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Artista Lollapalooza 2014: Arcade Fire

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Si hace poco más de cuatro años te decían que Arcade Fire vendría a Chile a encabezar un Lollapalooza, sin dudas que te hubieran mandado al manicomio. La historia detrás de la venida de los canadienses a Chile es vertiginosa y llena de atajos, lo que también tiene que ver con el estatus de figuras magnánimas que alcanzaron sus miembros en pocos años, y es este proceso, que no tomó más de una década, el que vale la pena entender desde diferentes aristas.

Espíritu de Big Band

ARCADE FIRE 01El impacto de Arcade Fire vino siempre desde su estructura, sin temor al exceso, como lo hace Bruce Springsteen o Chic, o cualquier grupo al estilo Kool & The Gang. Configurar una banda de gran cantidad de músicos, que doten al espectáculo de más matices sonoros y, por cierto, de mayores posibilidades de reproducir con total fidelidad lo que aparece en discos complejos en su producción.

Desde ser una banda de siete miembros, ahora AF invita a otros músicos para reforzar percusiones, teclados y cuerdas, logrando un sonido que en vivo es abrumador, barroco y que, mezclado con puestas en escena ambiciosas y llenas de pirotecnia sencilla pero muy efectiva, arman experiencias imponentes para los asistentes a sus shows, en especial con su última gira donde usan dos escenarios, un techo con espejos, varias pantallas y más.

Un Funeral lleno de vida

ARCADE FIRE 02El primer disco de Arcade Fire fue un fenómeno en círculos especializados, generando no sólo críticas transversalmente favorables, sino que también denotando una identidad clara y única. Antes, en 2003, Arcade Fire sacó un EP homónimo, pero con “Funeral” (2004) fue que el mundo conoció a Win y Will Butler, Regine Chassagne, Jeremy Gara, Sarah Neufeld, y los demás. El tema es que no los conocieron con una sonrisa, sino que con el duelo que involucró a la banda en el proceso de grabación del disco, que coincidió con la muerte de un abuelo de los Butler, Alvino Rey, y que motivó a AF a grabar “Funeral” en una iglesia, con una acústica que sobrecogía a quienes lo escuchaban por primera vez, mientras que el resto ya lo usaba en pos de recrear tal experiencia.

Uno de los debuts más potentes de la década pasada que instaló con desparpajo a una banda que todavía era tímida, pero que de a poco, a punta de pasos de gigante, encontraría su lugar. Aunque eso involucrara cambiar de piel en varias ocasiones.

Cambiar con cada disco

En vez de irse por el mismo camino de “Funeral”, AF decidió seguir experimentando y caer en sonidos aún más oscuros en “Neon Bible” (2007), y también pasó lo mismo con “The Suburbs” (2010) y, por supuesto, en “Reflektor” (2013), porque una clave de la banda encabezada por Win y Regine es no quedarse pegados en un tipo de sonido y en un mismo concepto. Así, ganar público era cosa de ARCADE FIRE 03tiempo. Total, a los críticos ya se los habían ganado con su debut.

Aún así, “Neon Bible” es un disco más desafiante, directo, oscuro como pocos y lleno de referencias a la fe y la espiritualidad. En medio de un álbum así, las referencias sonoras a Neil Young o Bruce Springsteen se hacían cada vez más evidentes, no en forma, sino que en fondo, en el hilado de las canciones. También, en el sentido de pertenencia a algo, a una familia, a un territorio. Por eso a tantos les generó esa sensación de que Arcade Fire era su banda.

Una ambición gigante

Pero no se puede formar un ejército de seguidores sin un disco que se visibilice ante todos, y eso fue “The Suburbs”, que generó un interés inusitado para una banda indie en la previa de su lanzamiento, que cuando salió decepcionó a varios que veían en Arcade Fire a una banda infalible, y que trató de abarcar mucho y apretó poco, pero que tuvo en este álbum varios singles ganadores. O sea, puede ser que el objetivo conceptual no haya sido totalmente logrado, pero es esa ambición y necesidad de empujar las fronteras de su sonido un poco más allá la que, en vez de cerrarle puertas, se las abrió de par en par a AF en una industria que necesitaba una forma de revitalizarse y generar confianzas en un público que continuamente ha cambiado sus hábitos de consumo.

El espaldarazo de la industria

ARCADE FIRE 04Ante un escenario donde las grandes disqueras no son el camino, la academia de los Grammy probablemente vio en AF un aliado en la complicada tarea de despercudir las estrategias de marketing de la industria discográfica. Su triunfo a Álbum Del Año en los Grammy de 2011 por “The Suburbs”, anunciado por Barbra Streisand y rematado con la banda tocando en el cierre de la ceremonia, sin dudas es un símbolo fuerte de hacia dónde apunta la industria, con una mezcla entre el espíritu y sonido más independiente del trabajo para públicos de nicho, con la estética y maquinaria logística del marketing de la banda más comercial. Un espaldarazo que les permitió trabajar con tranquilidad en su siguiente paso, sin temor de continuar su crecimiento.

El reflejo del reflejo

“Reflektor” fue uno de los trabajos más esperados del año pasado. Su campaña publicitaria fue de las más comentadas y cada paso dado por la banda fue seguido con suprema atención. Que James Murphy (DFA, LCD Soundsystem) producía el disco. Que David Bowie colaboró con ellos. Que sacarían dos videos para su nuevo sencillo. Que todo esto era cierto. Que Anton Chejov dirigió el video oficial. Que sacaron un video interactivo que rescataba la cultura haitiana, hogar de los padres de Regine. “It’s a reflection, of a reflection”. Bowie fue derivado a ser el chico de las segundas voces del intermedio. Nada más. Y es que el reflejo de un reflejo, en el caso de Arcade Fire, es convertirse en una de las bandas que lidera y cierra festivales en todo el mundo (y que inexplicablemente no cierra nuestro Lollapalooza) y que viene en su mejor momento, en ascenso, todos los clichés se que quiera, pero que, en este caso y dado el barroquismo de AF, sin duda corresponden en una descripción genuina.

Por Manuel Toledo-Campos

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2 Comentarios

2 Comments

  1. joaon lola

    02-Abr-2014 en 11:26 am

    “…y que inexplicablemente no cierra nuestro Lollapalooza”
    no lo cierra porque hay bandas mejores que cerraron

  2. Ignacio nas

    02-Abr-2014 en 6:48 pm

    mm en realidad tocaron mejor que los rhcp asi que podrian cerrar lollapalooza

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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