Conéctate a nuestras redes

Entrevistas

Angelo Moore de Fishbone: “Seguimos en nuestra misión de abrir cabezas”

Publicado

en

Fishbone ya es una banda adulta, pero los tipos parecen no dar cuenta de ello. El documental de reciente edición en EE.UU., “Everyday Sunshine” (2013), intenta recorrer la vida del grupo y lo logra de algún modo, pero harían falta decenas de latas más para mostrarlo todo. En este gran viaje hubo una anécdota que sería un antes y un después en la epopeya de cualquier grupo: en el año 2000, Fishbone tocaba en Buenos Aires, en la mítica sala Cemento. El mismo día lo hacía Manu Chao –en su momento de máxima explosión en Argentina- en un estadio de fútbol; ambos grupos compartían público, pero la cuenta era clara: no sería fácil que Cemento se llenase esa noche. Un día antes del show, sólo se habían vendido 100 entradas en una sala para 1.500 personas. En las 24 horas previas al concierto se erigió una campaña que pocas ONG serían capaces de llevar a cabo. La misma estuvo  a cargo de dos “banditas” locales amigas de Fishbone: Los Fabulosos Cadillacs –con quienes compartieron giras y grabaciones- y Divididos. Los porteños los llevaron a las radios y a los canales de TV. Hasta tocaron esa noche de teloneros de Fishbone cuando estas bandas convocaban más de 30.000 personas cada uno en sus shows en Buenos Aires. Finalmente, Cemento recibió a cerca de 600 afortunados que difícilmente se olvidarían de lo que vieron aquella noche. Aunque, quizás, el mayor protagonista de no recuerde casi nada de aquello. “¿Divo-qué? ¿Divivos?”, exclamaba Moore intentando recordar, sintiéndose en falta. Conversamos con Angelo Moore, el histórico Fishbone Soldier que siempre estuvo parapetado desde el micrófono, los diferentes saxos, el teremín, la cuica y otros artilugios, en la trinchera del ya clásico colectivo musical de Los Angeles.

¿Cómo recuerdas aquella vez?

Recuerdo estar con Los Fabulosos Cadillacs y nuestro show en Buenos Aires fue uno de los mejores. También me acuerdo que en Córdoba entró un caco a nuestro bus y nos robó algunas cosas mientras tocábamos en una disco llena de gente (risas) ¿Cuánto hace de esto, diez putos años?

No, casi quince.

¿Quince? ¡Quince años! Ha sido un gran viaje ir a Sudamérica. Hemos estado en Brasil, también. Es muy bueno poder contarlo, amigo. Llevamos un rato largo en gira. Soy un agradecido.

Y esta será su primera vez en Chile.

¡Sí! Habíamos confirmado una fecha con Los Fabulosos Cadillacs hace mucho, pero finalmente se canceló.

Desde su fundación, en 1979, Fishbone pasó por infinidad de momentos enrevesados. A saber: la ida de varios miembros fundadores, intervenciones quirúrgicas, pésimas relaciones con discográficas, juicios por secuestro y demandas millonarias por lesionar fans en el mosh pit. ¿Por qué crees que Fishbone sigue siendo un grupo underground a pesar de tantos años de actividad enfrentando todo tipo de adversidades?

Es increíble, amigo, todavía estamos aquí, en medio de nuestro viaje. ¡Ni yo lo puedo creer a veces! Ha sido una larga lucha y lo sigue siendo, de hecho, tenemos una demanda por lesiones en medio de un mosh pit. Nos toca atravesar esa situación ahora mismo, demandados en  1,4 millones de dólares. Es muy áspero, es satánico vivir esto. Reuniones con abogados, con jueces,  tuvimos que poner en marcha una campaña de crowdfunding, tenemos la esperanza de que nuestros fans y sus familias nos ayuden con los honorarios legales que estamos obligados a pagar.

¿Ya tienen una sentencia sobre esto?

No todavía. Tenemos que planear nuestra estrategia. Ir a la Corte, hablar con un juez, con otro y toda esa mierda. A pesar de eso, seguiremos haciendo música hermosa.

Una de las cosas que destacan del documental recientemente editado sobre la banda, es el seleccionado de celebrities musicales que declaran haber sido influenciados por Angelo, Norwood Fisher, Dirty Walt y el resto de la familia. Flea, Les Claypool, Perry Farrell, los No Doubt, George Clinton; muchísimos músicos prestigiosos se deshacen en elogios hacia Fishbone. ¿En qué crees que tu banda ha contribuido a la historia de la música?

(Piensa) Haber sido capaces de tomar diferentes estilos y sabores de la música, y mezclarlos todos. Hacer propios esos géneros, tocarlos y disfrutarlos. Incluso en el plano lírico. ¡Mierda, siempre escribimos sobre lo que quisimos, sin límites! Suelo escribir sobre experiencias de vida, pero también me tomo licencias poéticas, e incluso sumo algo de fantasía de vez en cuando. Se trata de juntar diferentes ingredientes, volcarlos en un mismo recipiente y revolverlos hasta crear una sopa exquisita, una sopa que sea buena para el alma.

Es curioso que algunas de las bandas más importantes del rock negro como ustedes, Living Colour o Bad Brains, sean prácticamente las únicas que siguen en actividad. ¿Por qué crees que no son mucho de tocar rock, siendo que fueron ellos quienes ayudaron tanto a darle forma?

No tenemos demasiados rockers negros simplemente porque el rock & roll fue expropiado por los blancos. Los blancos robaron el rock & roll. La mayoría de los músicos negros no optan por el rock, sólo los que estamos en esta muy pequeña subcultura de black rock moderno. Esto es a pesar de que el rock & roll fue inventado por los negros junto a los indígenas nativos a través del blues. Hay muchas razones que tienen que ver con el racismo en relación a esto, pero también es verdad que hay mucha gente que no se arriesga a tocar rock, que se mantiene aferrada al lado conservador de la música: el reggae, el r&b, el soul. A decir verdad, en mi opinión el rock & roll es música soul, pero con un tinte agresivo. Esa es mi visión como hombre negro.

¿Y a qué crees que se debe que la mayoría de la audiencia de Fishbone sea en su mayoría blanca?

Bueno, ya no es tan así. Definitivamente esto fue cambiando con los años, aunque sigan viniendo a vernos mayoría de blancos. Es cuestión de tiempo, viejo. Lleva mucho que la gente negra descubra el fenómeno del rock negro; suelen ser muy conservadores en sus elecciones musicales. Nosotros seguimos en nuestra misión de abrir cabezas.

Recientemente, Fishbone ha vuelto a los primeros planos en una gira junto a Jane’s Addiction y participando del mega festival Coachella…

Fue divertido. Ahí estrenamos nuestro “Worksuit Project”, desde esa fecha salimos a tocar vestidos de trabajadores industriales. Siempre fuimos muy variados en cuanto a la vestimenta e imagen, y esta nueva idea tiene que ver con un marcado gusto por la moda, sí, pero también simboliza la unidad de la banda. Coachella fue un evento enorme, la gente la pasa bien en medio del desierto. Allí tocó Queens Of The Stone Age, que me gustan mucho.

A todo esto, luego de las cuatro operaciones que pasaste, ¿cómo está tu pierna?

¡Oh, mi pierna! (Risas) Está mejor. No goza de plena forma aún, pero está mejor. Realmente debo agradecer a Dios por esto, puedo caminar y disfrutar de la música bailando. Fueron dos años enteros con este tema.

Volviendo al documental, ¿cómo impactó en ti y en la banda el hecho de haber revisitado casi 40 años de su andadura?

Los productores y el director nos estuvieron siguiendo por todo EE.UU. y Europa para poder describir de la mejor manera posible nuestra historia. Quedó bastante bien, estoy feliz de que la gente lo pueda ver. Ayuda a que sepan más sobre Fishbone. Y fue un desafío muy grande dejar que alguien esté siguiéndonos todo el día con la cámara, y así y todo seguir haciendo lo que hacemos, con naturalidad. Durante mucho tiempo estuvimos ocultos, nadie sabía en qué estábamos, entonces cuando vinieron con la idea, fue como “¡Sí, claro, viejo!”.

En tu aventura por mostrar al público diferentes colores musicales, te has embarcado en infinitos proyectos paralelos…

Tengo a Dr Maddvibe, mi alter ego. Hice un disco en Kickstarter llamado “The Angelo Show” (2012) donde toqué todo: batería, teclados, bajo, saxos, percusión, theremín y voces.  En un par de meses sale un disco por un sello japonés donde hay covers de música jamaiquina. Luego están los Missing Links, que es una banda de rock de cuatro integrantes donde toco teclados y canto. También está la Maddvibe Orchestra, que es un grupo de trece músicos; tocamos en festivales y circos en San Francisco. ¡Ah! Y mi marching brass band francesa.

Cómo decíamos antes, Angelo ha vivido mucho y a veces se le escapan algunos datos. Es el caso de The Brand New Step, una nueva banda-colectivo musical afincado en San Francisco, donde participan músicos relacionados a Lovage (aquel grupo de Dan The Automator, Kid Koala y Mike Patton), Gorillaz, Kasabian, Galactic y un baterista muy conocido en Chile.

Ahora que lo pienso, no nombraste a The Brand New Step.

¡Claro! De hecho es uno de los mejores. Lo armamos con el músico de la Bay Area, Kris Jensen, un tipo increíble que tiene grandes ideas musicales; él aporta la música y yo las letras. Estamos trabajando en un nuevo álbum que me gusta mucho. Es r&b, es rock, es psicodelia. Tenemos un video en el website extraído del primer disco llamado “Sacrifice” (2013).

¿Es verdad que Mike Bordin de Faith No More es baterista de The Brand New Step?

Sí, él toca también. Es amigo de Kris y está en la banda. Me gusta Faith No More, los vi bastante en los ochentas y noventas. En The Brand New Step usamos una interesante combinación de baterías electrónicas y acústicas.

Estás buscando nuevas formas de expresión, evidentemente.

Sí, definitivamente. Expresarme con mi música y arte. Sacar todo fuera, expandir los horizontes. De eso se trata, amigo.

Moore se despide relajado y optimista, prometiendo con total seguridad grandes momentos para los Fishbone Soldiers latinoamericanos en los shows de la próxima semana.

Tour Sudamericano 2014

17 de agosto, Bogotá, Rock al Parque.

19 de agosto, Santiago de Chile, Club Subterráneo.

20 de agosto, Buenos Aires, Uniclub.

Por Adrián Mazzeo

Entrevistas

Dean Fertita: “Si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás”

Publicado

en

Años de trayectoria con proyectos como Queens Of The Stone Age, The Raconteurs, The Dead Weather o Hello=Fire avalan a Dean Fertita como uno de los músicos más moldeables en el rock, llevando su sello de guitarra y teclado como un aporte distintivo en los artistas con quienes toca. Ahora, el músico se pone por primera vez en la primera plana con el lanzamiento de “Tropical Gothclub”, su primer larga duración como solista, el que no sólo recoge ideas de las tantas sesiones de grabación durante la pandemia, sino que también de los años de carretera tocando en distintos países y con distintos músicos.

La llegada de este trabajo fue suficiente para que nos conectáramos con Fertita a la distancia y conversáramos no sólo sobre la creación del LP, sino que también de la manera que tiene de trabajar, el estado actual del próximo disco de Queens Of The Stone Age, cómo surgieron los conceptos que aborda en esta obra, entre otros temas, que abordamos en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Dean, ¿cómo estás?

Estoy muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, gracias por conversar con nosotros sobre tu nuevo álbum. ¿Dónde estás ahora? ¿Sigues viviendo en Nashville?

Sí. Estoy en mi casa en Nashville en estos momentos.

Partamos hablando de tu nuevo disco, “Tropical Gothclub”. Estuviste trabajando con Dave Feeny, que tiene un estudio en Detroit. ¿Viajaste hasta allá para grabar las canciones?

No, la verdad, con Dave tenemos una relación de trabajo desde hace mucho tiempo. Como antes yo vivía en Detroit, lo conozco hace años. Tenemos una relación al punto de que le mando tracks para que los mezcle, confiando plenamente en que sabe los resultados que busco; tenemos ese tipo de química. Para algunas canciones grabé unas partes allá, en unas tres o cuatro grabamos las baterías allá también. Con un amigo trabajamos en las ideas e hicimos unas versiones largas de las canciones, las que después acorté porque realmente no tenía claro qué hacer, sólo estaba materializando las ideas. El hecho de que todas ellas terminaran siendo un disco, básicamente fue un accidente (risas).

De hecho, te iba a preguntar sobre esto. Entiendo que comenzaste a trabajar en esta música durante la pandemia porque tenías mucho tiempo libre. Ya que dijiste que fue un accidente, ¿cómo llegaste a la idea de hacer un disco?

Nunca lo hice, de hecho. Es interesante. En 2020 estábamos preparándonos para grabar con Queens Of The Stone Age, y para todos fue como: “¿Cuánto irá a durar esta cuarentena? De seguro estaremos de regreso en dos semanas”. En 25 años que me la he pasado girando y grabando, nunca había estado más de seis meses seguidos en casa, así que de pronto me vi con mucho tiempo y entendiendo que las cosas seguirían así. En vez de prepararme para regresar a la vida habitual, preferí seguir siendo productivo y tener algo que hacer, para así al final del día sentir que hice algo más que sentarme a esperar que la situación mejorara, eso fue parte de mi rutina. Tengo un pequeño estudio, muy primitivo, así que llevé estas canciones que en mi mente no eran más que demos, y nunca pensé en una colección de canciones que se transformaran en un disco. Estas ideas estaban pensadas para terminar en algún otro lugar, pero no lo hicieron por distintas circunstancias. De pronto, fui persuadido por mis amigos de que debía publicar estas canciones como un álbum, así que confié en su opinión (risas).

¿Por qué decidiste que este álbum estuviera firmado con tu nombre y no con un pseudónimo o un nombre para el proyecto?

Interesantemente, luché porque el disco fuera sólo con el proyecto Tropical Gothclub, esa era la idea, no quería que se interpusiera mi nombre en el camino porque no era algo que había estado preparando ni nada, nunca estuvo concebido como un álbum solista. Así que, nuevamente, por consejo de mis amigos puse mi nombre en el disco y aquí estamos (risas).

También dijiste que el concepto de este disco es la “nostalgia futurista”. Quisiera que nos contaras un poco del significado de esto.

Lo de la nostalgia futurista es porque pasaron varias cosas cuando empecé a trabajar en este material. Eso me dio una oportunidad para realmente pensar en situaciones que han ocurrido en mi vida que me llevaron donde estoy ahora, así que me obsesioné con el hecho de volver a experimentar cosas que hice cuando era joven. Crecí durante los 70, así que volví a toda esa música que escuchaba, me reconecté con elementos que me unen a mis amigos y que se han transformado en parte importante de lo que soy actualmente. No sólo música, también hablo de arte, películas, y cosas por el estilo. Todo eso, sumado al período tan único que estábamos viviendo, el que espero que nunca más tengamos que vivir, me marcó de una forma en que en 20 años más, o incluso ahora mismo, miro profundamente porque realmente definió la forma de ver la vida, hizo que algunas cosas se aclararan, lo que es importante y todo eso. Estoy consciente de que actualmente vivo un período al que recordaré con nostalgia, por lo que de ahí viene el concepto, es lo que rodeaba mi cabeza cuando trabajaba en estas canciones.

¿Por qué nombraste el disco como “Tropical Gothclub”?

El nombre proviene de algo totalmente ajeno a la música. Durante la pandemia pasé mucho tiempo con mi hija, ya que girando por 25 años me perdí de muchas cosas importantes con ella. Cuando comenzamos a trabajar en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, con mi familia nos mudamos a California, que era preciso para estar durante ese tiempo porque había una playa cerca. Cada vez que salíamos a la playa, no podíamos evitar pensar en el entorno tan maravilloso, vibrante y soleado, así como en el contraste con el período tan oscuro y depresivo que se vivía, por lo que empezamos a bromear de que íbamos al “Tropical Gothclub” (Club Gótico Tropical) cada vez que salíamos. Luego de que empezamos a bromear con eso, con mi hija comenzamos a tomar fotos en blanco y negro de las cosas más coloridas y alegres que encontráramos, y eso terminó mezclándose con la música en la que estaba trabajando.

Genial. Este es, sin duda, un disco muy ligado a lo que viviste estos años.

Sí, además de eso hay algo más filosófico, en el sentido de que estas ideas de lo bueno y malo, sombra y luz, el hecho de conocerse con lo bueno y lo malo, son cosas muy introspectivas que influyeron mucho. Todas estas cosas son más grandes y personales para mí, por lo que son importantes.

Cuando escucho las canciones de este disco, me recuerda a muchas de las cosas que has hecho en tu carrera, se sienten las influencias de artistas con los que has tocado. De hecho, siempre que he escrito sobre algo en donde estás involucrado, ya sea un show o un disco, te destaco como el “arma secreta” de la banda…

Oh, muchas gracias (risas).

Con todo esto, se me viene a la mente el saber cómo te enfocas a la hora de componer. ¿Tratas de aportar tu enfoque o más bien buscas cómo adaptarte a la situación?

Siempre habrá algo de adaptación cuando trabajas con otros músicos, pero pasa de una forma tan natural, que muchas veces no lo notas. Creo que la forma en que veo las cosas es de siempre aportar algo, si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás. Hay que sentirse muy cómodo con saber quién es uno y en qué puede ayudar. Cuando trabajaba en estas canciones, esa fue mi intención. Sabía que QOTSA haría otro disco y quería tener algo que aportar, mantenerme en forma como compositor y estar constantemente haciendo cosas, esperando que alguna pudiera funcionar y se complementara con otra idea. Por el otro lado, es interesante que todo esto probablemente no habría partido si no fuera por una conversación que tuve con Alison Mosshart, ya que después de terminar la gira con The Raconteurs, pensamos que quizás sería divertido trabajar en algunas ideas con The Dead Weather, debido a que estábamos todos en casa. Nos enviamos algunos demos, ella me envió una canción llamada “Street Level”, que era solamente su voz y una guitarra, y me encantó la idea y la reinterpreté para incluirla como lado B en el primer single de este disco. Eso me puso en la disposición para trabajar y ayudó mucho, sin duda.

Dean, hablemos de Queens Of The Stone Age, ya que justo un poco antes de que te llamara se confirmaron los primeros shows para 2023. ¿Eso significa un tour completo? ¿Un nuevo álbum? ¿Qué nos puedes contar del futuro de la banda?

Teóricamente, significa todo eso (risas). Vamos acercándonos a la etapa final del disco y estamos totalmente enfocados en terminarlo. De hecho, hace unos días regresé luego de estar durante unas semanas trabajando junto a la banda. Estoy muy entusiasmado, creo que el próximo año será muy divertido.

¿Están pensando en qué fecha de 2023 para publicar el disco?

Depende de cuando esté todo listo, pero idealmente ya estará disponible cuando giremos el próximo verano por distintos países.

Dean, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Antes de terminar, quisiera que nos contaras si estás enfocado en algún otro proyecto en estos momentos.

En estos momentos estoy enfocado en terminar el disco de QOTSA, es lo único en lo que pienso por ahora. He tenido conversaciones para hacer algunos shows un poco menos convencionales en torno al disco que lanzaré, pero tengo que pensarlo, ya que está ligado a la agenda que tendré con QOTSA, y espero tener más claridad de eso pronto.

Qué bueno que me dices esto, ya que en el comunicado de prensa del disco dices que no quieres hacer la promoción habitual para esta placa, sino que pensar en algo diferente.

Exacto. He pensado un poco en cómo me gustaría llevar estas canciones a un formato en vivo, lo que me da una oportunidad para llevar a cabo esas ideas y ver si es que funcionan y a la gente le gusta. Tengo también algunos proyectos con amigos, en los que no hemos podido trabajar por la falta de tiempo, pero eso no lo hace menos importantes. Definitivamente tengo que encontrar un espacio para dedicarme a ellos.

Muchas gracias por tu tiempo, espero verte el próximo año acá en Chile.

Esperemos que sí. Muchas gracias, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

Seguir Leyendo

Podcast Cine

Publicidad

Podcast Música

Facebook

Discos

DiscosHace 2 meses

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el...

Stumpwork Stumpwork
DiscosHace 2 meses

Dry Cleaning – “Stumpwork”

A la primera escucha, pareciera bastante tímido lo que propone Dry Cleaning en su segundo álbum. Tan sólo un año...

Free LSD Free LSD
DiscosHace 2 meses

OFF! – “Free LSD”

Luego de ocho años de pausa discográfica, OFF! vuelve a las pistas con un álbum que, de primera impresión, traza...

Ritmos En Cruz Ritmos En Cruz
DiscosHace 2 meses

La Ciencia Simple – “Ritmos En Cruz”

Desde “Hacia El Mar” (2014), La Ciencia Simple ha propuesto una reconfiguración de su sonido, pasando por el post rock...

Cool It Down Cool It Down
DiscosHace 2 meses

Yeah Yeah Yeahs – “Cool It Down”

A casi 20 años de la explosión del post-punk, o garage revival (que cada uno le ponga la etiqueta que...

II II
DiscosHace 2 meses

Dead Cross – “II”

Con tantos proyectos que posee Mike Patton, no es difícil perder la pista de cada cosa que hace el frontman...

The Car The Car
DiscosHace 3 meses

Arctic Monkeys – “The Car”

El lanzamiento de su séptimo disco no era un paso más en la carrera de Arctic Monkeys. Tras un “Tranquility...

The End So Far The End So Far
DiscosHace 3 meses

Slipknot – “The End, So Far”

Fuerte y claro fue el mensaje que Slipknot entregó con “We Are Not Your Kind” (2019), una obra que vio...

As The Moon Rests As The Moon Rests
DiscosHace 3 meses

A.A. Williams – “As The Moon Rests”

Bastó solo el lanzamiento de “Forever Blue” (2020) para que la música de A.A. Williams comenzara a ser destacada por...

Luz Figura y Sombra Luz Figura y Sombra
DiscosHace 3 meses

Cómo Asesinar A Felipes – “Luz, Figura y Sombra”

Cómo Asesinar A Felipes nos tiene mal acostumbrados a sembrar expectativas en la espera de cada uno de sus lanzamientos,...

Publicidad
Publicidad

Más vistas