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Álvaro Pintos de Cuarteto de Nos: “Nos caracterizamos por trabajar cualquier ritmo sin perder la esencia”

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Aunque cuando se habla de Cuarteto de Nos lo primero en lo que se piense sea en las letras agudas e ingeniosas de Roberto Musso, también es cierto que la banda uruguaya ha conseguido que el ritmo sea algo diferente en cada entrega, con una identidad que no pasa por un género específico, tal como refrenda una vez más “Apocalipsis Zombi” (2017), decimoquinto álbum de la agrupación. Además de letras que hablan de la alienación tecnológica, a lo “Black Mirror”, existe una capacidad de mezclar terror, ciencia ficción y crítica social en medio de rock, candombe, folklore, pop y mucho más, como podremos ver el 7 de octubre próximo en el Club Chocolate, cuando la banda vuelva a nuestro país. Y para hablar de esto y más, conversamos con Álvaro “Alvin” Pintos, baterista y cofundador de la banda, lo que te mostramos a continuación.

Te hablamos porque vienen a presentar “Apocalipsis Zombi”, y lo primero es saber cómo han visto la recepción de la gente.

Comenzamos hace no mucho la gira. Llevamos 14, 15 fechas y ha sido buenísima la recepción del disco. Mañana salimos a Colombia para presentarlo allá, y luego vamos a Centroamérica, y de ahí en Chile para presentarlo como corresponde. Estamos muy contentos.

Cuando ustedes vienen, aparece en masa la comunidad uruguaya y se vive una fiesta, lo que podrá repetirse cuando vuelvan en octubre.

Es verdad. Nos pasa muchas veces en países, y en especial en Chile, que hemos ido muy pocas veces y la comunidad aún no nos ha visto mucho en vivo. La última vez pudimos ir a un restaurant –que no me acuerdo de su nombre– y estuvo buenísimo. Un lugar futbolero, con comida típica, parrilladas típicas uruguayas. Es buenísimo ese reencuentro.

Entrando en el disco, “Apocalipsis Zombi” continúa la senda de la banda, pero en las letras hay una cosa interesante.

Es un bestial, como dice Roberto, quien escribió las letras, se resume la idiotez humana en muchas facetas. Tú recordarás cuando salió ese juego “Pokémon Go!”, que todo el mundo andaba jugando en el parque, pensando más en su pantalla que si lo pisaba un auto. Si sacás una foto de ese momento, ves el Apocalipsis Zombi. Además, es un disco un poco más pop, técnicamente.

Pensando en lo que te toca a ti, ¿cómo es trabajar desde la percusión en una banda tan variada en estilos?

Te digo la verdad: para un baterista es un sueño poder trabajar en una banda así, con todos los estilos. El punk, el pop, la cumbia, el folklore, es como que te desarrolla un montón de cosas, y está buenísimo porque, claro, cuando grabás con nuevos productores nuevos discos te deja muchas enseñanzas. Con el tiempo, el Cuarteto se ha caracterizado por trabajar con cualquier tipo de ritmo sin perder la esencia. Para la batería y las percusiones eso es maravilloso. Si tengo que tocar algo de folklore o lo que sea, estoy preparado. Es muy bueno. Y el público disfruta mucho también.

Hablando de la creación, el principal creador es Roberto (Musso), ¿cómo es trabajar con alguien como él?

Roberto es un ser absolutamente obsesivo con sus letras y la forma de componer, y eso se nota a la hora de poner la música. Nunca hay un chiste o una cosa a medias al momento de hacerlo. Si vamos a hacer rock, se hace rock, si le vamos a poner folklore, le ponemos folklore, o sea, es muy obsesivo en ese sentido y a mí me gusta mucho porque se ven los resultados en los discos. No se trata de estar jugando a hacer folklore o punk, y eso se nota también en las letras.

Ya existe una trayectoria de 30 años con la banda, ¿cómo eso juega a favor o en contra de ustedes?

Son más de 30 años que estamos juntos, así que imagínate que los códigos al interior de la banda están super aceitados, con una mirada nos comunicamos. En ese sentido, a partir del disco 15 estamos así. En lo que sí cambiamos es en los productores. Este último disco fue con “Cachorro” López, que es un cambio a lo que hicimos antes con Juan Campodónico, pero él se sumó muy bien al grupo y ahí pudimos avanzar para mejor, tal como esperábamos.

Finalmente, ¿cuál es la adición y el aporte de “Cachorro” ante este disco, más en extenso?

Con “Cachorro” ocurre que él trabaja desde el sonido puro, y Juan era más categórico a la hora de que cada instrumento sonara muy correcto. Lo que me gustó de “Cachorro” es que deja más libre la parte de lo que se graba a veces entre sesiones, algo que los audiófilos entenderán muy bien, espero.

Muchas gracias, Álvaro. Y nos vemos el 7 de octubre.

Un saludo a toda la gente de HumoNegro y nos vemos ese sábado.

Por Manuel Toledo-Campos

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Doug Martsch de Built To Spill: “La industria discográfica está muerta”

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Doug Martsch

Queda muy poco para una nueva versión del festival Fauna Primavera, donde se producirá uno de los debuts más interesantes que tendremos este año. Hablamos de Built To Spill, banda seminal del movimiento indie durante los noventa, quienes, bajo la tutela de su líder Doug Martsch, han ido desarrollando un sonido gestado por las guitarras sucias y los intensos momentos de improvisación que se producen en el escenario. Con ocho álbumes de estudio a la fecha, la banda promete arrasar con todo a su paso cuando se tomen el Fauna Primavera Stage a las 15:10 de la tarde el próximo 10 de noviembre en Espacio Broadway, repasando su discografía ante quienes esperan por su arribo.

Como previa a su presentación, conversamos por teléfono con Doug Martsch, quien nos platicó sobre diversos temas en relación a la banda, como el aniversario de su álbum “Keep It Like A Secret” (1999), su relación con el sello Warner Bros., sus formas de trabajo a la hora de componer música, su opinión sobre la industria discográfica, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Doug, quiero que comencemos hablando de esta visita a Sudamérica. Estarán tocando en algunos festivales, además de algunos shows en solitario. ¿Qué se siente llegar por primera vez hasta un lugar tan lejano con tu música?

Estoy muy entusiasmado, nunca he ido a Sudamérica antes. No iremos a tocar tanto como nos gustaría, pero aun así estoy muy contento de ir por fin.

El próximo año tocarán algunas fechas para celebrar los 20 años de “Keep It Like A Secret” (1999). ¿Sienten que esta gira por Sudamérica será una especie de precalentamiento para lo que se viene en 2019?

No, los shows de allá serán shows comunes de nosotros, tocaremos canciones de todos nuestros álbumes.

He estado mirando los setlists de la gira y cambian bastante. ¿Cómo deciden lo que tocarán cada noche?

Cuando nos vamos de gira, ensayamos, por lo que no tenemos claro que canciones haremos. Los setlists se van armando con todo lo que preparamos, ya sabes, vamos rotando las canciones, cambiándolas de orden, explorando nuestras opciones cada noche. Siempre trato de darles un cambio a las canciones, extendiéndolas o tocándolas en un tempo diferente, son ideas que tengo en la cabeza u otras veces sólo porque siento que suena mejor, la idea es que sea fluido.

¿Los escribes en papel o van viendo en el escenario lo que tocarán?

Siempre los escribo, así todos estamos preparados para el show.

Quiero que hablemos del álbum “Keep It Like A Secret”. Entiendo que fue un proceso colaborativo entre todos los miembros de ese tiempo. ¿Cómo diste con las ideas que expresaste en ese disco?

Fue una mezcla de lo que tenía y lo que la banda fue creando mientras improvisábamos. Hicimos mucha improvisación mientras nos reuníamos a ensayar y desde ahí fueron saliendo cosas muy interesantes. Cuando todos se iban a casa, iba escuchando lo que habíamos creado y así lo integraba a lo que yo tenía preparado.

¿Esa es tu forma de componer o prefieres hacerlo por tu cuenta y luego mostrarle las ideas al resto?

Es algo que va y viene, dependiendo de cuál es la situación. Después de ese disco hicimos “Ancient Melodies Of The Future” (2001), donde yo lo hice todo y luego lo mostré para que lo grabáramos.En el álbum anterior a “Keep It Like A Secret”, “Perfect From Now On” (1997), también fue así. Luego, en “You In Reverse” (2006), volvimos al proceso colaborativo, incluso mucho más que la vez anterior. Y en “There Is No Enemy” (2009) de nuevo me encargué de todo basándome en las improvisaciones, lo mismo para “Untethered Moon” (2015), por ende, siempre es algo que va cambiando.

Sé que con cada disco intentas cambiar la alineación de la banda. ¿Es eso algo intencional para mantener la música en evolución?

Sí, eso también va dependiendo de la situación. Cuando comenzó la banda lo fuimos haciendo, pero en “Perfect From Now On” me gustó mucho lo que hicimos y quise seguir explorando esa colaboración, por eso la banda se mantuvo durante un tiempo. Después han ido pasando muchas formaciones por distintos intervalos de tiempo; recientemente dejé de tocar con quienes me acompañaron en el último disco, por ejemplo.

El último álbum fue en 2015, ¿tienes planes para uno nuevo a futuro?

Tengo algunas canciones que ya compuse, espero comenzar a grabar el próximo año, tal vez.

Hace poco se marcharon de Warner Bros. Records, terminando una relación de más de 20 años. ¿Por qué lo hicieron?

Bueno, nuestro contrato terminó, quedamos libres para irnos. Ellos querían firmarnos de nuevo, pero les mostramos lo que teníamos ganas de hacer y nunca nos respondieron, así que nada que hacer, optamos por seguir nuestro camino.

¿Querían irse de todas formas antes de que terminara el contrato?

No, realmente. Creo que hace 10 o 15 años debimos hacerlo, pero todo se fue dando bien. Hubo un momento en que quisieron renegociar, no sabía bien qué hacer y seguimos con ellos, pero estábamos felices porque podíamos hacer lo que queríamos, lanzábamos nuestros discos sin problemas. Quizás no habría sido la decisión más inteligente irnos a otra disquera, habríamos tenido complicaciones de dinero para hacer nuestros discos, a pesar de que nunca vendimos tantos la verdad; toda la industria discográfica está muerta, así que en el fondo no importa mucho. La mayoría de nuestro dinero lo ganamos gracias a las giras.

¿Qué opinas de la industria discográfica en estos días?

No le presto mucha atención a eso, pero obviamente en un tiempo nadie comprará discos, ya que ahora puedes escuchar todo en streaming. Creo que la industria discográfica está muerta.

¿No crees que este renacimiento del vinilo quizás está haciendo que la gente compre discos de nuevo?

No, eso es algo para niños ricos y súper fanáticos, no creo que traiga muchos beneficios para los artistas. Eso se terminará en un abrir y cerrar de ojos.

Tienes un gran punto con eso, ya que los discos son muy caros de todas formas. Quizás tienes razón en que sólo los súper fanáticos compran los discos en formato físico.

Exacto, y ni siquiera los escuchan. Siguen escuchando las canciones en streaming, mientras tienen una pieza de merchandising, pero es una buena forma de apoyar a las bandas. De cierta forma, las personas que crecieron con una banda sienten una especie de obligación en comprar los discos y apoyar a sus artistas, ya que comprenden el hecho de que la industria está completamente en descenso. Aman su arte y por eso quieren ayudarlos.

Los discos de hecho vienen con una tarjeta para descargarlo en formato digital.

Claro, en el fondo siguen escuchándolo de manera digital.

Hablando de tu experiencia personal: ¿es bueno o malo que una banda trabaje con una gran empresa discográfica?

Bueno, desde mi experiencia fue algo bueno. Como dije, quizás haber sido un poco más inteligentes y pacientes nos habría permitido lograr lo mismo o más en un sello independiente, o incluso por nuestra propia cuenta, pero no lo sé. No soy muy experto en ninguna de estas cosas, sólo hablo del lado artístico, nunca le presté atención a la parte comercial, dejaba que ellos se encargaran de todo mientras yo solamente jugaba básquetbol o hacía cualquier cosa en mis tiempos que no componía (risas). La verdad no sabría decir si es bueno o malo.

Estuve viendo tu perfil de Twitter y me llamó mucho la atención las cosas que posteas. ¿Son ideas que se te vienen a la mente o fragmentos de letras que estás escribiendo?

Nunca he visto mi perfil de Twitter, con eso te digo todo (risas). Contraté a una persona para que se encargue de eso, postee cuando tenemos shows y todo ese tipo de cosas. No debería haber nada más aparte de eso.

De hecho, te iba a preguntar más sobre eso porque son cosas bien abstractas.

Entiendo, tengo a una persona haciendo eso, yo solamente le dije: “Haz lo que creas conveniente” (risas). No sé qué pueda estar haciendo, ¿qué tal son las cosas que pone, te gustan?

Sí. De hecho, son palabras muy especiales. No sé si las tengo por aquí, déjame revisar.

Está bien, échales un ojo, quiero saber lo que dice (risas).

Sí, claro. Hay una del 19 de julio que dice: “Jesús odiaría lo que hicimos con este planeta”.

Oh, sí (risas). Eso es un poco en broma, es de una canción de reggae que hicimos, habla sobre la guerra de Irak, es una canción de protesta. Es como todas estas personas cristianas que apoyan la guerra y se supone que siguen a Jesús, pero adelante, vamos con otra más (risas).

Me gusta mucho la última, es del 14 de septiembre, y dice: “Si hay una palabra para ti, no significa nada”.

Ok, eso es algo que escribió mi esposa (risas).

De acuerdo, Doug, pasemos a otro tema. Has citado muchas influencias para tu música, ¿hay algún disco que haya cambiado tu vida?

Sí, hay varios. Mientras crecí escuchaba la radio todo el tiempo, durante los setenta y ochenta, pero me fui formando más cuando era adolescente. R.E.M. surgió en esos tiempos, ahí escuchaba cosas que no estaban en la radio. David Bowie me marcó mucho también, y en especial me interesé en Dinosaur Jr. y Butthole Surfers, No puedo recordar algún álbum en específico, pero creo que el “You’re Living All Over Me” (1987) de Dinosaur Jr. fue el disco que más influenció en mí durante mi proceso más transformativo.

De hecho, en Santiago tocarán en el mismo festival que Dinosaur Jr. en 2012.

¡Oh, genial! Es una gran coincidencia.

Bueno, Doug, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a la gente de Chile?

Sólo quiero decirles que estoy esperando para verlos a todos. ¡Nos vemos en el festival, muchas gracias por tu tiempo!

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