les uniría la tecladista Gillian Gilbert), podríamos decir entonces que existe un antes y un después desde la edición de “Blue Monday”, quizás una de las canciones más importantes de la música electrónica de las últimas tres décadas.

“Blue Monday” se grabó independientemente en 1982, con una duración de 7 minutos y 29 segundos, y fue lanzado el 7 de marzo de 1983, convirtiéndose rápidamente en un éxito de los clubes donde el new wave y el synth pop eran los ritmos bailados y que, pese a su extensa duración, no paraba de sonar en todos lados. Tal fue el éxito de “Blue Monday”, que no sólo se requirieron varias versiones y radio edits, sino que también ha sido editado en varios discos y compilaciones como “Power, Corruption & Lies” (1983), “Substance” (1987), “The Best Of New Order” (1994), “Singles” (2005), entre otros. También fue re-editado como single en vinilo de 12’’ desde 1982 hasta 1995, teniendo en cada edición distintos lados B que los acompañan, como “Beach Buggy”, “Thieves Like Us” y “The Beach”.

NEW ORDER 02Mientras comenzaban la pre-producción de “Blue Monday”, Sumner notó que necesitaba más que la tecnología actual para dar con los sonidos que necesitaba, por lo que la banda contrató a un ingeniero para que construyera sus propios instrumentos secuenciadores, lo que los dejó un paso adelante del resto de las bandas. Según sus propios integrantes, compusieron “Blue Monday” acercándose lo más posible a los artistas que los influenciaron, como Donna Summer y Kraftwerk, y Peter Hook ha asegurado que se inspiró en una pieza de Ennio Morricone para dar vida a la línea del bajo.

Hasta el presente, Blue Monday ha sido el single 12’’ más vendido de la historia, con más de un millón de copias sólo en Inglaterra, y aunque esto podría haberles significado mucho dinero para la banda, pasó exactamente lo contrario, debido a un pequeño detalle que no tenían considerado: el envoltorio del vinilo, el cual originalmente tenía forma de diskette con tal de simbolizar la tecnología naciente, por los cortes extras que necesitaba cada sobre, finalmente la mayoría del dinero de la primera edición se fue directamente al pago íntegro del “packaging”, aunque en ediciones posteriores sólo usaron envoltorio estándar con distintos diseños de pintura.

NEW ORDER 03Existen varias versiones en video de “Blue Monday”, entre ellas la primera que consta de dibujos e imágenes en negativo, la segunda –y más famosa- es la de 1988, donde sale la icónica imagen de un perro de nombre Fay Ray, aunque también es bastante famosa la versión de la BBC en 1984, en vivo y con todos sus integrantes en pijama.

“Blue Monday” ha sido reversionada por Orgy, Empusa y Nouvelle Vague entre varios más. Y más recientemente, en el año 2001, Kylie Minogue aprovechó la fama de su canción “Can’t Get Out Of My Head” para un remix de la misma con la introducción de “Blue Monday”, presentando el mismo remix en los Brit Awards de 2002. New Order cerrará el escenario Play Station de Lollapalooza Chile, el domingo 30 de marzo a las 21:30 horas.

Por Pamela Cortés

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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