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Aerosmith: La última visita de los chicos malos

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Sin el afán de menospreciar al resto de la banda, hablar de Aerosmith es hablar de sus dos pilares fundamentales: Steven Tyler y Joe Perry, personajes que encarnan a la perfección el estereotipo de rockstar, y cuyas símiles personalidades han sido desde un principio la génesis de los constantes roces y discusiones de estos dos músicos. Los primeros años de vida de Aerosmith fueron particularmente fructíferos y cimentaron un éxito casi instantáneo, que los llevó a ser aclamados por AEROSMITH 01los medios especializados y captar la atención de miles de fanáticos alrededor del mundo. Los álbumes “Aerosmith” (1973), “Get Your Wings” (1974), “Toys In The Attic” (1975) y “Rocks” (1976) establecieron las directrices sonoras que el quinteto buscaba transmitir, con una fórmula que fue ganando cada vez más popularidad, pero que rápidamente los haría presa de la vorágine de una industria que no está pensada para los débiles e inexpertos.

Como tantas otras veces el axioma se cumplió a la perfección, la fama trajo consigo los excesos y las adicciones, en donde el alcohol y las drogas pasaron a formar parte fundamental en la dieta de cada uno de los miembros de Aerosmith; en el caso del frontman y el guitarrista llevando a otro nivel el consumo de sustancias ilícitas, principalmente de cocaína, que inhalaban a vista y paciencia de todo el mundo y en cantidades indiscriminadas. La utilización de droga durante las presentaciones se hizo una constante, ya no esperaban a terminar el show para irse a “celebrar” al camarín, sino que en los cambios de guitarra entre canciones Perry se escabullía detrás del escenario para aspirar un poco de polvo que siempre guardaba en un vaso, mientras el propio Tyler se cubría con una toalla para tratar de disimular el TYLER Y PERRYadictivo ritual. Otro efecto colateral de la fama que rápidamente comenzó a hacerse evidente, fue la lucha de egos entre las dos mentes creativas de la banda, con Joe Perry rehusándose a perder protagonismo y quedar a la sombra de un carismático Steven Tyler, mientras el vocalista no perdía oportunidad para convertirse en el centro de atención. Los constantes y cada vez más recurrentes encontrones de estas dos figuras, desembocaron en la salida del guitarrista en medio de la grabación del álbum “Night In The Ruts” (1979), el que debió ser completado con el apoyo del músico Jimmy Crespo.

Tras el duro golpe que significó la salida de Perry, Aerosmith vio drásticamente disminuida su popularidad y tuvo un par de años bastante opacos y tambaleantes, lanzando su séptimo álbum de estudio, “Rock In A Hard Place” (1982), que comercialmente no tuvo mucho éxito, y con presentaciones en vivo que demostraban una baja en la energía e intensidad de la agrupación. Por suerte para sus fanáticos, en 1984 Steven Tyler y Joe Perry comprendieron que esto de la música se trataba más de un negocio que de una relación de amistad, y decidieron dejar de lado los temas personales y hacer una tregua para volver a trabajar en conjunto, dando comienzo a una de las etapas más exitosas de la carrera de la agrupación, teniendo su punto inicial en la versión de “Walk This Way” realizada por Run DMC, y posteriormente con los súper ventas “Permanent Vacation” (1987), “Pump” (1989) y, tras un breve descanso, “Get A Grip” (1993). La década del noventa estuvo marcada por el cambio de casa discográfica y por la participación en la banda sonora de la película “Armageddon” (1998), con el éxito “I Don’t Want To Miss A Thing”, tema con el cual obtuvieron una nominación a los premios Oscar como mejor canción original.

AEROSMITH 02El Siglo XXI comenzó de la mejor manera para los nativos de Boston, con el lanzamiento de su exitoso decimotercer álbum de estudio, “Just Push Play” (2001), y su inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll. Posteriormente, Aerosmith se dio el gusto de volver a sus raíces y experimentar con los sonidos más cercanos al blues en la placa de versiones “Honkin’ On Bobo” (2004).

La última visita de Tyler y compañía a nuestro país se remonta a 2010, cuando en el marco de su gira “Cocked, Locked, Ready To Rock” se presentaron en la Elipse del Parque O’Higgins ante miles de eufóricos fanáticos que disfrutaron de principio a fin con un recorrido por los grandes éxitos de la banda. Han transcurrido más de seis años desde esa recordada presentación, y un nuevo álbum completa el catálogo de la agrupación, “Music From Another Dimension!” (2012), cuyos éxitos sin duda formarán parte del repertorio de Aerosmith cuando el próximo 2 de octubre retornen a nuestro territorio, para ofrecer en el Movistar Arena el que ha sido anunciado como su último show en Chile. En realidad no importa mucho cuál sea la excusa que se esgrima, ver a estas verdaderas leyendas del rock en vivo siempre será un panorama imperdible, y esta no será la excepción.

Por Gustavo Inzunza

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Las tres etapas de The Raconteurs

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Raconteurs

No debería ser tan adecuado catalogar a Jack White como el líder de The Raconteurs, pero sin duda él es su cara más visible. Más allá de eso, la banda ha forjado una imparable carrera desde 2005, transformándose en uno de los proyectos más interesantes del oriundo de Detroit, con tres álbumes de estudio hasta la fecha que sonarán fuerte el próximo 13 de noviembre cuando el conjunto llegue por primera vez a Chile con un concierto en Coliseo Santiago. Desde sus inicios hasta ahora, The Raconteurs ha ido quemando diferentes etapas, desde las exploradoras canciones de su primer LP, pasando por el rock más radial en el segundo, hasta derechamente las composiciones con carácter de stadium rock de su tercera placa. El proyecto es, sin duda, el punto de encuentro entre músicos que van adquiriendo experiencias por fuera en sus distintas entregas musicales, forjando en conjunto su sabiduría y carácter al encontrarse aquí reunidos.

Lo que surgió como una idea entre Jack White y Brendan Benson, se vio materializada en el primer disco de la banda, “Broken Boy Soldiers” (2006), con el dúo acompañándose de Jack Lawrence y Patrick Keeler para desarrollar un trabajo donde fueron explorando distintas veredas del rock, pasando por la psicodelia y el garage, entre otros estilos, lo que generó toda una novedad debido a la variada instrumentación, algo poco habitual para White en sus trabajos con The White Stripes hasta “Get Behind Me Satan” (2005), obra que sirvió como puntapié inicial para que el músico ampliara la paleta de instrumentos y estructuras que maneja en sus composiciones. Además de sencillos más conocidos como “Steady, As She Goes”, “Broken Boy Soldiers” o “Level”, este álbum cuenta con algunas gemas escondidas, como “Hands”, “Store Bought Bones” o “Blue Veins”, donde se demuestra lo bien que funciona cada pieza del conjunto cuando trabajan a paso firme, cómodos y totalmente cómplices de cada movimiento que se ejecuta.

Fue así como la banda incorporó más elementos del blues y un rock mucho más radial en “Consolers Of The Lonely” (2008), un trabajo que llegó de manera sorpresiva con un anuncio apenas la semana anterior a su lanzamiento. Con los ojos de la crítica ya sobre su figura, la banda mantuvo la vara en alto en términos de calidad compositiva, destacando el mega hit “Salute Your Solution” y otros pilares fundamentales de su catálogo, como “Old Enough”, “Top Yourself” o “Carolina Drama”, donde los factores acústicos del country son incorporados a la manera en que la banda ya acostumbraba a operar. Todo eso, gracias a la unión de Benson y White, donde se encuentran dos mundos completamente diferentes, permitiendo que la banda diera sus primeros indicios hacia el rock más clásico tipo Led Zeppelin o The Who, algunas de las principales comparaciones que se hicieron al momento de que publicaran su segundo trabajo, el que vino acompañado de un silencio discográfico que se prolongó por poco más de una década.

Help Us Stranger

En algún punto de ese período comenzó a gestarse el regreso triunfal con “Help Us Stranger”, álbum que los traerá por primera vez a Sudamérica y donde la banda toma riesgos para beneficiarse de un sonido mucho más maduro y estructurado, recordando mucho al rock de estadios que desarrollaron durante la década del 90 bandas como Guns N’ Roses o The Rolling Stones, utilizando muchas estrategias, como la combinación de guitarras acústicas con eléctricas, coros de doble voz y un teclado cada vez más prominente no sólo en este trabajo, sino que también en el resto del repertorio. Dichas canciones tienen una ventaja particular a la hora de enfrentarse al show en vivo, y esa es que la banda entiende muy bien cómo adaptar la música a diferentes contextos, cambiando los tempos, incorporando pasajes de improvisación o simplemente modificando la forma en que estas son interpretadas.

Ya con tres álbumes a su haber, The Raconteurs parece finalmente haber encontrado su norte en el rock que pretende hacer. Y no es que hayan tardado toda su carrera en concretar algo como esto, sino más bien es un reflejo de la madurez sonora que la banda fue adoptando cada vez mejor a medida que sus otros proyectos le tomaban el tiempo entre un álbum y otro. Muchas veces se ha debatido de si Jack White es un innovador o simplemente reinterpreta estilos, lo cierto es que tiene mucho de ambos, por lo cual no se le debe quitar méritos cuando se analiza su obra. Eso sí, cuando hablamos del cuarteto (o quinteto en vivo, si se considera a Dean Fertita dentro de la alineación), nos damos cuenta de inmediato que son cuatro fuerzas que, más que opacarse entre ellas, se combinan a la perfección para conformar un combo imparable, el que de seguro derribará Coliseo Santiago cuando la banda repase estas tres importantes obras en el mes de noviembre.

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