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Andrés Calamaro: “Pido cantar sin una selva de celulares a la vista”

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Cuando nos dijeron que podríamos entrevistar a Andrés Calamaro, inmediatamente aparecía la chance de preguntarle de muchísimas cosas más allá de la música, porque en los últimos años el autor de “El Salmón” ha entrado en polémicas por ser claro en lo que piensa, sin miramientos a los estándares morales o sociales dominantes. Ahí, ha caído en dichos contra el activismo y contra la “sensibilidad” de tiempos que, a su juicio, viven en lo políticamente correcto. Lamentablemente, las consultas para abordar esto fueron abortadas de forma certera por el filtro que pone la forma de entrevista que permite Andrés hace varios años. El correo electrónico y las preguntas por escrito son la forma de evitar que su mensaje se tergiverse, tal vez, y ahí él tiene la oportunidad de indicar sin posibilidad de contrapregunta por qué no responde más que de música.

También pasan cosas como que la primera de nuestras consultas fue dispuesta como publicación en las redes del propio Calamaro, con un gran impacto, incluso en diarios de circulación nacional, quizás porque es parte de sus creencias más firmes hoy, en un público más humano y en artistas más transparentes, y es eso lo que le preguntamos al argentino, pensando también en su próxima visita a Chile en tres fechas (Santiago, Valparaíso y Concepción) en su tour “Licencia Para Cantar”, que lo tiene en formato acústico, quizás más vulnerable y de frente que nunca. Es ahí donde los celulares se apagan y comienzan las palabras de un Andrés que nos respondió lo que quiso, con honestidad y mayor cercanía de la que se podría creer.

Hola, Andrés, lo primero que le quería preguntar es acerca de su petición de no sacar fotos y videos en sus conciertos. ¿Cómo cree usted que estas acciones pueden arruinar un espectáculo musical?

Cantar para teléfonos no es lo mismo que cantar para personas. Confío en la retina y en la memoria para capturar instantes imborrables. Ver los brazos en alto sosteniendo un bosque de teléfonos me da vergüenza ajena, y si la rebeldía incluye una luz de flash además del resplandor de la pantalla, entonces es un factor de distracción incómodo. Comparemos un concierto de estas características con un momento de intimidad personal, rodeados de personas con teléfonos en todo lo alto: definitivamente estarían rompiendo con un clima necesario para que la intimidad sea posible. Se puede confiar en la humanidad a secas, en lo que escuchamos y vemos; en la memoria y en el respeto por un cantante que pide cantar sin una selva de celulares a la vista.

En esta gira por Chile usted vendrá en formato aparentemente solista, únicamente con su voz y otros instrumentos. ¿Cuán diferente es la experiencia de esta soledad solapada respecto al hecho de encabezar una banda? ¿Cuán distinta cree usted que es la relación con el público?

Nos apoyamos en sonido y en música, pero sin el concurso de las guitarras eléctricas y la batería. Es un concierto acústico. Cierto es que elegimos un poco de tango y bolero para ofrecer, pero mayormente son canciones incluidas en algún capítulo de mi discografía. Estamos en esta gira hace un año y la relación con el público resulta muy buena. Si la gente está de pie y bebiendo cervezas, entonces es posible que murmuren mientras interpretamos un tango grande, pero tampoco representa un drama para nosotros que intentamos ganarnos los aplausos y merecerlos -también- a golpe de mis canciones emblemáticas.

Es interesante cómo usted se mueve entre diferentes géneros musicales, nunca quieto, nunca en una zona de confort que lo inmovilice. ¿Cuán dañina piensa usted que es la comodidad para un creador? ¿Le ha tocado enfrentar esos impulsos alguna vez en su carrera?

Hay artistas de raíces y otros desarraigados; mantenerse dentro de una zona segura es respetable y conforma al público. La comodidad es un derecho humano y un beneficio, pero también podría “traducirse” en menor sorpresa o inquietud sonora. Ahora mismo estoy en un período de cambio completo en el escenario, y en la gira esto es lo que venimos a ofrecer, y lo hacemos con el mayor de los respetos por el público y por la música.

En “Volumen 11” se notan homenajes a artistas y creadores, ¿cuán difícil es compatibilizar la humildad con la que un artista puede llegar a la gente y acepta influencias y aportes ajenos, con el ego que muchas veces se hace necesario para avanzar y hacerse un lugar en un medio tan competitivo como la música?

Según Sigmund Freud, el ego es importante para definirse como un individuo y vulgarmente se entiende por “ego” tener una opinión demasiado buena de uno mismo. Sigo avanzando porque sigo cantando, no me siento en la necesidad de escribir nuevas canciones con urgencia y me conformo con buenas sensaciones en el escenario y una sala colmada. Cada uno arrastra sus asuntos y viajamos mucho para llegar y cantar. Digamos que aquello que se conoce como ego se disuelve en las esperas interminables en los aeropuertos o arrastrando malestar físico por la carretera, algo que puede ocurrir a cualquiera. Un simple dolor de muelas diluye el orgullo más arraigado.

También es notable la forma en la que “Volumen 11” presenta múltiples estilos, a veces con menor coherencia, pero con un ánimo experimental. ¿Siente que está en una etapa de la vida donde puede experimentar sin problemas? ¿Qué tipo de ideas cree que le falta explorar dentro de su arte?

Lógicamente, hay cantidad de géneros que no exploré en grabaciones ni conciertos, algunos no están a mi alcance, pero confieso haberme involucrado con artistas del flamenco, jazz, tango y la música popular. Me doy cuenta que conseguí casi todo ofreciendo canciones de rock, pero íntimamente me siento además un artista proclive al experimento y a la apertura. La música experimental me complace y puede arrastrar un cierto prestigio minoritario al tiempo que asusta al público más radial o masivo. Soy un oyente inquieto de los géneros musicales, escucho salsa dura, blues auténtico y jazz grabado hace sesenta años. Son terrenos que estoy estudiando mientras escucho y descubro cosas. No sé si a mi carrera le falta algo o le sobra, no soy un artista ambicioso, me conformo con tener bonitas sensaciones en el escenario, dormir bien y sentirme bien.

La música argentina, al parecer, no ha avanzado más allá de los referentes que marcaron y siguen marcando época como usted, entre muchos otros. ¿Por qué pasa eso? ¿Dónde está esa argentinidad en el rock? ¿Por qué pareciera que se queda en un nicho y no genera interés más allá de las fronteras de, por ejemplo, Tan Biónica o cosas más murgueras?

El rock en Argentina es una institución, porque hay miles de jóvenes ensayando para salir adelante con sus deseos. Se valora el pasado con cierto rigor histórico; se desean los viejos discos originales y el rock existe en pequeños locales o en salas grandes. Como en todas partes, la competencia de la música ligera es mucha. Convivimos con el folklore nuestro, que es popular e interesante, y también con productos que nadie nos obliga a escuchar. Personalmente, jamás escucho música que no me gusta. Sé que existe, pero no sé cómo suena. Los nuevos iconos tienen el respaldo de un público o de su propia convicción. Compararse con los inventores del invento siempre es delicado y discutible.

Finalmente, en este tour que lo trae a Chile se habla de una “Licencia Para Cantar”. ¿Cuál es la dificultad de cantar lo propio en un mundo de tanto pastiche y tanta copia? ¿Cómo siente que se viene la cosa en los tiempos venideros?

Cantar siempre involucra una serie de responsabilidades y dificultades, somos cuerpos arrastrados por salas de espera de aeropuertos, comiendo lo que encontramos, y siempre esperando la siguiente prueba de sonido o el momento de actuar. Al tiempo que está por llegar hay que pedirle alegrías y buena salud.

Muchas gracias por su tiempo, Andrés.

Gracias a ustedes. Nos vemos en Chile.

Por Manuel Toledo-Campos

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Sincero

    15-Jun-2017 en 5:55 am

    Un boludo importante.

Responder

Entrevistas

Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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