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Andrés Giménez de De La Tierra: “No somos una banda prefabricada”

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Es una de las bandas revelación en la escena metalera de Latinoamérica, y se encuentran en pleno lanzamiento de “II” (2016), segundo álbum de estudio de esta particular superbanda. Fue ya hace poco más de dos años cuando Andrés Giménez (A.N.I.M.A.L.), Andreas Kisser (Sepultura), Flavio Ciancirulo (Los Fabulosos Cadillacs) y Alejandro González (Maná) decidieron presentar a De La Tierra, sorprendiendo por lo potente de su sonido, pese a los diferentes trasfondos de sus integrantes. Conversamos al teléfono con su vocalista, Andrés Giménez, sobre el desarrollo de su último disco, además de sus recuerdos con Chile y los planes a futuro con la banda, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Andrés, comencemos hablando de “II”, segundo álbum de De La Tierra, lanzado este año. ¿Cómo fue el proceso de creación y la búsqueda de lo que querían conseguir en cuanto al sonido?

La verdad es que fue más emocionante de lo que nos imáginabamos porque veníamos componiendo durante casi todo el año y luego, cuando nos juntamos con Ross Robinson (productor del disco), fue cuando terminamos de desmenuzar y cerrar todas las canciones y hacer nuevamente, tal como en el álbum anterior, una especie de Frankenstein canción por canción. Fue un proceso muy divertido, porque se hizo todo en vivo sin el uso de Pro Tools ni nada de eso, sino más bien con cinta. Todos somos de la escuela de los noventa, así que eso hacía que tocáramos como nos gusta. Tuvimos muchos ensayos previos, muchas ideas que nacían en el escritorio y otras que eran netamente de Ross. Para mí este es un disco muy directo, muy experimental, donde se van a encontrar con un sonido muy natural y una composición que tiene de todo. Es de ese tipo de discos que tendrán que escuchar varias veces para entender de qué se trata, y eso está buenísimo porque creo que esos son los discos que perduran en el tiempo.

Ya han estado dos veces en nuestro país, en 2014 en un show íntimo y el año pasado en el festival Santiago Gets Louder. Considerando además su participación en Rock In Rio y otros grandes escenarios, ¿cómo ha sido para ustedes esta transición de shows pequeños a instancias más masivas?

Chile es increíble, muy buena onda, lo he vivido con A.N.I.M.A.L., que siempre nos han tratado tremendamente bien, y cuando fuimos con De La Tierra en La Batuta fue un show alucinante para los poquitos fans que querían ver a la banda, creo que ha sido uno de los shows más históricos que hemos tenido: todo lo que se generó con la buena onda de la gente fue tremendo. Creo que fue un puntapie perfecto porque nosotros queríamos tocar en lugares pequeños y empezar como toda banda. Creemos que De La Tierra es una banda nueva y queremos que la gente lo sienta de esa forma, no somos una banda prefabricada o armada. Fue buenísimo haber hecho La Batuta, demostrar lo que era la agrupación y después participar del tremendo festival que fue Santiago Gets Louder, fue increíble compartir escenario con semejantes bandas como Deftones, Faith No More, Gojira o Lamb Of God. La verdad es que ese festival fue importante porque mucha gente que no asisitió al show anterior, y ahí pudo notar que De La Tierra es una banda muy diferente, muy homogénea, muy real. Las dos cosas las disfrutamos harto, son dos shows totalmente distintos en cantidad de gente, pero ambos tienen el mismo sentimiento de entregar todo; el público notó eso y creo que por eso reaccionaron de tan buena manera con la banda.

Ya que comentas lo homogéneo que es la banda, todos vienen desde estilos muy distintos. ¿Fue muy difícil lograr un consenso en el estudio a la hora de grabar?

Cuando uno habla en un lenguaje musical, más allá del estilo que cada uno venga, terminamos siendo cuatro personas que aman la música, así todo se hace mucho más fácil. Independiente de que Andreas y yo tuviéramos bandas de metal, prevalece el respeto y las ganas de tocar juntos, hacer música, vivir cosas nuevas y volver a sentir esa adrenalina que uno tiene cuando arma por primera vez su banda, pensar en lo que va a venir, experimentar, todo eso. Creo que fue mucho más fácil, los cuatro teníamos estilos bien definidos en nuestras bandas, pero en De La Tierra nos abrimos mucho musicalmente, no tenemos ni miedo, ni vergüenza, ni nada de eso. La unión y las ganas de tocar juntos hacen posible que sea todo compartido, no fue para nada complicado, fue mucho más fácil de lo que uno se puede llegar a imaginar. Fue mejor que si nos hubiésemos juntado cuatro personas que hacen metal, porque cuando se juntan personas que hacen un estilo de música similar es más seguro que salga todo en un sólo color y no en veinte colores distintos, que es la gracia en hacer música más abierta. Todos somos personas que tratamos de probar lo mejor y que tenemos la capacidad de respetarnos entre nosotros, con eso todo se hace más simple.

Leí por ahí de que la idea de hacer De La Tierra estaba pensada desde en 2004, pero recién en 2012 fue una realidad. ¿Es cierto eso?

Sí, es verdad eso.

¿A qué se debió esa tardanza?

Fue por los tiempos más que nada, a veces no se dan. Un día nos juntamos y dijimos “basta, es momento de hacer esto“, fue así como nos dimos un tiempo y empezamos a trabajar en ella como fuera. Nos juntamos, hicimos un par de canciones y así fue avanzando todo, llegando hasta ahora que ya tenemos un segundo disco. Estamos con muchas ganas de tocarlo, de mostrarlo y salir de gira con el, y después poder hacer otro disco más para el otro año, tenemos muchas ganas de seguir. Nos costó unirnos por los tiempos, pero las ganas de hacerlo superan todos los obstáculos.

¿Tienen planes concretos para salir de gira con este álbum?

Queremos salir el próximo año, así que empezaremos a planear una gira latinoamericana y luego salir a Europa y Estados Unidos, y tocar para todos los latinos que viven ahí, o incluso para la gente de allá que se interesa en el sonido de De La Tierra. Tenemos muchas cosas por hacer, pero lo que más nos motiva ahora es visitar Latinoamérica, pasar por Chile y todos los demás países que visitamos. En todos los lugares que estuvimos nos brindaron mucho respeto y mucho amor, con eso uno se llena de vida, se nutre y es alucinante.

Este año estuviste con  A.N.I.M.A.L. en nuestro país. ¿Como viviste esos shows?

Sí, estuvimos en mayo con Criminal en la Kmasú y en El Huevo de Valparaíso. Estoy muy agradecido por el recibimiento, como te dije al principio de la entrevista. Fui a Chile muchas veces con A.N.I.M.A.L. y la gente siempre se ha portado increíblemente bien, siempre nos entregaron mucho cariño. Seguramente el próximo año iremos a tocar para ustedes de nuevo, los últimos shows fueron increíbles, el poder y el cariño al cantar las canciones son cosas que se notan que salían del corazón.

Ahora que mencionas el Club Kmasú, no sé si te enteraste que se incendió la semana pasada, incluso se comenta mucho de que habría sido algo intencional debido a la gran cantidad de eventos que se hacían ahí, en especial de bandas de metal que se presentaban muy a menudo. Considerando eso y lo diferente que eran las cosas en Sudamérica hace algunos años, ¿te sentiste discriminado alguna vez en tu vida por la música que tocas o que escuchabas en tu juventud?

Qué lamentable, no lo sabía. Creo que cuando uno hace este tipo de música, en el fondo sabe en la que se mete, hay gente que no entiende, hay gente que juzga sin saber. Si en algún punto de mi vida me sentí discriminado con A.N.I.M.A.L., eso me daba más pasión para seguir adelante. Por ahí siempre hay gente que te discrimina o te mira mal porque ven que lo que hacemos está fuera de lo que ellos llaman “el común denominador de las cosas”. Es mejor rodearse de gente buena, que apoye lo que haces. No sé si sea discriminación como tal, puede ser más un tema de prejuicio al no saber; la gente muchas veces habla por hablar. No sé si me sentí discriminado en algún momento, y si es que me pasó no les dí pelota como para sentirme herido ni nada, siempre puse lo mejor para seguir adelante.

Tenía un par de preguntas más, pero se nos acaba el tiempo. Para ir cerrando esta entrevista, ¿te gustaría decir unas palabras para tus fans en Chile?

Sí, muchas palabras. Primero, gracias por el cariño que nos dieron las dos veces que estuvimos con De La Tierra, fue emocionante verlos ahí tan apasionados por la banda, y por mi parte y la de A.N.I.M.A.L., agradecido también del increíble amor que nos dieron. Estén atentos, porque de seguro el proximo año estaré con ambas bandas por allá. Les agradezco de todo corazón porque se nota mucho la pasión en los shows, eso nos da más ganas de tocar y sentimos un compromiso más grande aún para que todo sea un show increíble.

Muchas gracias por tu tiempo, Andrés. ¡Que estés bien!

No, por favor, muchas gracias por llamar y por el interés, que tengan un buen año y una feliz Navidad. ¡Nos veremos pronto!

Por Manuel Cabrales

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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