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Alec Empire de Atari Teenage Riot: “Los mecanismos de control se han endurecido con el tiempo”

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“Is This Hyper Real?” (2011), marcó el regreso de una de las bandas insignes de la escena techno durante la década de los noventa. Promocionando su último trabajo, Atari Teenage Riot, visitará por primera vez a nuestro país el próximo 08 de junio en la discotheque Blondie. Alec Empire, fundador del grupo, conversó en extenso con HumoNegro, sobre la nueva era de la banda, las leyes de regulación de Internet y la piratería, y sus expectativas sobre la primera visita de los alemanes a tierras nacionales.

Durante 2011, ATR volvió con nuevo álbum. Después de una serie de sucesos, como el fallecimiento de Carl Crack y el alejamiento de Hanin Elias, para continuar su carrera como solista, cualquiera hubiese pensado que era el momento de echar pie atrás. ¿Cuál fue la razón por la que decidieron seguir adelante y lanzar un nuevo disco?

Bueno, la verdad es que las cosas no pasaron exactamente así. Hanin iba y venía durante los 90´s. Incluso en una grabación oficial de un show en Brixton Academy, ella no se presentó. Carl Crack tampoco actuaba en algunas fechas, porque se encontraba enfermo. Hanin quería dedicarse a hacer su música, algo que yo respetaba, y nunca nos separamos ni nada. Pero cuando Carl Crack murió, continuar no tenía sentido. Por otra parte, yo lanzaba mi carrera como solista con un gran show en Japón, tocando con integrantes de Nine Inch Nails y otras bandas de la escena. Esa era la nueva dirección que quería tomar. Luego, durante 2009, Hanin me contactó para hacer las paces y realizar un show de reunión. Yo estaba muy escéptico sobre esto, en especial por nuestra audiencia, ya que no sabía si seguíamos teniendo una, y de existir, el tratar de revivir una época que ya había pasado, podía jugarnos en contra. Pero quería saber si era posible volver a hacer las cosas bien, por lo que organizamos el show. Estábamos grabando una nueva canción, “Activate”, cuando Hanin comenzó a tener problemas con su voz, que no estaba al cien por ciento y no podía aguantar un concierto completo. Y todo fue un gran drama. El show ya estaba anunciado y teníamos que buscar una solución. Le pedí a Nic Endo (quien había ingresado a la banda a fines de los ‘90) que volviera al grupo, asegurándole que íbamos a trabajar en algo que los fans pudieran disfrutar, sin caer en lo mismo que hacíamos hace diez años. CX KiDTRONiK también se ofreció para participar. Habíamos colaborado antes, en su disco solista, y justo se encontraba en Europa cuando me preguntó si podía tocar con nosotros, ya que él era un gran fan de Carl Crack. Me olía a desastre, ya que si trataba de pararse en el escenario pretendiendo ser Carl Crack, lo único que iba a conseguir, era el rechazo de la gente. Pero luego me dijo, que él no buscaba eso, sino que quería aportar con su propio material y estilo. Y yo dije “de acuerdo, hagámoslo”, si a la gente no le gusta, que se pudran, es sólo un show. Finalmente todo resultó muy bien, “Activate” gustó mucho y empezamos a trabajar como un equipo. Lo que más me llamó la atención, es que la mayor parte del público, eran nuevos fans. Gente que escuchaba a Crystal Castles, y ese tipo de bandas, amaron la música. Incluso para los críticos de música fue algo inesperado, no fue una de esas reuniones tradicionales, era algo distinto.

¿Cómo una nueva era?

Sonaba como eso. Unas semanas antes del show, en Inglaterra había salido electo un gobierno conservador, algo que tenía molesta a mucha gente. De pronto, las cosas comenzaron a hacer sentido. La gente se acercaba a mí después del show para pedirme que continuáramos, con todas las cosas que estaban pasando, necesitaban una banda como nosotros, y eso me movió. Comenzamos a girar de nuevo por el mundo, y se presentó la oportunidad de grabar un nuevo disco. Había muchas cosas que decir, de las que nunca habíamos hablado antes. Hace unos años Internet no tenía el poder que tiene hoy en día, y los mecanismos de control se han endurecido con el tiempo. Todos estos temas fueron los que nos movieron para crear el nuevo álbum. Y claro, es algo muy extraño, porque nunca lo vi venir, sólo comenzamos a tomar decisiones espontáneas y creo que fue lo correcto. Hay una nueva energía en la banda y en el público. Durante los 90´s todo era más nihilista, hoy nuestros show son más enérgicos. Es algo diferente y esa puede ser la razón de porqué funciona.

“Is This Hyperreal?”, marcó el ingreso de CX KiDTRONiK y el regreso de Nic Endo a la banda. ¿Cómo ha sido trabajar con este nuevo equipo?

Muy bien. De hecho hemos agregado a un cuarto miembro, a quien presentaremos el lunes próximo. Es un chico de la escena underground de Inglaterra, que viene a complementar lo que hacemos con Nic y CX. Lo nuestro es “abierto”, si bien algunos miembros se volvieron icónicos, nuestra formación siempre ha estado cambiando para los shows en vivo y las grabaciones en estudio. Nosotros venimos del techno, no somos una banda tradicional, trabajamos de forma distinta y creo que hay que entenderlo en ese contexto.

Su última placa, hace énfasis en la problemática de Internet. Durante este año hemos sido testigos de cómo se ha instalado el tema de la lucha de los derechos de los cibernautas y, cómo el cierre de un montón de sitios, acusados de violar derechos de autor, ha puesto en riesgo la “libertad” de la que siempre ha gozado la red. ¿Cómo ven el panorama para los días que vienen? ¿Es posible perpetuar la libertad del ciberespacio, con la insistencia de los políticos por implantar leyes que coartan la libertad de expresión?

Recuerdo que hace un año, en una entrevista sobre el álbum, muchos periodistas me preguntaban de qué estaba hablando, ese tipo de cosas pasan en Siria o Egipto, no en el resto del mundo. Y ahora vemos lo que esta pasando, y creo que esta década se va a tratar del cómo combatir estas regulaciones, porque lo bueno que tiene Internet, es que la gente tiene acceso a un montón de información gratuita. Con las regulaciones, eso ya no será efectivo. Creo que son tiempos peligrosos, porque en manos equivocadas, estas medidas se pueden usar para espiar a la gente. Y cosas así ya han pasado, como en la boda real en Inglaterra, donde la gente fue arrestada por decir cosas en Facebook. No podemos dejar que estas cosas pasen. El panorama no es bueno, pero espero que la gente se movilice y se una para hacer la mayoría que se necesita para acabar con estas medidas. Porque hay muchos que no tienen idea de lo que esta pasando, por lo que se debe hacer llegar la información a esa gente.

¿Qué opinas sobre el actuar de Anonymous? ¿Crees que puedan ser los precursores de un cambio social?

Sí, debo decir que amo a esos tipos (risas). Me encanta su sentido del humor, son inteligentes y muy buenas personas. Invitamos a uno de ellos al backstage después de un show. De pronto se abrió la puerta y entró un tipo diminuto y fue como “¡Vaya! ¿Esta es una de esas personas tan peligrosas?” (Risas). Fue increíble. Creo que todas sus acciones son justificadas, es una declaración de principios. Si bajas el sitio Web de alguien que tiene mucho poder, demuestra que puedes hacer algo y hacer que la gente se dé cuenta que están sucediendo cosas. Creo que es algo muy bueno, que por lo demás no hace daño a nadie. De esa manera sale a la luz información que esta privada para las personas. Como el caso de Wikileaks, que expuso crímenes y corrupciones que toda la sociedad debería saber. Aquí en Alemania tenemos una mala historia, con una serie de sucesos que han provocado una paranoia en la gente, que vive aterrada por lo que se puede o no se puede decir. Cuando una sociedad cae en eso, es una pesadilla. Por eso creo que es importante que alguien defienda nuestros derechos. Por nuestra parte, como banda, hacemos alusión a Anonymous en dos canciones del último disco, en “Black Flags” y “Rearrange Your Synapses”.

Existe un gran debate con respecto a la piratería. Las discográficas acusan a los piratas de ser los causantes de grandes pérdidas económicas en la industria. Postura que también comparten muchos artistas. ¿Cuál es tú opinión sobre la piratería? ¿La ves como algo perjudicial o favorable para el músico?

Tengo mi propia opinión sobre el tema, creo que es una discusión muy complicada. El debate público jamás ha sido lo suficientemente complejo, como para que la gente lo comprenda. Yo siempre abogaré por los músicos. En nuestro caso, hemos usado la piratería a nuestro favor. Cuando anunciamos que ATR regresaba, pudimos conectar con esta nueva fanaticada, gracias a que nuestro material estaba en Internet, esperando a ser descubierto. Nosotros no subíamos todos nuestros videos a Youtube, empezamos a hacer eso hace medio año, cuando nuestros fans buscaban nuestros videos y todos estaban en una calidad horrenda. Además, venimos de una era diferente y no podemos compararnos con grandes bandas como Radiohead o Nine Inch Nails, cuando ellos dicen que la música debería ser gratuita, puede sonar cínico, porque ellos tienen una gran audiencia y pueden costear el hacer música gratis. Nosotros no podemos hacer eso, no estamos ligados a una gran discográfica, todo lo que hacemos lo producimos nosotros mismos y eso conlleva un gran esfuerzo. Y a la gente le gusta eso, el saber que su dinero no va a parar a los bolsillos de una corporación, sino que al músico. Esa es la gran diferencia, porque no creo que en estos días se pueda vivir de la venta de discos. El problema surge con las bandas emergentes, quienes sufren grandes frustraciones, porque ponen su material en la red, pero no reciben nada a cambio. He visto conciertos pequeños, donde una banda llena un lugar, pero no vende sus discos. Eso lleva a muchas personas a dejar de hacer música y ese es el gran problema. Pero creo que la solución no debe venir del gobierno (risas), por eso es que pienso de forma distinta a muchas personas de la industria musical, porque cuando tienes que recurrir al gobierno para que proteja tu trabajo de la gente, creo que estás haciendo algo mal. Yo creo que debe existir un modelo distinto, pero muchos de los grandes sellos no entienden eso. Hoy en Internet una persona puede elegir lo que quiere escuchar. He conocido a chicos de 17 años que escuchan ATR y van a los conciertos, y yo estoy como “esto es música. Esta persona descubrió un disco que tiene 15 años y lo está escuchando como algo nuevo”. Eso no tiene un sentido lógico, si vienes de una gran discográfica, pero es simplemente gente disfrutando de la música por lo que es. Creo que de eso se trata. La cultura de masas está llegando a su fin. Soy un anarquista y estoy en contra del gobierno y las leyes que afectan a la red y a cualquier cosa que a ellos no les guste. Pero también hay que resolver el conflicto de los nuevos músicos, para que sigan construyendo su arte. Porque si veo hacía atrás, fue gracias a que vendía mis discos, que pude continuar. Por eso debemos encontrar una forma de proteger eso, pero no a través de las leyes que regulan Internet.

Este año realizarán un tour que los traerá por primera vez a las regiones más australes de Latinoamérica. ¿Por qué demoraron tanto en venir?

¡Buena pregunta! (Risas). Siempre quise tocar allá. Recuerdo que siempre había alguien que decía “Oye, podríamos agregar estos lugares en el tour”, pero por alguna extraña razón nunca pasó. Cuando regresamos y estaba algo escéptico con todo, dije “tenemos que ir a Sudamérica”. Pero me dijeron “¿Cuál es el punto de ir allá?” (Risas). Rusia también era un lugar al que quería ir y lo hicimos el año pasado, y fue genial. Estoy muy expectante con estos shows, porque es un público para el que nunca hemos tocado y siempre he creído que eso es una gran experiencia. La gente hizo que esto pasará y nos están esperando, y muchas veces, eso provoca shows muy intensos. Así que estoy ansioso por llegar allá con la banda.

Bueno, como fan, debo decir que los estaba esperando hace mucho tiempo.

¡Y yo estuve esperando por ustedes mucho tiempo! (Risas).

En el videoclip del sencillo “Black Flags”, podemos ver imágenes de distintas manifestaciones ciudadanas alrededor del mundo. Entre ellas, encontramos imágenes de las protestas estudiantiles en Chile. ¿Qué saben del movimiento estudiantil que se ha desarrollado en el país?

Cuando comenzamos con el proyecto del videoclip, dejamos que la gente nos enviara sus imágenes. Comenzaron a mandarnos imágenes de la ocupación en Wall Street. Pensé que sería una buena instancia para documentar estos movimientos. Recibimos las imágenes de las protestas estudiantiles en Chile, y pensé “no había visto algo como esto”. La gente era tan apasionada y activa. Cuando lanzamos el video, se nos acercaron muchos estudiantes diciéndonos que no tenían conocimiento de este movimiento, pero era el mismo fenómeno que estaba sucediendo en todo el mundo. La desigualdad en la educación, las corporaciones y bancos aprovechándose de la gente, pasa en todo el mundo. Y los gobiernos tratan de mantener a su gente como estúpidos, recortando los presupuestos de educación, que para mí es lo más importante, porque es la mejor inversión que alguien podría hacer, poner ese dinero en el futuro del país y de las personas. Y bueno, me sentí orgulloso de recibir esos videos, porque además de mostrar lo que pasa, conecta a la gente. No sé exactamente que habrá pasado en Chile, pero lo que provocó acá es que la gente comenzó a preguntar y a darse cuenta que todos estábamos en la misma batalla. Creo que fue genial que las imágenes hicieran del videoclip algo mucho más interesante, lo llevó a otro nivel. Se transformó en un video viral con su propio concepto, donde la gente pudo dar su opinión e informar.

Durante los últimos años en nuestro país, se ha vivido una explosión de la música electrónica. Festivales y visitas de grandes exponentes de éste género, han causado una gran respuesta por parte del público local. Aun así, pocas veces tenemos la oportunidad de presenciar un show como el de ustedes. El digital hardcore, es un estilo que demanda una gran cantidad de energía. ¿Qué expectativas tienen para su primera visita a Chile?

Primero que todo, creo que es asombroso que la gente escuche nuestra música en tu país. Debes recordar que venimos del undergorund en Berlín. Recuerdo cuando lanzamos nuestro primer disco, el tipo de la disquera nos dijo “Esto no va a vender más de cien copias, nadie va a tomar en cuenta esta música”. Y nosotros estábamos como “¿No has visto cómo la gente se vuelve loca en nuestros shows? ¿De qué estás hablando?”. Bueno después de unos años, esa distribuidora quebró (risas), y nosotros seguimos adelante. Como sea, es genial como la música puede viajar por todos estos lugares. Y por lo mismo, lo mejor de la música, es hacer música, porque te puede llevar a lugares a los que nunca te imaginaste. Y estoy muy emocionado por lo que viene, siempre tuve esa idea romántica de visitar Sudamérica. Por todo el feedback que hemos obtenido a través de las redes sociales, me he podido dar cuenta que allá la gente se manifiesta de manera natural, incluso más que en otros países. Son muy entusiastas y eso, para un músico, es como encontrarse con el público perfecto. Sólo espero que podamos hacer algo muy especial, porque nos ha llevado mucho tiempo ir para allá. Si hace un par de años me decías que en 2012 íbamos a tocar en Chile, no lo hubiese creído (risas). Cuando veo las imágenes de los estudiantes chilenos, creo que debimos haberlos visitado hace mucho tiempo.

Por Sebastián Zumelzu (@SZumelzu)

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Adam Carson de AFI: “Este nuevo disco fue una forma desafiante de hacer las cosas”

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Adam Carson AFI

Una de las constantes tendencias que se dio al inicio de la pandemia fue el hecho de que las bandas no sólo pausaran sus actividades en vivo, sino que también lo hicieran con sus lanzamientos discográficos. Bajo ese escenario se vio AFI ad portas de publicar “Bodies”, su álbum de estudio número 11, pactado originalmente para 2020. Tras la espera, con una pandemia que no se va nunca, la banda finalmente decidió publicar el disco el pasado 11 de junio de 2021, entregando así al mundo un álbum que se caracteriza por mantener la dinámica y energía que el conjunto a cargo de Davey Havok ha presentado durante su carrera.

El lanzamiento de este disco fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con Adam Carson, baterista y único integrante desde 1991 en la banda junto a Havok, para analizar distintos puntos de la composición del álbum, su forma de tocar, la vida en pandemia como padre de familia, sus recuerdos del debut de la banda en Chile, y mucho más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola Adam, te habla Manuel desde Chile. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel. Muy bien, ¿y tú?

Muy bien, gracias. Quisiera partir preguntando, por supuesto, cómo te has sentido durante este período de pandemia. ¿Qué tal todo por allá?

Estoy muy bien, soy un afortunado de poder decir eso. El último año y medio ha sido aterrador, obviamente, y mucha gente ha estado sufriendo alrededor del mundo, por lo que agradezco que mi familia y yo estemos sanos y salvos. Siento que ha sido un período en que sólo tenemos que sentarnos a esperar, ser responsables y no salir a ningún lado. Creo que hay algo de luz al final del túnel, pero sé también que hay muchos países que todavía lo están pasando mal, por lo que no es tiempo de celebrar todavía. Dentro de todo, me siento afortunado de que mi familia y yo estemos bien.

¿Cuál fue tu pasatiempo principal durante estos meses?

Bueno, la verdad es que no he hecho mucho (risas). Obviamente hay cosas que hacer, pero hemos estado ocupados, ya que mi esposa y yo tuvimos un bebé recientemente.

Oh, ¡felicitaciones!

¡Muchas gracias! Tenemos también una niña de cuatro años, por lo que no es como que tengamos tiempo libre para hacer cosas. Realmente envidio a la gente que ha tenido tiempo durante la cuarentena para escribir una novela o concentrarse en algún pasatiempo, hacer todo lo que siempre quisieron hacer. Digamos que hemos pasado la pandemia cambiando pañales y criando a una niña de cuatro años, en eso se va la vida (risas).

Recuerdo un live que hiciste por el Instagram de la banda, donde se escucha a tu hija de fondo tocando la batería, ¿has intentado enseñarle algo?

Oh, sí. Ella tiene una pequeña batería que le gusta andar golpeando por toda la casa, a veces toco con ella, pero no es que sepa tocar correctamente porque es muy pequeña aún. Bueno, no quiero decir que haya una forma correcta o incorrecta de tocar porque eso no existe en la música, pero a ella sólo le gusta hacer ruido (risas). Soy muy cuidadoso de no presionarla en nada, la música debe ser algo que descubras, disfrutes y aprecies, en el momento en que agregas algún tipo de estructura, enseñas que hay un aspecto teórico y todo eso, de cierta forma le quita un poco la diversión. De igual forma estoy muy feliz de que ella disfrute haciendo ruido por la casa.

Adam, pasemos a la música. “Bodies” fue publicado en junio de este año, pero entiendo que ya estaba totalmente listo antes de la pandemia.

Así es, lo teníamos completamente terminado y listo para ser publicado, pero decidimos esperar simplemente.

¿Cómo ejecutaron el proceso durante su composición?

Es curioso porque, independiente de que hicimos este álbum antes de la cuarentena y de que no pudiéramos reunirnos ni trabajar todos juntos en la misma habitación, de igual manera fue un trabajo por separado, lo que es diferente de otros discos de la banda. Normalmente, Davey (Havok, vocalista) y Jade (Puget, guitarrista) harían la composición inicial para crear la melodía y la estructura para presentarle a la banda, luego trabajaríamos juntos para pulir las canciones y luego tener algo concreto para ir al estudio y grabarlas, pero este álbum se construyó en torno a los demos.

Entiendo que cada uno grabó por separado, ¿no es así?

Jade y Davey estructuraron las canciones para luego grabarlas y enviárselas al resto. En este caso, aprendí las canciones por mi cuenta y pude tomar algunas decisiones creativas para aplicarlas en ellas, luego fui al estudio, reemplacé las baterías programadas del demo con mi interpretación y luego se las envié a Hunter (Burgan, bajista), quien atravesó el mismo proceso de analizarlas y crear sus partes en los demos. Luego los chicos nuevamente le aplicaron ajustes, y así fue construyéndose hasta que tuvimos este disco completo y listo para publicarse, sin necesariamente estar todos juntos. Fue una forma desafiante de hacer las cosas y, si me hicieras elegir, habría preferido estar todos juntos tocando, quizás, pero así es como se dio. La tecnología permitió lograr esto y de todas maneras obtuvimos un buen resultado.

¿Quién tomó la decisión de no publicar el disco? ¿Fue algo que discutieron con la banda o el sello se los pidió?

Fue una decisión de la banda. Siempre hemos publicado discos para luego salir de gira y tocar las canciones para la gente, es la forma en que nos gusta compartir nuestra música. Cuando sacamos un disco generalmente tocamos casi de inmediato, así compartimos el entusiasmo de la gente de haber escuchado el disco y a la siguiente semana ya estar escuchando esas canciones interpretadas en vivo. Eso es algo importante para nosotros, somos una banda que ama tocar en vivo.

El timing fue casi perfecto porque ni siquiera se alcanzó a anunciar, así que no fue necesario postergarlo de alguna manera.

De haber seguido el plan original, el disco habría salido justo en el punto álgido de la pandemia, cuando de pronto nos dimos cuenta de que muchas cosas no eran tan importantes como parecían. Creo que el mundo colectivamente comenzó a darse cuenta de lo que es verdaderamente importante, todo era acerca de sobrevivir y protegernos unos a otros, comprender qué es lo que está correcto durante esta pandemia. Es raro cuando el mundo piensa de manera colectiva, y eso se dio de alguna manera, por lo que no se sentía correcto publicarlo. Además que sabíamos que no podríamos hacer shows, así que era mejor esperar. Quisimos esperar que pasara la pandemia, pero no hacía más que empeorar, así que pensamos que era mejor publicarlo y así fue como salió.

Algo que me llamó mucho la atención de este disco es que publicaron casi todas las canciones como adelantos. ¿Por qué lo lanzaron de esa forma?

Actualmente, cada vez que sale un disco, hay como unos días de entusiasmo en internet, pero luego eso se termina de repente. Es interesante porque nadie recibe su música desde el mismo lugar, no existe un solo lugar donde la gente pueda acceder a ella, sino que lo hacen a través de distintas plataformas. Ya no se escucha la radio de la misma manera, en la televisión no se pasan videoclips, es un mundo distinto, por lo que la vida de un nuevo disco es muy corta. La gente sigue escuchándolo, obviamente, pero es un período muy breve en el que es “lo nuevo” de lo que la gente está hablando.

Bajo ese contexto tiene sentido, se le da una longevidad más consistente.

Disfrutamos construir este disco y anticiparlo con canciones cada cierto tiempo, eso permitió que ese entusiasmo e interés en la banda se mantuviera, y puedes mantener la atención de la gente por más tiempo. Admito que con este disco nos pasamos un poco: cuando salió, finalmente había sólo unas dos canciones que la gente no conocía (risas), pero creo que lo más importante es que fueron varios meses en que los fans de AFI tuvieron ese sentimiento de comunidad, donde pudieron comentar y conversar sobre cada canción puntualmente. Eso es lo bueno de tener una comunidad de fanáticos tan leal, después de todo este tiempo siguen apoyándonos.

Ya que mencionaste a los fans, hablemos del show que tuvieron en Lollapalooza Chile 2014. Lo recuerdo como una de las presentaciones más increíbles en la historia del festival, la gente en las primeras filas lloraba y cantaba a todo pulmón, había una energía tremenda en el ambiente de verlos tocar por primera vez en Chile. ¿Qué recuerdas de ese día en particular? 

Recuerdo ese show muy bien; estaba muy entusiasmado de estar en Sudamérica, en Chile sobre todo, que fue nuestro primer show. Era la primera vez que llegábamos a esa parte del continente, y era un lugar que quería visitar toda mi vida, estaba maravillado, pero a la vez muy nervioso al no saber qué esperar, ya que era un festival muy grande. Eran unas 10 mil o 15 mil personas esperándonos y no sabía si eran asistentes curiosos o realmente fanáticos nuestros, pero cuando empezamos a tocar el publico se volvió loco. Tengo videos de ese show que miro de vez en cuando, era nuestro primer show en Sudamérica y fue muy genial. Fue como un alivio inmediato saber que eran realmente nuestros fans y no gente que solamente vería un par de canciones para luego irse a otro escenario (risas). Se dio una química increíble, respondieron excelente tanto al material antiguo como al nuevo, fue fantástico.

Adam, se nos acaba el tiempo, pero quiero volver a “Bodies” antes de terminar. Dijiste que aplicaste tus propias decisiones creativas a los demos que te enviaron los chicos, y me hace sentido porque siento que la batería es el núcleo central del disco. Te escuchas muy concentrado dándole una atmósfera general a todas las canciones, casi como si fuera el corazón de todo el relato. ¿Cuál fue el enfoque que le diste a las partes de tu instrumento en el disco?

Oh, muchas gracias. Es una pregunta difícil, no lo tengo bien claro porque fueron decisiones que tomé de manera individual por cada canción. Había decisiones que estaban tomadas antes de que recibiera las canciones. Hay algunas donde la batería era bien desafiante, así que no quise modificarlo mucho por mi cuenta; como baterista intento no llevarme la atención, sino que ser un sustento de la canción. Jade, por su parte, tenía un demo donde había un solo de batería de tres minutos y medio, era “Twisted Tongues” si no me equivoco. Yo estaba en plan de “de acuerdo, lo haré” (risas), pero sí siento que este disco es un trabajo bien orientado en la batería, estoy agradecido de que la gente lo note. Tienes razón en ese sentido, de que la batería es la columna vertebral en varias canciones, así que estoy feliz de haber hecho mi parte.

Muchas gracias por tu tiempo, Adam, y felicitaciones por el disco y por tu familia. Espero verte con la banda tocando nuevamente en Chile el día que pase toda esta pandemia. Cuídate mucho.

Estaré encantado de volver a Chile, espero poder verlos nuevamente. Ojalá se pueda concretar en un futuro. ¡Nos vemos!

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