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Artista Lollapalooza 2014: Arcade Fire

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Si hace poco más de cuatro años te decían que Arcade Fire vendría a Chile a encabezar un Lollapalooza, sin dudas que te hubieran mandado al manicomio. La historia detrás de la venida de los canadienses a Chile es vertiginosa y llena de atajos, lo que también tiene que ver con el estatus de figuras magnánimas que alcanzaron sus miembros en pocos años, y es este proceso, que no tomó más de una década, el que vale la pena entender desde diferentes aristas.

Espíritu de Big Band

ARCADE FIRE 01El impacto de Arcade Fire vino siempre desde su estructura, sin temor al exceso, como lo hace Bruce Springsteen o Chic, o cualquier grupo al estilo Kool & The Gang. Configurar una banda de gran cantidad de músicos, que doten al espectáculo de más matices sonoros y, por cierto, de mayores posibilidades de reproducir con total fidelidad lo que aparece en discos complejos en su producción.

Desde ser una banda de siete miembros, ahora AF invita a otros músicos para reforzar percusiones, teclados y cuerdas, logrando un sonido que en vivo es abrumador, barroco y que, mezclado con puestas en escena ambiciosas y llenas de pirotecnia sencilla pero muy efectiva, arman experiencias imponentes para los asistentes a sus shows, en especial con su última gira donde usan dos escenarios, un techo con espejos, varias pantallas y más.

Un Funeral lleno de vida

ARCADE FIRE 02El primer disco de Arcade Fire fue un fenómeno en círculos especializados, generando no sólo críticas transversalmente favorables, sino que también denotando una identidad clara y única. Antes, en 2003, Arcade Fire sacó un EP homónimo, pero con “Funeral” (2004) fue que el mundo conoció a Win y Will Butler, Regine Chassagne, Jeremy Gara, Sarah Neufeld, y los demás. El tema es que no los conocieron con una sonrisa, sino que con el duelo que involucró a la banda en el proceso de grabación del disco, que coincidió con la muerte de un abuelo de los Butler, Alvino Rey, y que motivó a AF a grabar “Funeral” en una iglesia, con una acústica que sobrecogía a quienes lo escuchaban por primera vez, mientras que el resto ya lo usaba en pos de recrear tal experiencia.

Uno de los debuts más potentes de la década pasada que instaló con desparpajo a una banda que todavía era tímida, pero que de a poco, a punta de pasos de gigante, encontraría su lugar. Aunque eso involucrara cambiar de piel en varias ocasiones.

Cambiar con cada disco

En vez de irse por el mismo camino de “Funeral”, AF decidió seguir experimentando y caer en sonidos aún más oscuros en “Neon Bible” (2007), y también pasó lo mismo con “The Suburbs” (2010) y, por supuesto, en “Reflektor” (2013), porque una clave de la banda encabezada por Win y Regine es no quedarse pegados en un tipo de sonido y en un mismo concepto. Así, ganar público era cosa de ARCADE FIRE 03tiempo. Total, a los críticos ya se los habían ganado con su debut.

Aún así, “Neon Bible” es un disco más desafiante, directo, oscuro como pocos y lleno de referencias a la fe y la espiritualidad. En medio de un álbum así, las referencias sonoras a Neil Young o Bruce Springsteen se hacían cada vez más evidentes, no en forma, sino que en fondo, en el hilado de las canciones. También, en el sentido de pertenencia a algo, a una familia, a un territorio. Por eso a tantos les generó esa sensación de que Arcade Fire era su banda.

Una ambición gigante

Pero no se puede formar un ejército de seguidores sin un disco que se visibilice ante todos, y eso fue “The Suburbs”, que generó un interés inusitado para una banda indie en la previa de su lanzamiento, que cuando salió decepcionó a varios que veían en Arcade Fire a una banda infalible, y que trató de abarcar mucho y apretó poco, pero que tuvo en este álbum varios singles ganadores. O sea, puede ser que el objetivo conceptual no haya sido totalmente logrado, pero es esa ambición y necesidad de empujar las fronteras de su sonido un poco más allá la que, en vez de cerrarle puertas, se las abrió de par en par a AF en una industria que necesitaba una forma de revitalizarse y generar confianzas en un público que continuamente ha cambiado sus hábitos de consumo.

El espaldarazo de la industria

ARCADE FIRE 04Ante un escenario donde las grandes disqueras no son el camino, la academia de los Grammy probablemente vio en AF un aliado en la complicada tarea de despercudir las estrategias de marketing de la industria discográfica. Su triunfo a Álbum Del Año en los Grammy de 2011 por “The Suburbs”, anunciado por Barbra Streisand y rematado con la banda tocando en el cierre de la ceremonia, sin dudas es un símbolo fuerte de hacia dónde apunta la industria, con una mezcla entre el espíritu y sonido más independiente del trabajo para públicos de nicho, con la estética y maquinaria logística del marketing de la banda más comercial. Un espaldarazo que les permitió trabajar con tranquilidad en su siguiente paso, sin temor de continuar su crecimiento.

El reflejo del reflejo

“Reflektor” fue uno de los trabajos más esperados del año pasado. Su campaña publicitaria fue de las más comentadas y cada paso dado por la banda fue seguido con suprema atención. Que James Murphy (DFA, LCD Soundsystem) producía el disco. Que David Bowie colaboró con ellos. Que sacarían dos videos para su nuevo sencillo. Que todo esto era cierto. Que Anton Chejov dirigió el video oficial. Que sacaron un video interactivo que rescataba la cultura haitiana, hogar de los padres de Regine. “It’s a reflection, of a reflection”. Bowie fue derivado a ser el chico de las segundas voces del intermedio. Nada más. Y es que el reflejo de un reflejo, en el caso de Arcade Fire, es convertirse en una de las bandas que lidera y cierra festivales en todo el mundo (y que inexplicablemente no cierra nuestro Lollapalooza) y que viene en su mejor momento, en ascenso, todos los clichés se que quiera, pero que, en este caso y dado el barroquismo de AF, sin duda corresponden en una descripción genuina.

Por Manuel Toledo-Campos

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2 Comentarios

2 Comments

  1. joaon lola

    02-Abr-2014 en 11:26 am

    “…y que inexplicablemente no cierra nuestro Lollapalooza”
    no lo cierra porque hay bandas mejores que cerraron

  2. Ignacio nas

    02-Abr-2014 en 6:48 pm

    mm en realidad tocaron mejor que los rhcp asi que podrian cerrar lollapalooza

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Especial En Órbita 2017: Cigarettes After Sex

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Cigarettes After Sex

Un cenicero con los restos de cigarros recién apagados. Ventanas con las cortinas cerradas. Ropa interior en el suelo, en una silla, en medio de las sábanas o los cojines. ¿Solo o acompañado? ¿Luces prendidas o apagadas? ¿Imaginación, sueño o realidad palpable? Los ambientes que genera Cigarettes After Sex en sus canciones pintan imágenes complejas, ponen espejos al frente, y permiten la intermitencia entre brillantez y opacidad, porque el amor, el sexo, la soledad, y todo lo que esté entremedio, son puestos en la lupa sonora del cuarteto liderado por Greg Gonzalez.

Aunque con EP “I” (2012) habían tenido una notoriedad clara y su manera de ver al pop estaba de manifiesto, ciertamente había terminaciones que pulir y escenarios que iluminar más allá de lo teatral. En su álbum debut homónimo, salido en junio pasado, Cigarettes After Sex consigue salir de lo esquemático que podría ser su tipo de composición, y así las cosas fluyen. En vez de andar a tropiezos con las piezas de ropa que caen, todo puede ir un poco más lento, pero con más seguridad en los recursos y movidas a utilizar. En la habitación que se llena del sonido de los norteamericanos ya no es necesario tropezar al andar, porque cada movimiento tiene un impulso natural, entre un dreampop elegante y una manera oscura de plantar el ambient, entre una voz aterciopelada y bajos y ritmos profundos.

Quizás el rubro donde le falte cierta experiencia a la banda sea en las letras, que no consiguen la delicadeza que la interpretación en instrumentos y voz sugieren, pero también es parte del aprendizaje. Quizás son las palabras que se meten entre los cuerpos y que traban el correr de la sangre, que hielan las manos y convergen en la necesidad de seguir adelante, porque lo que consigue musicalmente Cigarettes After Sex no es sólo remitir a lo que ocurre en pareja, trío, o grupo de gente que se busca entre el amor, odio, lujuria y ausencia, sino que armar recuerdos que se puedan esconder en los beats de un bajo casi tan protagonista en la melodía como la voz de Greg, que entre tul y cuero sumerge las conciencias en historias sencillas, pero que conectan con el oyente.

Eso sí, lo concreto de las letras permite que haya un ancla en el mundo real. No se trata de un lugar de ensueño, donde el acto de tocar, besar, desear o amar quede restringido a acciones sin consecuencias. En las canciones de Cigarettes After Sex –y en especial en su LP homónimo– existen detalles concretos, corazones rotos (“Sweet”), ilusiones que se traducen en metáforas demasiado directas (“Opera House”) o la cotidianidad de una cama (“K”). No hay mucho que esconder cuando el olor a tabaco continúa en el dormitorio o cuando la brisa de la madrugada pega en los hombros, porque en medio de un ambiente idílico reside lo humano, a través del contacto físico y/o emocional.

A eso termina refiriendo la banda, entre un minimalismo elegante y sexy, a lo humano, a lo que puede errar, a lo que puede doler, y también a lo crudo e insensible (“Young & Dumb”), donde Gonzalez es capaz de culpar a su objeto de deseo de forma misógina por despecho, y aun así sonar como si pudiera convencer a cualquiera de seguirlo, a él y a sus palabras. El mundo de Cigarettes After Sex no es perfecto, se repleta de cenizas, ropa revuelta, olor a humo, a fluidos corporales, a alcohol, a ausencia, de dolores y palabras envueltas en rocas y cemento. El difícil terreno de lo carnal y lo ecléctico se funde en medio de imperfecciones que otorgan la calidez necesaria para que las canciones y los sonidos no se queden en axiomas vacíos, sino que realmente puedan generar una conexión significativa. Y en ese tipo de construcción narrativa y musical es que Cigarettes After Sex se ha vuelto una banda necesaria de escuchar y sentir. Bien adentro. Humanamente.

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