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Entrevistas

Alain Johannes: “Aún tengo mucha música para dar”

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Uno de los músicos y compositores más importantes del rock alternativo mundial tiene también una gran historia detrás. Alain Johannes Moschulski nació en Chile, pero antes de cumplir dos años se fue por el mundo con su familia, y eso lo forjó como un alma curiosa que encontró su lugar en la música. Ahora Alain vendrá a tocar en Chile el próximo 17 de junio en Bar Loreto, además de presentar a fin de mes el documental “Unfinished Plan. The Path Of Alain Johannes”, dirigido por Fito Gárate, el que fue estrenado en el Festival In-Edit Nescafé, pero que tendrá su estreno en salas comerciales desde el mes de julio. Antes de que Alain tome el avión que lo traerá desde Los Angeles, California, a Santiago de Chile, respondió de forma sincera a todo lo que le preguntamos; desde sus sensaciones tras la muerte de Chris Cornell, hasta la posibilidad de nueva música, como siempre destilando sencillez y, sobre todo, un candor y luz como el que expelen los grandes artistas.

Hola, Alain. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel, esperaba tu llamada. Todo bien, aquí, recuperándome. Sanando poco a poco.

¿Por qué? ¿Qué te pasó?

Bueno, todo coincidió. Primero una cirugía en la boca, después el cansancio tras la gira con Polly (PJ Harvey), y luego lo de Chris (Cornell) que me dio un golpe tremendo. ¡Uf! Además, eso abrió las cicatrices otra vez. Entonces, estoy intentando rectificar la alineación espiritual (risas). Fue muy fuerte. Lo triste es que ya me estoy acostumbrando.

Entonces hablemos de algo más positivo, porque vendrás a Chile a presentarte en vivo en formato trío con los hermanos Foncea.

Sí, será estilo Eleven, con el teclado haciendo el bajo con la mano izquierda, tal como lo hacía Natasha (Shneider, ex pareja y miembro de Eleven, fallecida en 2008), yo con guitarra y Cote en batería, y eso nos permitirá hacer varias canciones que hace unos 20 años que no tocamos. Material de todos los discos de Eleven y también temas de Desert Sessions, de los discos “Spark” (2010), “Fragments And Wholes, Vol. 1” (2014), y luego puedo hacer un alto en ese formato, sentarme y hacer temas solo con la guitarra o la cigarbox.

¿Cuándo llegas a Chile?

El 13 de junio. Luego de eso vienen un par de días de ensayos, y de ahí quiero aprovechar de ver a la familia porque hace mucho que no voy a Chile. Ya van a ser casi dos años. Desde noviembre o diciembre de 2015, antes de la muerte de Peter (Rock, su tío) en abril de 2016.

¿Te da más nostalgia cada vez que vienes a Chile cuando te vas y vuelves al ruedo?

Sí, totalmente. Igual yo me salí de 11AD (casa y estudio de Alain en Los Angeles) después de 20 años, donde grabamos “Euphoria Morning” (1999), discos de Eleven, de Queens Of The Stone Age, y me estoy quedando donde mi hermana que también vive en L.A., pero a una hora de Hollywood, entonces es un ritmo más natural, con la playa, montañas. Me dio una habitación para dormir, otra para armar una versión más pequeña de mi estudio y dejé con amigos mis instrumentos. Dejé atrás el pasado saliendo de 11AD porque era muy fuerte como centro creativo, pero también estaba muy cargado de recuerdos. Eso lo necesitaba para seguir adelante, y siguen pasando cosas. Me siento preparado para continuar y ponerme bien de salud, aplacar un poco el cigarro (risas) y el vino (más risas) porque tengo tanta música que me sobra y quiero compartir.

Pensando en ese material, has estado con PJ Harvey y habitas un espacio más chico, fuera de 11AD. ¿Cuánto puede influir aquello en la nueva música que vas a hacer?

Lo que tengo ahora es un cuarto de control con la consola y todo, y es como “Spark”, que lo hice en tres metros cuadrados en cuatro días. Lo que se me pasa por la mente son varios discos que vienen, y el primero es uno estilo “field recording”, o sea, ir por distintas partes con un micrófono y recoger sonidos de distintos lugares del mundo. Así, en vez de tratar de hacer la segunda parte de “Fragments And Wholes”, puedo hacer este otro proyecto. Por cierto, tengo más de cien pedacitos de canción, de los cuales 15 son muy buenos como para desarrollar alguna composición; por eso se llamaba “Fragments”, porque subía pedacitos de segundos de duración a Instagram casi como terapia. Estaba pensando también que estaré tres semanas en Chile, entonces podría ver el proceso de crear música con los Foncea, que tienen esta sensación de vivir allá y yo quiero impregnarme de eso, además que he escrito poesía en español y sería bueno cantar en español. Sería diferente (risas). Creo que puedo lograr tener un acento exagerado, como alguna gente que canta por ahí (risas).

Imagino que en el formato trío surgen recuerdos de Eleven y también del trabajo entre tú, Natasha y Chris Cornell.

Sí, efectivamente. En especial de cuando hicimos la gira con la banda, con Greg Upchurch, Ric Markmann, que son quienes vinieron cuando Jack Irons salió de Eleven para tocar con Pearl Jam porque sabíamos que Eddie Vedder lo iba a llamar. Sólo era una cuestión de cuándo y ahí encontramos a Greg, además de Matt Cameron que nos ayudó con cuatro temas, que fue otra versión de Eleven.

Felo y Cote Foncea vienen de diferentes veredas musicales, uno más r&b y música negra, y el otro más rockero, más directo. ¿Crees que eso podría ayudar con crear material diferente para ti?

Sí, porque el fraseo de Felo tiene las mismas raíces de Natasha, que era rockera, pero que también empezó con r&b, Aretha Franklin, Stevie Wonder, e inclusive la primera disquera que sacó algo con ella a principios de los 80 cuando integraba Black Russian fue Motown, con ese sello y ese fraseo bien sexy. He escuchado a Felo y él canaliza bien esa forma.

Ellos logran, casi como Natasha con Jack, hasta proponer contramelodías e ir a contrapelo de la canción, y con ello aportan a ponerle capas al sonido.

Y precisamente es esa riqueza la que se necesita que fluya. Nosotros con Natasha siempre le decíamos a la disquera que estábamos listos antes de grabar los discos, luego llegábamos allá y no teníamos nada preparado, entonces sentíamos la presión de tener que hacerlo en cuatro días. Por eso no estoy preparando nada, y cuando llegue a los Estudios Foncea veré si surge algo. Máximo haré cinco shows en tres semanas en Sudamérica, entonces quedará tiempo para ver si podemos grabar un EP de tres a cinco canciones o, de lo contrario, partir el proceso, porque yo de todas formas tengo que ir con Polly (PJ Harvey) en julio y agosto, y de ahí tengo unos meses libres.

Ese ha sido un gran tour, con tantos músicos y con la propia PJ Harvey…

Cuando se termine esa gira quedaré muy triste, porque ha sido una de las mejores etapas como miembro de banda para mí. El nivel de cada persona en esa banda, y el nivel en que armamos una familia sin ego, es increíble. Hay leyendas de culto, como Mick Harvey que tocaba con Nick Cave And The Bad Seeds, por ejemplo. Es la primera banda de mi vida donde no hay sistema jerárquico y eso tiene que ver con Polly, que es una artista de nivel increíble, que vive para la música, y por eso no hay temas de personalidad. El enfoque es todo para la canción, lo que se necesite. Cuando no estamos de gira, hablamos por WhatsApp, y cuando nos reencontramos es casi como reunión familiar, muy especial.

Y eso se repite en otros proyectos, de alguna forma dejando en claro que es importante -para ti o para otros- la humildad y evitar el egoísmo, ¿no?

Es que es la forma de hacerlo para que todo fluya, y eso es lo que me gusta de mi trabajo de productor, porque entregas esfuerzo para que otro logre sus objetivos, y también es lo que me gustó de QOTSA o de Them Crooked Vultures, donde me llamaron y la idea era ayudar a que todo resultara de maravilla.

Tú hablabas de un field recording, y ahora vienes a presentar un documental, ¿has pensado en una mayor relación también con lo audiovisual?

Totalmente. De hecho, vengo de hacer el soundtrack para el videojuego “Ghost Recon Wildlands”, y eso fue casi improvisado, con una hora de música. Lo desarrollé siempre viendo el mapa de Bolivia que fue recreado para ese juego, y eso me inspiró. No sé si tuve mucha suerte porque es una compañía francesa, y Manu (Bachet) y Ghislain (Soufflet), productor y supervisor musical, tenían esta idea cercana a lo que hizo Neil Young para la película “Dead Man” de Jim Jarmusch. Me encantaría encontrar a alguien con quien colaborar. Toda mi vida crecí con el cine, con el cine francés, Fellini, Kurosawa, y en esos tiempos había simbiosis entre director y compositor desde el principio y se formaba todo orgánicamente. Ahora en Hollywood te lo entregan casi al terminar con una música tipo y te piden casi que copies algo lo suficientemente bien como para que no lleguen los abogados a reclamar (risas).

También colaboraste con la música del documental de la tragedia en Le Bataclan, de Eagles Of Death Metal.

Ahí fue un proceso muy difícil. Fue bueno trabajar en eso por el documental que es muy bueno, pero es difícil porque estuve casi ahí mismo. Yo estuve con Eagles en Londres el día antes, y en vez de irme con ellos a París al show, que era el plan original, me fui al sur de Francia con un amigo, y fue un horror cuando sonó el teléfono mientras cenábamos. Terrible.

Y estamos en un mundo donde aparecen hechos así a cada rato.

Por eso tenemos una responsabilidad como artistas hoy y de todos los medios, de seguir y reenfocar porque podemos influir en lo positivo, en la gente, en el sentido de comunidad global, para evitar la división que siempre creamos. Hay que levantarse cada día y seguir la pasión y la entrega por lo que te hace feliz. Siempre con amor y conexión.

Antes de terminar, te quiero preguntar por momentos felices con Chris Cornell. Dado que tanto lo hemos llorado, quizás tú tengas alguna historia linda con él, una de tantas.

Hay tantos. Como cuando grabamos juntos “Euphoria Morning” y vivimos juntos en 11AD prácticamente siete meses, donde él, cada dos o tres semanas, iba un rato a Seattle y volvía. Ahí realmente vivimos la música. Se supone que Daniel Lanois iba a producir el disco, y nosotros tres mientras seguíamos escribiendo. El día en que Daniel dijo que no podía hacerlo, Natasha de inmediato dijo que no importaba, que grabáramos de inmediato, y ese fue nuestro secreto por siete meses. En esa etapa cenábamos, íbamos a ver películas, experimentábamos con sonidos, era increíble. Como también lo fue en la época de “Down On The Upside” (1996). Cuando Hollywood Records le terminó el contrato a Eleven, Chris nos llamó para que giráramos por Europa con ellos y le dijimos que no teníamos dinero. Él dijo que llamaba en diez minutos, habló con los integrantes de Soundgarden y cada uno puso 15 mil dólares y nos llamaron para que fuéramos. Eso nunca pasa. Es increíble que la banda principal le pague a la telonera para hacer una gira europea por seis semanas.

Es increíble, tanta generosidad. Bueno, Alain, se nos acabó el tiempo. Esperemos se concreten las fechas en Valparaíso, Concepción y más.

Muchas gracias, Manuel, también lo espero. Nos vemos.

Por Manuel Toledo-Campos

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Felipe Morales

    08-Jun-2017 en 2:17 pm

    Concepción? Cuando habrá noticias de eso?

  2. María José CP

    19-Jun-2017 en 11:45 pm

    Ídem… va o no va lo de conce??

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Entrevistas

Mark Lanegan: “Creo que toda esa cosa del streaming es una operación criminal”

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Mark Lanegan

Sin duda que una extensa carrera como la suya, ha hecho que Mark Lanegan guste de ir innovando y cambiando de dirección en cada trabajo que realiza, por lo que su álbum “Somebody’s Knocking” (2019) es una muestra perfecta de todas las distintas influencias que el músico ha ido adquiriendo con los años, donde la música que escuchaba en su juventud parece no dejarlo de lado a la hora de buscar inspiración para crear sus propias canciones. Con una obra tan amplia en términos sonoros, Lanegan tiene muy claro qué camino seguir cuando se trata de estructurar un disco a su medida, y bajo el contexto de este nuevo álbum, el músico se tomó un tiempo para conversar con HumoNegro sobre distintos aspectos de este disco.

Desde el proceso de composición, las inspiraciones detrás de algunos tracks puntuales del álbum, la forma en que elabora su repertorio cuando debe incluir nuevas canciones, la música que está escuchando durante el último tiempo y sus intenciones de visitar Sudamérica, entre otras cosas, es que conversamos con Mark en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Acabo de escuchar tu último disco y está increíble. Así que quiero que partamos hablando un poco del proceso detrás de él. ¿Cómo fue toda la preparación de este trabajo?

Un montón de la música fue hecha por un amigo mío llamado Rob Marshall, guitarrista-compositor británico. Escribimos un montón de canciones para “Gargoyle” juntos y él puso la idea en mi cabeza de hacer un álbum doble, cosa que yo había querido hacer por bastante tiempo. Nos pusimos en marcha y coescribí un montón de música con él. Luego, también un amigo mío danés, llamado Sietse Van Gorkom, quien ha tocado cuerdas en mis álbumes y en un disco que hice en 2014 llamado “Phantom Radio”, coescribió una canción titulada “The Killing Season” conmigo. Entre él y Rob escribimos la mayoría del disco juntos. También compuse una de las canciones con Martin Jenkins, un tipo británico que graba bajo el pseudónimo de Pye Corner Audio; es un artista electrónico. Y luego escribí mi canción favorita con Alain Johannes, mi productor de hace muchos años. Todo está coescrito con otras personas. Quise hacer un álbum doble porque quería específicamente poner tantas canciones descaradamente pegajosas que podrían ser sencillos en él solamente, porque es algo que nunca había hecho antes. Probablemente nunca lo volveré a hacer, pero creo que he logrado mi meta y estoy feliz con ello.

¿Adaptaste más canciones o usaste el material descartado de otros discos? 

No, para nada, todo es totalmente nuevo, excepto por una canción, “Penthouse High”, que escribí con Alain Johannes, y que habíamos compuesto originalmente para “Gargoyle” y luego, mientras armábamos el disco, nos dimos cuenta de que realmente no encajaba con ese álbum. Pero esa fue escrita literalmente unos pocos meses antes de que empezáramos a trabajar en este disco, sólo que no terminó en el disco anterior. Fue la única canción que no era “totalmente nueva”, todo lo demás fue escrito al mismo tiempo que lo grabábamos.

Hablando de esa canción, leí en una entrevista que te inspiraste en New Order para hacer este track.

New Order, Depeche Mode, el synth-pop clásico que disfruté en los 80 y 90. Básicamente, quería hacer mi versión de una canción disco y Alain me ayudó a concretarlo, así que quedé muy satisfecho. Este disco tiene una vibra muy oscura, como la de algunas bandas de los ochenta.

Además de las mencionadas, ¿qué otras bandas fueron las influencias más grandes de este álbum?

Bueno, este disco para mí es una caja de sorpresas de influencias. Digo, puedo escuchar a The Stooges en él, a Love, a Joy Division, a Bauhaus o a New Order, un montón de las bandas que amo. Siempre he llevado mis influencias a flor de piel y no me avergüenza decir de donde mierda pido cosas prestadas. Y este disco es sólo mi versión de toda la música que he amado a lo largo de los años.

¿Qué estás escuchando ahora mismo, en estos días?

En estos días estoy escuchando principalmente música electrónica underground, un montón de cosas que no incluyen nada de canto. Principalmente es donde mi corazón está. O sea, aún escucho muchos favoritos del post-punk, ya sabes, como Joy Division, Siouxsie And The Banshees, Bauhaus, todo ese tipo de cosas.

Mark, entiendo que te gusta tener una sensación constante en todos tus discos, una vibra. Siento que este nuevo disco la tiene, pero estoy un tanto curioso por preguntarte: ¿cómo adaptas eso en sets en vivo cuando no tocas todas las canciones de principio a fin o de un álbum?

Armar un set en vivo es como armar una secuencia para un disco, que es algo que yo considero una forma de arte, algo que ya no es desafiante, ya que la mayoría de la gente consigue música vía streaming. Pero cuando armo un disco lo pienso a la vieja escuela: las primeras canciones que escribo son el principio y el final del disco, y de ahí incluyo el medio. Y es de la misma manera que cuando escribo un setlist, es como hacer un disco más grande que incluye registros o canciones de tus otros discos, pero es lo mismo, es la misma habilidad. Es sólo una cuestión de hacer que la mierda fluya, que tenga un auge y caída, esos momentos dramáticos. Sólo lo pienso de la misma manera, pero en un sentido más grande. De hecho, obtengo más oportunidad de disfrutar de esa parte del proceso cuando armo un setlist que cuando armo un disco, porque generalmente un disco tiene menos canciones y yo toco durante una hora y media. Aún no he hecho un disco de treinta canciones, pero he hecho setlist de treinta canciones (risas).

Leí que dices que hacer esto para un álbum es como hacer un setlist que dure para siempre, es decir, no puedes cambiar eso. Pero con plataformas de streaming como que, no sé, la gente no disfruta de los álbumes completos en la actualidad. ¿Qué piensas de eso?

Bueno, para empezar, creo que toda esa cosa del streaming es una operación criminal y que los artistas son los que están siendo arruinados. Las compañías discográficas han hecho tratos con estas compañías y ellos están ganando millones, pero los artistas están ganando menos que en los días en los que Bo Diddley comercializó todas sus ediciones para “Cadillac”. Puedo lograr 500 mil reproducciones en Spotify y ganar más dinero trabajando part-time en McDonald’s, eso es lo que pienso sobre el streaming. Y, además, eso no va a cambiar mientras viva, nunca va a cambiar porque no son solamente las compañías de streaming y las discográficas, sino que ahora tenemos una tercera generación de gente que ha crecido pensando que esta es la forma en la que consigues música. ¿Va la gente a empezar, de un momento a otro, a pagar por comprar discos? No, eso está en un futuro lejano. Pero, desafortunadamente, ha hecho que sea extremadamente difícil para artistas como yo, que dependía de la venta física de discos y que obtenemos menos del porcentaje de un centavo por cada reproducción. Entonces no ganamos nada por el streaming; nosotros no somos quienes ganamos dinero por eso. Spotify y las discográficas son los que están ganando. Creo que es un crimen, es un puto crimen.

Lo es. Es también como un mundo diferente. Recuerdo que una canción de Drake fue la más reproducida el año pasado, pero yo nunca he escuchado esa canción, y eso que, por mi trabajo, escucho música todo el tiempo. Es verdaderamente un mundo aparte del resto.

No sé, esto está hecho para ganar dinero gracias a los artistas. No lo entiendo, para ser honesto, no entiendo toda esta industria discográfica estos días.

¿Piensas que tal vez algún día todo el concepto de un álbum cambiará para siempre, que quizás los artistas no lanzarán discos en el futuro?

Por supuesto. Digo, ese parece ser el camino hacia donde todas las cosas están apuntando. Pero sí sé esto: la forma en la que yo gano la mayor parte de mi dinero es con los bootlegs que yo mismo grabo en vinilo. En otras palabras, yo mismo grabo mis shows, creo mis propios vinilos y los vendo en mis conciertos. Y así es como realmente me sostengo económicamente. Entonces, hay gente ahí fuera que siempre comprará álbumes. Habrá menos a medida que pasan los años. Ojalá haya suficientes para mantener un ingreso hasta que esté muerto. O sea, mira: ni siquiera creo que vaya a haber un país habitable en cien años, así es cómo me siento sobre las cosas. Hacia allá siento que van las cosas. Esa es la violación de este mundo hecha por estos políticos que están destruyendo la atmósfera. Los Angeles será inhabitable, Nueva York estará sumergida bajo el agua, estará tan caluroso en todos lados, que la gente no podrá producir cultivos, no habrá cosas para comer. Esa es mi visión del futuro. Entonces, cualquier cosa que pase en el negocio de la música, es insignificante. Ojalá esté muerto para cuando todas estas situaciones entren en juego, porque eso es lo que creo que está pasando en este futuro. Odio ser un aguafiestas, pero es lo que se nos viene.

Mark, quiero volver a cuando estábamos hablando de tu disco. Dices que siempre haces la primera y la última canción, y después empiezas a llenar el espacio vacío en el álbum. ¿Es así como siempre has trabajado?

Sí, así es como he trabajado siempre. Busco la primera o la última canción, y luego trato de rellenarlo. Porque hay ciertas canciones que naturalmente sientes que será la primera en el disco, y luego hay otras que naturalmente sientes que podría ser la última, porque para mí es la primera, la última, quizás la tercera o la cuarta canción en un disco las que son las más importantes. La primera es la más importante porque es tu introducción. “Esto es de lo que se va a tratar este disco, esto es lo primero que la gente va a oír”. Y en la tercera o cuarta canción es generalmente donde pongo el que considero es el sencillo más fuerte, la que puede tener la mejor oportunidad de ser tocada en la radio porque ahí es donde naturalmente pertenece en mi mente. Y luego, la última canción es la más importante para mí porque esa es en la que realmente digo “adiós”, y puede que sea por última vez porque nunca sabes lo que va a pasar en este mundo o cuál va a ser tu último disco. Trato de hacer de ese tema una canción importante, una que sea significativa para mí y, ojalá, para otra gente.

Has dicho que trabajas con letras instintivas. ¿Eso quiere decir que siempre la música vino antes y luego empiezas a escribir las letras?

Bueno, depende. Si estoy escribiendo una canción solo, ambas salen al mismo tiempo. En otras palabras, cuando estoy haciendo sonidos en un instrumento, también estoy haciendo sonidos con mi voz, y es el mismo método si alguien más me entrega la música. Cuando estoy escuchando música por primera vez, también estoy haciendo mi mapa vocal por primera vez, y usualmente termina siendo casi igual a lo que empecé haciendo la primera vez. Eso quiere decir que no estoy necesariamente escribiendo palabras, pero estoy haciendo sonidos y frases sin saber realmente hacia dónde la música va a ir, especialmente si, por supuesto, alguien más ha escrito la música, no sé dónde están los cambios. Yo sólo la sigo instintivamente y luego pongo las palabras que parecen ser las apropiadas para esa pieza de música y esa melodía. Nunca con el pensamiento de sobre lo que trata o lo que significa. A veces, sólo años después descifro lo que estaba diciendo, pero a veces no sé lo que estoy diciendo. La mayoría de las veces siento que estoy solamente invocando a alguien más. Por ejemplo, si alguien me entrega una pieza de música, en diez minutos puedo tener una parte vocal y letras escritas para ella. Soy rápido, soy así de rápido, pero no soy realmente yo. Sólo siento que es algo que viene a través de mí desde otra parte.

Mark, me gustaría terminar esta entrevista preguntando si tendremos la oportunidad de escuchar estas nuevas canciones en vivo aquí en Sudamérica en el futuro cercano.

Ciertamente, espero que sea así. Amo ir a Santiago, es una de mis ciudades favoritas de todos los tiempos y amo el público allá. Generalmente voy una vez cada tres años, más o menos, pero con el favor de Dios estaré allá tan rápido como pueda porque es uno de mis lugares favoritos.

Muy bien, esperamos verte acá. Gracias por tu tiempo, fue un placer.

El placer es mío. Un agrado hablar contigo.

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