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Architects: El riesgo del cambio

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Convengamos que hoy, dado el panorama mundial, que una banda se dedique a la fusión hardcore-metal es un arma de doble filo, porque por una parte comprende un relativo éxito comercial, y su consiguiente difusión, pero por otra ve su estatus constantemente amenazado por las críticas implacables que denuncian el cansancio y la falta de ideas, que agrava el letargo en el que cayó este sub-género híbrido que explotó a comienzos de la década pasada. Durante ese auge, un grupo de adolescentes ingleses fundaron lo que hoy conocemos –luego de un par de cambios de nombre- como Architects, quienes con seis discos a cuestas (en apenas 11 años de existencia) han alcanzado ARCHITECTS 01un lugar de privilegio dentro del espectro, sobre todo gracias a la mixtura y nivel técnico de sus composiciones más tempranas. En la actualidad tal posición ha sido cuestionada, debido al rumbo musical que tomaron en la medianía de lo que llevan de carrera, donde se apartaron de manera drástica de los elementos que constituyeron su primera etapa y que les otorgó reconocimiento, favoreciendo un enfoque mucho más melódico y digerible, en contraste al eclecticismo de antaño.

Y es que su debut, “Nightmares” (2006), pronosticaba un futuro más que auspicioso, a través de una propuesta visceral que llenaba de matices muy diversos a la esencia hardcore que los unía como conjunto. Así, desarrollaron un estilo que además incluía atisbos de metal extremo y figuras complejas propias del jazz, lo que puso en evidencia la técnica que poseían a pesar de su corta edad, y tal rasgo los ubicó en el mapa cerca del trabajo que hacía por ese entonces The Dillinger Escape Plan, Converge o The Red Chord.

SAM CARTERCon ese respaldo a sus espaldas, tanto de la crítica como de los incipientes seguidores, tan sólo un año después editan su segundo larga duración, titulado “Ruin”, época en la que ocurren un par de modificaciones importantes para el destino de la agrupación, como lo fue el cambio de disquera y, principalmente, de frontman, saliendo Matt Johnson y entrando Sam Carter, quien introduce un rango vocal más amplio que su predecesor, al incluir voces limpias, hecho que más adelante resultará gravitante en el devenir de su arte.

El punto de inflexión en la historia de Architects comenzó a gestarse el año 2008, cuando ingresaron a las filas del sello Century Media (responsable de verdaderos monstruos de la escena extrema), para luego lanzar “Hollow Crown” al año siguiente y llevar sus creaciones un paso más allá en la experimentación que los caracteriza y diferencia de la mayoría de sus contemporáneos. Ellos consideran este lapso como una progresión natural de su música, anticipando lo que harían en los años venideros. En ese sentido identificamos un aumento exponencial en el uso de estructuras más armoniosas y sencillas de la mano de riffs muy pegadizos, así como de la inclusión de capas electrónicas o baterías programadas, que en conjunto proponen una dirección que se apartó de sus orígenes mathcore, para enfocarse en algo más parecido a lo que hacen sus amigos y compatriotas de Bring Me The Horizon.

ARCHITECTS 03Si bien fue recibido con reseñas favorables, este tercer LP sembró la duda entre muchos de los seguidores más acérrimos, algo que se concretó y ratificó de manera fatal para ellos dos años después, en la siguiente entrega llamada “The Here And Now” (2011), que en primera instancia pareciera pertenecer a otro artista, ya que no quedan rastros de esa ejecución violenta y técnica que plasmaron en las otras producciones, y en su reemplazo pusieron canciones genéricas y repetitivas, orientadas hacia un público distinto que disfruta y consume los productos asociados al denominado post-hardcore. En su momento, fue anunciado por ellos mismos como la obra definitiva que conjugaría todo lo hecho hasta ese punto, pero la verdad es que da la sensación de que después de la gran cuota de decepción que provocó este “aquí y ahora” en la gente –más que en la crítica, que de todas maneras los aprobó- remeció a los integrantes y los hizo cambiar de parecer respecto al camino que eligieron, propiciando una “vuelta a las raíces” a través de un apurado nuevo disco, “Daybreaker” (2012), que, si bien es un claro ejercicio que busca una arista filosa y violenta para externalizar su visión como lo hacían antes, esta vez no logra la aprobación de ninguna de las partes y, por el contrario, aleja aún más a quienes simpatizaron con su período 2006-2009.

ARCHITECTS 04Es muy probable que el panorama se haya oscurecido para Architects en ese entonces, lo que explicaría porqué para su más reciente registro, “Lost Forever // Lost Together” (2014), se tomaron un tiempo mayor al que estaban acostumbrados: la idea es recuperar al público original que perdieron, pero sin dejar de lado a la nueva camada de personas que sí están de acuerdo y gozan con esta nueva óptica, tarea que para cualquier banda que se encuentre en una situación parecida es bastante complicada. Es por esto que el trabajo recupera esa intención y potencia que poseían los antiguos trabajos, para combinarlos con estrofas melosas y épicas como himnos, que al final se constituyen como la creación más equilibrada del catálogo.

Sin duda que Architects son enemigos del estancamiento y están dispuestos a correr los riesgos que la implementación de cambios radicales implique en el desarrollo de su propuesta. Son temerarios e imprudentes, y no respetan las convenciones tradicionales de la escena hardcore o metal, o de la industria musical en general, aunque se arriesguen al seleccionar herramientas para tales efectos que tienen como motivación el mantenerse vigentes ante todo, cueste lo que cueste, sin sopesar las consecuencias que provoca este vertiginoso espiral.

Por Hans Oyarzún

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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