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Entrevistas

Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre: “La industria lo arruinó todo en la música”

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Nos estamos adentrando en una nueva edición de Fauna Primavera, festival que este año tiene un line up con muchos artistas que harán su debut en nuestro país. Uno de ellos es el músico norteamericano Anton Newcombe, quien traerá su proyecto de rock psicodélico The Brian Jonestown Massacre, banda que cuenta con muchos elogios por parte de la crítica gracias a su particular mezcla de estilos, que desfila por el folk, el shoegaze y el garage rock de los años 60. Desde su hogar en Berlin, Alemania, Anton se sentó al teléfono para platicar de manera irreverente e irónica de su pensamiento acerca de la escena musical, sus álbumes y su presentación en el festival, entre otras cosas, en una entrevista que puedes leer íntegramente a continuación:

Esta es tu primera vez en Chile. ¿Qué esperas del público aquí en Sudamérica?

Creo que todos irán para pasar un buen momento. Tengo entendido que allá son muy entusiastas. Para mí es importante porque, como hago música folk, no pretendo hacer divisiones, quiero que todos se diviertan. Sé que hay mucha gente que compra mis discos, pero también hay quienes los escuchan por internet, ya sabes, vivimos en un mundo diferente ahora. En cierto punto la gente se reúne, eso lo puedes notar por la naturaleza del festival, las bandas, no son necesariamente ídolos pop, así que los promotores quieren en cierta forma que las personas se mantengan unidas, casi como una cosa folk. El folk reúne a la gente, así que quiero que todos tengan un buen día y una buena noche porque es malditamente costoso. Es muy caro ir a un festival, mucha gente no puede asistir, por eso espero que los que vayan valoren el buen momento que pasaremos juntos. Nos tomó mucho poder llegar hasta allá, así que quiero que se diviertan.

Cuando empezaste la banda, ¿esperabas llegar a lugares tan lejanos con tu música?

La verdad, sí, pero si gustas puedo explicarte algunas cosas para que entiendas lo que siento. Cuando mis hermanos mayores y yo comenzamos a salir con amigos, si tocabas en lugares para 700 personas y todos conocían tu nombre, eso te hacía grande. Y de pronto había bandas de tres personas que ganaban algunos dólares tocando punk todo el año (risas). Ahí aparecieron bandas como Minutemen, o algunas del movimiento post-punk, y eso estaba bien. Yo nunca quise ser como Led Zeppelin o alguna de esas mierdas, sólo quería tocar música y que la gente conociera mis discos. Nunca quise ser The Beatles, ni pensar que eramos los mejores. Cuando apareció Nirvana, todos estaban tipo “oh por dios, ¡estos tontos venderán millones!”, así que todo se basaba en que las compañías recuperaran los millones que invertían promocionándote; si no vendías, entonces no les servías. Llevo tocando desde que tenía 11 años con mis amigos, nunca pensé en rendirme porque me encanta tocar música, mi objetivo es seguir haciendo esto por siempre, independiente de si venda millones o no.

Has mencionado que muchas veces los productores han intentado decirte cómo hacer las cosas, cómo cambiar tu sonido o cómo hacer tus discos, lo que generó críticas hacia la banda. ¿Cómo ha sido lidiar con todo ese tipo de comentarios?

Cuando empezamos era muy difícil porque todos querían decirte cómo hacer tu música, ellos estaban en plan de “ustedes serán los siguientes Nirvana”, “ustedes serán especiales”, “quiero el 50% de las ganancias”, “tenemos a un importante productor que quiere trabajar con ustedes”, “deberían hacer el disco de esta forma”, y todo ese tipo de cosas que nos hacían decir “¡Váyanse a la mierda!”, ya que sólo queríamos dar el ejemplo de que no necesitas permiso para hacer música, ya sabes, la puedes hacer en tu casa o donde sea, no importa, puedes volverte mejor frente a la gente. Creo que es muy importante que la gente entienda que puedes hacer un gran disco teniendo el espíritu, y luego lo mantienes por dos discos. Hay muchas bandas que se dejan llevar por lo que los productores les piden, en cambio nosotros hemos hecho todo por nuestra cuenta y aquí estamos. Han pasado como 30 putos años o algo así, y aún seguimos sacando discos. Es genial hacer “música honesta” en vez de seguir a la máquina; siempre luché contra la expectación y las presiones, ya que hay algunos discos buenos, pero no veo que uno suene mejor que el otro. Radiohead, por ejemplo, por un momento mantuvo una continuación, haciendo algo así como el volumen uno, dos, tres, cuatro de exactamente la misma cosa; son geniales, pero ese es el problema de grabar en Abbey Road: tienes que obedecer a estos tipos de los estudios. Pero si grabas con tus amigos y haces algo loco, pueden pasarlo mucho mejor, como en las sesiones de jazz.

Las cosas son muy diferentes a cuando empezaste en los noventas con The Brian Jonestown Massacre, ¿qué opinas de la escena musical en aquellos años?

Bueno, creo que la industria lo arruinó todo, así como Hollywood arruinó el cine ahora sólo haciendo malditas franquicias de superhéroes para venderte camisetas, tazones y todas esas basuras chinas que venden las tiendas. Aquí viene Thor, el dios vikingo, o un idiota que parece un transexual negro, a quien le importa (risas). Toda esta loca idea de la “máquina”, el maldito Mickey Mouse y todo lo demás, es algo que se repite. En aquellos años la industria pensaba que había más niños que hippies, había más “Generación X” que hippies, creían que esta generación era más numerosa que los hippies. Políticamente pudo cambiar todo, seguir la tradición de los 60 donde toda la gente se reunía: latinos, gente blanca, gente negra, todos escuchaban una inmensa cantidad de música, lo que permitía un desarrollo general de la sociedad. Ellos decidieron separarlo, pusieron todo en MTV y te dijeron “aquí está el heavy metal”, “aquí tienes hip hop”, “escucha esta música grunge”, “ahora apaga la televisión”, y lo siguen haciendo, siguen separando a la gente. Si escuchas la música de los 60, lo que oían nuestros abuelos en ese entonces, puede que te encuentres con The Beatles, puede que encuentres bossanova, motown, black music, etc., todo un arcoiris de estilos que la gente escuchaba en ese entonces, es por eso que para mí esa generación fue tan poderosa, todos estaban abiertos a diferentes ideas. Ahora si escuchas las radios internacionales no te encontrarás con eso, no escucharás estilos muy diferentes entre ellos. Si escuchas una radio norteamericana no te encontrarás con bandas de Sudamérica o Hungría, porque quizás ellas no se ajustan a los requerimientos de la industria. Al contrario, escuchas sólo “aquí está la nueva canción de Rihanna”, “esto es lo nuevo de Drake”, “aquí están las seis nuevas canciones producidas por Pharrell Williams”, y la mayoría es pura basura si me preguntas. No quiero desilusionar a nadie, pero el otro día estaba en una tienda comprando un juguete para mi hijo, nunca había oído a Taylor Swift antes, y sonó una canción llamada “Bad Blood” o algo así, y a la gente parecía no importarle. Bien, ese es el derecho a la música, pero cuando sonó yo miré a mi hijo y le dije “oh, no, sácame de aquí, ¡quiero terminar con mi vida, ahora!” (risas), y no es porque sea viejo, ya que lo soy, pero escucho música de todas partes del mundo y me parece una mala canción, muy muy mala.

Me gustaría hablar de los títulos que tienen tus álbumes, hay algunas referencias a The Beatles y The Rolling Stones. ¿De dónde tomas la inspiración para poner…

(Interrumpe) Mira, escucha esto: ¿qué es The Rolling Stones, en términos de referencia? “Rolling Stone”, es una referencia a una canción de Mudy Waters, así que ¿qué están haciendo ellos? Obviamente están haciendo referencia a alguien más, así que no me puedes decir “oh, tú estás haciéndole una referencia a ellos”, porque todos lo hacemos (risas).

Me estaba refiriendo al álbum “Their Satanic Majesties’ Second Request” (1996), ¿de dónde tomas la inspiración para nombrar ese disco?

Ah, sí, ahí le hice la referencia al disco “Their Satanic Majesties Request” (1967), pero ellos también lo tomaron de otro lado. Es un texto que aparece en los pasaportes británicos, sólo le cambiaron el “Britannic” por “Satanic”.

  • El pasaporte contiene la frase: “Her Britannic Majesty requests and requires…” (“Su majestad británica, solicita y requiere…”).

¿Qué hay de “Who Killed Sgt. Pepper” (2010), por qué lo nombraste así?

Es un poco obvio el porqué, siempre tomo algo de lo que me gusta y pienso diferente según el disco que esté haciendo. Soy muy creativo y de mente muy abierta, pero a la hora de hacer este disco me salí de la música más sesentera y quise explorar más con la batería, ritmos tipo Michael Jackson y todas esas canciones que la gente solía bailar en los clubes en los ochenta. Quería que nuestro baterista tocara los ritmos exactamente igual que esas canciones, que él tocara algo de Michael Jackson y se concentrara en eso, mientras yo tocaba algo completamente distinto, ya que buscaba saber qué hacia funcionar a esas canciones; no sabía si era el ritmo o si era algo más. Al mismo tiempo, con lo diferente que estábamos haciendo, sentí que estábamos matando al Sgt. Pepper, que también puede ser Jesús, lo puse a él en la portada porque considero que Jesús es el Sgt. Pepper.

Dijiste hace un rato que escuchas música de distintas partes del mundo, ¿conoces alguna banda chilena?

Hemos tocado en algunos festivales con Föllakzoid, a los que conocí hace algún tiempo, ya que siempre escucho música psicodélica. Pudimos salir con ellos a conocer la ciudad y ese tipo de cosas, pero estoy muy ocupado grabando y haciendo otras veinte cosas, por lo que no he podido conocer más. No suelo hablar de música con la gente, por lo que es raro que encuentre o me recomienden música nueva, son más cosas que llegan de casualidad.

¿Qué planes discográficos tienes para los siguientes meses?

Tengo dos trabajos: promocionar single que se llama “Sun Ship”, el cual será parte de nuestro álbum “Third World Pyramid”, que saldrá el 28 de octubre, y después de eso estaré poniendo cada una o dos semanas nuevos singles para el disco que vendrá a continuación, llamado “Don’t Get Lost”. Ese disco lo pretendemos sacar en diciembre, será de un estilo totalmente diferente porque experimentamos más que con “Third World Pyramid”. Se pone loco, pero es muy bueno. Estoy emocionado por ambas cosas.

¿Te gustaría decirle algo a tus fans chilenos?

Estoy esperando que nos veamos, sé que será un gran día; miré el line up y espero que todos lo pasemos bien, agradecería mucho que fueran a vernos. Lo último que les puedo decir es: ¡que se joda el mundo! (risas).

Muchas gracias por tu tiempo, espero que disfrutes tu estadía acá.

Gracias por el interés en entrevistarme, que estés muy bien. Adiós.

Por Manuel Cabrales

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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