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Entrevistas

Alain Johannes: “Aún tengo mucha música para dar”

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Uno de los músicos y compositores más importantes del rock alternativo mundial tiene también una gran historia detrás. Alain Johannes Moschulski nació en Chile, pero antes de cumplir dos años se fue por el mundo con su familia, y eso lo forjó como un alma curiosa que encontró su lugar en la música. Ahora Alain vendrá a tocar en Chile el próximo 17 de junio en Bar Loreto, además de presentar a fin de mes el documental “Unfinished Plan. The Path Of Alain Johannes”, dirigido por Fito Gárate, el que fue estrenado en el Festival In-Edit Nescafé, pero que tendrá su estreno en salas comerciales desde el mes de julio. Antes de que Alain tome el avión que lo traerá desde Los Angeles, California, a Santiago de Chile, respondió de forma sincera a todo lo que le preguntamos; desde sus sensaciones tras la muerte de Chris Cornell, hasta la posibilidad de nueva música, como siempre destilando sencillez y, sobre todo, un candor y luz como el que expelen los grandes artistas.

Hola, Alain. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel, esperaba tu llamada. Todo bien, aquí, recuperándome. Sanando poco a poco.

¿Por qué? ¿Qué te pasó?

Bueno, todo coincidió. Primero una cirugía en la boca, después el cansancio tras la gira con Polly (PJ Harvey), y luego lo de Chris (Cornell) que me dio un golpe tremendo. ¡Uf! Además, eso abrió las cicatrices otra vez. Entonces, estoy intentando rectificar la alineación espiritual (risas). Fue muy fuerte. Lo triste es que ya me estoy acostumbrando.

Entonces hablemos de algo más positivo, porque vendrás a Chile a presentarte en vivo en formato trío con los hermanos Foncea.

Sí, será estilo Eleven, con el teclado haciendo el bajo con la mano izquierda, tal como lo hacía Natasha (Shneider, ex pareja y miembro de Eleven, fallecida en 2008), yo con guitarra y Cote en batería, y eso nos permitirá hacer varias canciones que hace unos 20 años que no tocamos. Material de todos los discos de Eleven y también temas de Desert Sessions, de los discos “Spark” (2010), “Fragments And Wholes, Vol. 1” (2014), y luego puedo hacer un alto en ese formato, sentarme y hacer temas solo con la guitarra o la cigarbox.

¿Cuándo llegas a Chile?

El 13 de junio. Luego de eso vienen un par de días de ensayos, y de ahí quiero aprovechar de ver a la familia porque hace mucho que no voy a Chile. Ya van a ser casi dos años. Desde noviembre o diciembre de 2015, antes de la muerte de Peter (Rock, su tío) en abril de 2016.

¿Te da más nostalgia cada vez que vienes a Chile cuando te vas y vuelves al ruedo?

Sí, totalmente. Igual yo me salí de 11AD (casa y estudio de Alain en Los Angeles) después de 20 años, donde grabamos “Euphoria Morning” (1999), discos de Eleven, de Queens Of The Stone Age, y me estoy quedando donde mi hermana que también vive en L.A., pero a una hora de Hollywood, entonces es un ritmo más natural, con la playa, montañas. Me dio una habitación para dormir, otra para armar una versión más pequeña de mi estudio y dejé con amigos mis instrumentos. Dejé atrás el pasado saliendo de 11AD porque era muy fuerte como centro creativo, pero también estaba muy cargado de recuerdos. Eso lo necesitaba para seguir adelante, y siguen pasando cosas. Me siento preparado para continuar y ponerme bien de salud, aplacar un poco el cigarro (risas) y el vino (más risas) porque tengo tanta música que me sobra y quiero compartir.

Pensando en ese material, has estado con PJ Harvey y habitas un espacio más chico, fuera de 11AD. ¿Cuánto puede influir aquello en la nueva música que vas a hacer?

Lo que tengo ahora es un cuarto de control con la consola y todo, y es como “Spark”, que lo hice en tres metros cuadrados en cuatro días. Lo que se me pasa por la mente son varios discos que vienen, y el primero es uno estilo “field recording”, o sea, ir por distintas partes con un micrófono y recoger sonidos de distintos lugares del mundo. Así, en vez de tratar de hacer la segunda parte de “Fragments And Wholes”, puedo hacer este otro proyecto. Por cierto, tengo más de cien pedacitos de canción, de los cuales 15 son muy buenos como para desarrollar alguna composición; por eso se llamaba “Fragments”, porque subía pedacitos de segundos de duración a Instagram casi como terapia. Estaba pensando también que estaré tres semanas en Chile, entonces podría ver el proceso de crear música con los Foncea, que tienen esta sensación de vivir allá y yo quiero impregnarme de eso, además que he escrito poesía en español y sería bueno cantar en español. Sería diferente (risas). Creo que puedo lograr tener un acento exagerado, como alguna gente que canta por ahí (risas).

Imagino que en el formato trío surgen recuerdos de Eleven y también del trabajo entre tú, Natasha y Chris Cornell.

Sí, efectivamente. En especial de cuando hicimos la gira con la banda, con Greg Upchurch, Ric Markmann, que son quienes vinieron cuando Jack Irons salió de Eleven para tocar con Pearl Jam porque sabíamos que Eddie Vedder lo iba a llamar. Sólo era una cuestión de cuándo y ahí encontramos a Greg, además de Matt Cameron que nos ayudó con cuatro temas, que fue otra versión de Eleven.

Felo y Cote Foncea vienen de diferentes veredas musicales, uno más r&b y música negra, y el otro más rockero, más directo. ¿Crees que eso podría ayudar con crear material diferente para ti?

Sí, porque el fraseo de Felo tiene las mismas raíces de Natasha, que era rockera, pero que también empezó con r&b, Aretha Franklin, Stevie Wonder, e inclusive la primera disquera que sacó algo con ella a principios de los 80 cuando integraba Black Russian fue Motown, con ese sello y ese fraseo bien sexy. He escuchado a Felo y él canaliza bien esa forma.

Ellos logran, casi como Natasha con Jack, hasta proponer contramelodías e ir a contrapelo de la canción, y con ello aportan a ponerle capas al sonido.

Y precisamente es esa riqueza la que se necesita que fluya. Nosotros con Natasha siempre le decíamos a la disquera que estábamos listos antes de grabar los discos, luego llegábamos allá y no teníamos nada preparado, entonces sentíamos la presión de tener que hacerlo en cuatro días. Por eso no estoy preparando nada, y cuando llegue a los Estudios Foncea veré si surge algo. Máximo haré cinco shows en tres semanas en Sudamérica, entonces quedará tiempo para ver si podemos grabar un EP de tres a cinco canciones o, de lo contrario, partir el proceso, porque yo de todas formas tengo que ir con Polly (PJ Harvey) en julio y agosto, y de ahí tengo unos meses libres.

Ese ha sido un gran tour, con tantos músicos y con la propia PJ Harvey…

Cuando se termine esa gira quedaré muy triste, porque ha sido una de las mejores etapas como miembro de banda para mí. El nivel de cada persona en esa banda, y el nivel en que armamos una familia sin ego, es increíble. Hay leyendas de culto, como Mick Harvey que tocaba con Nick Cave And The Bad Seeds, por ejemplo. Es la primera banda de mi vida donde no hay sistema jerárquico y eso tiene que ver con Polly, que es una artista de nivel increíble, que vive para la música, y por eso no hay temas de personalidad. El enfoque es todo para la canción, lo que se necesite. Cuando no estamos de gira, hablamos por WhatsApp, y cuando nos reencontramos es casi como reunión familiar, muy especial.

Y eso se repite en otros proyectos, de alguna forma dejando en claro que es importante -para ti o para otros- la humildad y evitar el egoísmo, ¿no?

Es que es la forma de hacerlo para que todo fluya, y eso es lo que me gusta de mi trabajo de productor, porque entregas esfuerzo para que otro logre sus objetivos, y también es lo que me gustó de QOTSA o de Them Crooked Vultures, donde me llamaron y la idea era ayudar a que todo resultara de maravilla.

Tú hablabas de un field recording, y ahora vienes a presentar un documental, ¿has pensado en una mayor relación también con lo audiovisual?

Totalmente. De hecho, vengo de hacer el soundtrack para el videojuego “Ghost Recon Wildlands”, y eso fue casi improvisado, con una hora de música. Lo desarrollé siempre viendo el mapa de Bolivia que fue recreado para ese juego, y eso me inspiró. No sé si tuve mucha suerte porque es una compañía francesa, y Manu (Bachet) y Ghislain (Soufflet), productor y supervisor musical, tenían esta idea cercana a lo que hizo Neil Young para la película “Dead Man” de Jim Jarmusch. Me encantaría encontrar a alguien con quien colaborar. Toda mi vida crecí con el cine, con el cine francés, Fellini, Kurosawa, y en esos tiempos había simbiosis entre director y compositor desde el principio y se formaba todo orgánicamente. Ahora en Hollywood te lo entregan casi al terminar con una música tipo y te piden casi que copies algo lo suficientemente bien como para que no lleguen los abogados a reclamar (risas).

También colaboraste con la música del documental de la tragedia en Le Bataclan, de Eagles Of Death Metal.

Ahí fue un proceso muy difícil. Fue bueno trabajar en eso por el documental que es muy bueno, pero es difícil porque estuve casi ahí mismo. Yo estuve con Eagles en Londres el día antes, y en vez de irme con ellos a París al show, que era el plan original, me fui al sur de Francia con un amigo, y fue un horror cuando sonó el teléfono mientras cenábamos. Terrible.

Y estamos en un mundo donde aparecen hechos así a cada rato.

Por eso tenemos una responsabilidad como artistas hoy y de todos los medios, de seguir y reenfocar porque podemos influir en lo positivo, en la gente, en el sentido de comunidad global, para evitar la división que siempre creamos. Hay que levantarse cada día y seguir la pasión y la entrega por lo que te hace feliz. Siempre con amor y conexión.

Antes de terminar, te quiero preguntar por momentos felices con Chris Cornell. Dado que tanto lo hemos llorado, quizás tú tengas alguna historia linda con él, una de tantas.

Hay tantos. Como cuando grabamos juntos “Euphoria Morning” y vivimos juntos en 11AD prácticamente siete meses, donde él, cada dos o tres semanas, iba un rato a Seattle y volvía. Ahí realmente vivimos la música. Se supone que Daniel Lanois iba a producir el disco, y nosotros tres mientras seguíamos escribiendo. El día en que Daniel dijo que no podía hacerlo, Natasha de inmediato dijo que no importaba, que grabáramos de inmediato, y ese fue nuestro secreto por siete meses. En esa etapa cenábamos, íbamos a ver películas, experimentábamos con sonidos, era increíble. Como también lo fue en la época de “Down On The Upside” (1996). Cuando Hollywood Records le terminó el contrato a Eleven, Chris nos llamó para que giráramos por Europa con ellos y le dijimos que no teníamos dinero. Él dijo que llamaba en diez minutos, habló con los integrantes de Soundgarden y cada uno puso 15 mil dólares y nos llamaron para que fuéramos. Eso nunca pasa. Es increíble que la banda principal le pague a la telonera para hacer una gira europea por seis semanas.

Es increíble, tanta generosidad. Bueno, Alain, se nos acabó el tiempo. Esperemos se concreten las fechas en Valparaíso, Concepción y más.

Muchas gracias, Manuel, también lo espero. Nos vemos.

Por Manuel Toledo-Campos

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Entrevistas

Adam Carson de AFI: “Este nuevo disco fue una forma desafiante de hacer las cosas”

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Adam Carson AFI

Una de las constantes tendencias que se dio al inicio de la pandemia fue el hecho de que las bandas no sólo pausaran sus actividades en vivo, sino que también lo hicieran con sus lanzamientos discográficos. Bajo ese escenario se vio AFI ad portas de publicar “Bodies”, su álbum de estudio número 11, pactado originalmente para 2020. Tras la espera, con una pandemia que no se va nunca, la banda finalmente decidió publicar el disco el pasado 11 de junio de 2021, entregando así al mundo un álbum que se caracteriza por mantener la dinámica y energía que el conjunto a cargo de Davey Havok ha presentado durante su carrera.

El lanzamiento de este disco fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con Adam Carson, baterista y único integrante desde 1991 en la banda junto a Havok, para analizar distintos puntos de la composición del álbum, su forma de tocar, la vida en pandemia como padre de familia, sus recuerdos del debut de la banda en Chile, y mucho más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola Adam, te habla Manuel desde Chile. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel. Muy bien, ¿y tú?

Muy bien, gracias. Quisiera partir preguntando, por supuesto, cómo te has sentido durante este período de pandemia. ¿Qué tal todo por allá?

Estoy muy bien, soy un afortunado de poder decir eso. El último año y medio ha sido aterrador, obviamente, y mucha gente ha estado sufriendo alrededor del mundo, por lo que agradezco que mi familia y yo estemos sanos y salvos. Siento que ha sido un período en que sólo tenemos que sentarnos a esperar, ser responsables y no salir a ningún lado. Creo que hay algo de luz al final del túnel, pero sé también que hay muchos países que todavía lo están pasando mal, por lo que no es tiempo de celebrar todavía. Dentro de todo, me siento afortunado de que mi familia y yo estemos bien.

¿Cuál fue tu pasatiempo principal durante estos meses?

Bueno, la verdad es que no he hecho mucho (risas). Obviamente hay cosas que hacer, pero hemos estado ocupados, ya que mi esposa y yo tuvimos un bebé recientemente.

Oh, ¡felicitaciones!

¡Muchas gracias! Tenemos también una niña de cuatro años, por lo que no es como que tengamos tiempo libre para hacer cosas. Realmente envidio a la gente que ha tenido tiempo durante la cuarentena para escribir una novela o concentrarse en algún pasatiempo, hacer todo lo que siempre quisieron hacer. Digamos que hemos pasado la pandemia cambiando pañales y criando a una niña de cuatro años, en eso se va la vida (risas).

Recuerdo un live que hiciste por el Instagram de la banda, donde se escucha a tu hija de fondo tocando la batería, ¿has intentado enseñarle algo?

Oh, sí. Ella tiene una pequeña batería que le gusta andar golpeando por toda la casa, a veces toco con ella, pero no es que sepa tocar correctamente porque es muy pequeña aún. Bueno, no quiero decir que haya una forma correcta o incorrecta de tocar porque eso no existe en la música, pero a ella sólo le gusta hacer ruido (risas). Soy muy cuidadoso de no presionarla en nada, la música debe ser algo que descubras, disfrutes y aprecies, en el momento en que agregas algún tipo de estructura, enseñas que hay un aspecto teórico y todo eso, de cierta forma le quita un poco la diversión. De igual forma estoy muy feliz de que ella disfrute haciendo ruido por la casa.

Adam, pasemos a la música. “Bodies” fue publicado en junio de este año, pero entiendo que ya estaba totalmente listo antes de la pandemia.

Así es, lo teníamos completamente terminado y listo para ser publicado, pero decidimos esperar simplemente.

¿Cómo ejecutaron el proceso durante su composición?

Es curioso porque, independiente de que hicimos este álbum antes de la cuarentena y de que no pudiéramos reunirnos ni trabajar todos juntos en la misma habitación, de igual manera fue un trabajo por separado, lo que es diferente de otros discos de la banda. Normalmente, Davey (Havok, vocalista) y Jade (Puget, guitarrista) harían la composición inicial para crear la melodía y la estructura para presentarle a la banda, luego trabajaríamos juntos para pulir las canciones y luego tener algo concreto para ir al estudio y grabarlas, pero este álbum se construyó en torno a los demos.

Entiendo que cada uno grabó por separado, ¿no es así?

Jade y Davey estructuraron las canciones para luego grabarlas y enviárselas al resto. En este caso, aprendí las canciones por mi cuenta y pude tomar algunas decisiones creativas para aplicarlas en ellas, luego fui al estudio, reemplacé las baterías programadas del demo con mi interpretación y luego se las envié a Hunter (Burgan, bajista), quien atravesó el mismo proceso de analizarlas y crear sus partes en los demos. Luego los chicos nuevamente le aplicaron ajustes, y así fue construyéndose hasta que tuvimos este disco completo y listo para publicarse, sin necesariamente estar todos juntos. Fue una forma desafiante de hacer las cosas y, si me hicieras elegir, habría preferido estar todos juntos tocando, quizás, pero así es como se dio. La tecnología permitió lograr esto y de todas maneras obtuvimos un buen resultado.

¿Quién tomó la decisión de no publicar el disco? ¿Fue algo que discutieron con la banda o el sello se los pidió?

Fue una decisión de la banda. Siempre hemos publicado discos para luego salir de gira y tocar las canciones para la gente, es la forma en que nos gusta compartir nuestra música. Cuando sacamos un disco generalmente tocamos casi de inmediato, así compartimos el entusiasmo de la gente de haber escuchado el disco y a la siguiente semana ya estar escuchando esas canciones interpretadas en vivo. Eso es algo importante para nosotros, somos una banda que ama tocar en vivo.

El timing fue casi perfecto porque ni siquiera se alcanzó a anunciar, así que no fue necesario postergarlo de alguna manera.

De haber seguido el plan original, el disco habría salido justo en el punto álgido de la pandemia, cuando de pronto nos dimos cuenta de que muchas cosas no eran tan importantes como parecían. Creo que el mundo colectivamente comenzó a darse cuenta de lo que es verdaderamente importante, todo era acerca de sobrevivir y protegernos unos a otros, comprender qué es lo que está correcto durante esta pandemia. Es raro cuando el mundo piensa de manera colectiva, y eso se dio de alguna manera, por lo que no se sentía correcto publicarlo. Además que sabíamos que no podríamos hacer shows, así que era mejor esperar. Quisimos esperar que pasara la pandemia, pero no hacía más que empeorar, así que pensamos que era mejor publicarlo y así fue como salió.

Algo que me llamó mucho la atención de este disco es que publicaron casi todas las canciones como adelantos. ¿Por qué lo lanzaron de esa forma?

Actualmente, cada vez que sale un disco, hay como unos días de entusiasmo en internet, pero luego eso se termina de repente. Es interesante porque nadie recibe su música desde el mismo lugar, no existe un solo lugar donde la gente pueda acceder a ella, sino que lo hacen a través de distintas plataformas. Ya no se escucha la radio de la misma manera, en la televisión no se pasan videoclips, es un mundo distinto, por lo que la vida de un nuevo disco es muy corta. La gente sigue escuchándolo, obviamente, pero es un período muy breve en el que es “lo nuevo” de lo que la gente está hablando.

Bajo ese contexto tiene sentido, se le da una longevidad más consistente.

Disfrutamos construir este disco y anticiparlo con canciones cada cierto tiempo, eso permitió que ese entusiasmo e interés en la banda se mantuviera, y puedes mantener la atención de la gente por más tiempo. Admito que con este disco nos pasamos un poco: cuando salió, finalmente había sólo unas dos canciones que la gente no conocía (risas), pero creo que lo más importante es que fueron varios meses en que los fans de AFI tuvieron ese sentimiento de comunidad, donde pudieron comentar y conversar sobre cada canción puntualmente. Eso es lo bueno de tener una comunidad de fanáticos tan leal, después de todo este tiempo siguen apoyándonos.

Ya que mencionaste a los fans, hablemos del show que tuvieron en Lollapalooza Chile 2014. Lo recuerdo como una de las presentaciones más increíbles en la historia del festival, la gente en las primeras filas lloraba y cantaba a todo pulmón, había una energía tremenda en el ambiente de verlos tocar por primera vez en Chile. ¿Qué recuerdas de ese día en particular? 

Recuerdo ese show muy bien; estaba muy entusiasmado de estar en Sudamérica, en Chile sobre todo, que fue nuestro primer show. Era la primera vez que llegábamos a esa parte del continente, y era un lugar que quería visitar toda mi vida, estaba maravillado, pero a la vez muy nervioso al no saber qué esperar, ya que era un festival muy grande. Eran unas 10 mil o 15 mil personas esperándonos y no sabía si eran asistentes curiosos o realmente fanáticos nuestros, pero cuando empezamos a tocar el publico se volvió loco. Tengo videos de ese show que miro de vez en cuando, era nuestro primer show en Sudamérica y fue muy genial. Fue como un alivio inmediato saber que eran realmente nuestros fans y no gente que solamente vería un par de canciones para luego irse a otro escenario (risas). Se dio una química increíble, respondieron excelente tanto al material antiguo como al nuevo, fue fantástico.

Adam, se nos acaba el tiempo, pero quiero volver a “Bodies” antes de terminar. Dijiste que aplicaste tus propias decisiones creativas a los demos que te enviaron los chicos, y me hace sentido porque siento que la batería es el núcleo central del disco. Te escuchas muy concentrado dándole una atmósfera general a todas las canciones, casi como si fuera el corazón de todo el relato. ¿Cuál fue el enfoque que le diste a las partes de tu instrumento en el disco?

Oh, muchas gracias. Es una pregunta difícil, no lo tengo bien claro porque fueron decisiones que tomé de manera individual por cada canción. Había decisiones que estaban tomadas antes de que recibiera las canciones. Hay algunas donde la batería era bien desafiante, así que no quise modificarlo mucho por mi cuenta; como baterista intento no llevarme la atención, sino que ser un sustento de la canción. Jade, por su parte, tenía un demo donde había un solo de batería de tres minutos y medio, era “Twisted Tongues” si no me equivoco. Yo estaba en plan de “de acuerdo, lo haré” (risas), pero sí siento que este disco es un trabajo bien orientado en la batería, estoy agradecido de que la gente lo note. Tienes razón en ese sentido, de que la batería es la columna vertebral en varias canciones, así que estoy feliz de haber hecho mi parte.

Muchas gracias por tu tiempo, Adam, y felicitaciones por el disco y por tu familia. Espero verte con la banda tocando nuevamente en Chile el día que pase toda esta pandemia. Cuídate mucho.

Estaré encantado de volver a Chile, espero poder verlos nuevamente. Ojalá se pueda concretar en un futuro. ¡Nos vemos!

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