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Tom Chaplin: Así se siente la nostalgia

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La nostalgia prematura es algo extraño cuando algo de hace no mucho tiempo se siente como si fuera de una vida pasada. Ecos de hechos pasados, de personas que ya no están, de darse cuenta de cómo se dio vuelta el calendario, todo a través de una canción. Eso es lo que entregó a ratos Tom Chaplin, conocido por ser el vocalista de Keane, en su primera presentación como solista en nuestro país, ante una Cúpula Multiespacio repleta y entregada al intérprete inglés. Pero no sólo hubo espacio para éxitos pasados, sino para probables éxitos del futuro, porque Chaplin tenía como excusa para su regreso un nuevo disco, su primer trabajo solista, “The Wave”, salido el año pasado, y que dejó en claro que la voz de Keane tenía más que ofrecer que esos acordes que son marca registrada de Tim Rice-Oxley.

En “The Wave” Chaplin entregó un material perfecto para acompañar a gente en medio de la soledad, a personas en medio de huracanes, y a amigos en medio de quiebres, todo en medio de canciones tan tiernas como potentes, con pinta de suaves, que pegaban duro. Eso se pudo ver en el show en nuestro país, que en su primera parte tuvo énfasis en estos tracks solistas, moviéndose desde lo emocional al callo como en “Bring The Rain”, hasta la charla motivacional en tracks como “The River” o el que le da su nombre al disco, todo con una voz que no sólo se mantiene como en los mejores tiempos de Keane, sino que en sus entonaciones puede tener más matices que se le atribuyen a una madurez que calza con la adultez de gran parte de la audiencia que lo lleva escuchando desde la adolescencia.

Por supuesto que los momentos de mayor comunión del show que se extendió más allá de la hora y 40 minutos fue con los hits de Keane. El primer gran karaoke fue con la calma “Bedshaped” y el baile se impondría con “Sovereign Light Café”, pero mientras las versiones de la banda se mostraban como competentes, los arreglos hacían que temas como “Quicksand” se destacaran. Usualmente la nostalgia se avizora como patrimonio del tiempo extenso, teniendo que pasar décadas para que esta se presente con propiedad, pero a veces una década es suficiente y es extraño ver gente que, fuera de La Cúpula sería considerada como “joven”, caer en este ejercicio de nostalgia, pero es así, y es el poder de la música y de estos tiempos, donde los lanzamientos son múltiples, la vida es fugaz y la nostalgia demora mucho menos en llegar.

Al momento de “Crystal Ball” cerrando el set principal, daba igual el año, el lugar o cuántos años se tiene, porque ese hit volvía a golpear con su coro lleno de añoranza adolescente y acordes divertidos. “Cheating Death”, al regreso para el encore, podría haber sido un tema nuevo, como lo era hace 10 años, o en 10 años más, pero Chaplin lograba una sensación de buenos tiempos ahí, en frente, en el escenario, conectando partes de la memoria de forma evidente.

The Lovers Are Losing” y “Everybody’s Changing” fueron muy coreadas, y la propia de Tom, “See It So Clear”, lograba convertir todo en un rincón de luz, para finalizar con el hit planetario “Somewhere Only We Know”, que no sólo fue entregado con convicción por Chaplin, sino que transmitió esa posibilidad de ser el portal que separaba dimensiones, la de ayer y la de hoy, por medio de un show sólido donde un artista no negó su pasado y, a la vez, podía mostrar que mirar hacia delante también es posible cuando las canciones y la motivación está del lado de la creación. Un espectáculo donde pudo pasar la vida por delante, pero también invitó a mirar a Tom Chaplin como un artista que puede trascender a la banda de la que proviene, haciendo dialogar sus mundos y tiempos de gran manera, tal como pudo ver el público chileno en una noche fría de septiembre.

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Luis Marchant

Setlist

  1. Still Waiting
  2. Hardened Heart
  3. Bend And Break (original de Keane)
  4. Solid Gold
  5. I Remember You
  6. Silenced By The Night (original de Keane)
  7. Hold On to Our Love
  8. Clear Skies (original de Keane)
  9. Worthless Words
  10. Bring The Rain
  11. Bedshaped (original de Keane)
  12. The River
  13. Quicksand
  14. Better Way
  15. Sovereign Light Café (original de Keane)
  16. The Wave
  17. Crystal Ball (original de Keane)
  18. Cheating Death
  19. The Lovers Are Losing (original de Keane)
  20. Everybody’s Changing (original de Keane)
  21. See It So Clear
  22. Somewhere Only We Know (original de Keane)

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Festival En Órbita 2017

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Cigarettes After Sex

Cuando se realizó el festival En Órbita 2016, la gente agradeció la solidez de un cartel que contó con nombres como The Sonics, Os Mutantes, A Place To Bury Strangers, entre otros. Ahora, en su edición 2017, la tarea sería mucho más complicada, sobre todo con un cambio de recinto hasta el Planetario de Santiago, muy en onda con la temática espacial que posee el festival. Lee Ranaldo, Cigarettes After Sex, Juana Molina, Damo Suzuki’s Network, y más, dieron forma a un cartel de una variedad notable, que contó con todo lo necesario para brindar un festival de primera categoría. El recinto, ajeno a este tipo de encuentros, funcionó como un lugar agradable para disfrutar de la música, con espacios de sombra y una carpa donde los asistentes podían hidratarse, comer algo o simplemente descansar un momento de la multitud.

La jornada partió a cargo de DZ Deathrays, conjunto proveniente de Australia, quien, con su dance punk, comenzó puntualmente a despachar su atrevida y rebelde música, encendiendo los ánimos de los más entusiastas que llegaban al recinto apenas comenzaba el evento. Luego, en el Stage Skylab, los nacionales Miss Garrison sonaron impecables como siempre, siendo la banda encargada de abrir el proscenio que se ubicó en la parte trasera del Planetario.

Por su parte, la presentación de Holy Wave mantuvo la atención de quienes ya se encontraban ahí, así como los que empezaban a llegar al lugar, con un show enfocado en su álbum “Freaks Of Nature” lanzado en 2016. Después de que The Ganjas arrasara con su potente entrega en el escenario, el Sputnik Stage recibió a nada más y nada menos que Damo Suzuki, el histórico músico nipón, conocido principalmente por su corto período junto a los legendarios Can, banda insigne de la escena germana en los setentas. Con una propuesta que apostó por los sentidos y un constante estado de trance, el músico entregó una selección de melodías y sonidos propios de su particular propuesta, donde las canciones toman una forma independiente de lo que cualquiera podría esperar. En esta, su segunda ocasión en nuestro país, Suzuki demostró por qué es un lujo verlo en vivo, más aún en una instancia tan especial como este festival.

Directo desde Montreal, Canadá, Les Deuxluxes desató la locura en el Stage Skylab, gracias a las potentes melodías en tonalidad garage que despachó Etienne Barry, quien tocaba la guitarra y batería al mismo tiempo. Con la poderosa calidad vocal de Anna Frances Meyer, este dúo hizo sonar sus canciones como si fueran interpretadas por una banda completa, llenando de rock el festival en una de las presentaciones más destacadas de toda la jornada.

Ataviados en unos sombreros de vaqueros, Night Beats repasó parte de sus tres álbumes de estudio, con un sonido muy ligado al garage, la psicodelia y el desenfreno instrumental. Pese a ser oriundos de Seattle, la banda incorpora elementos de la psicodelia texana, ese rock árido y profundo radicado en la figura de su vocalista, Danny Rajan, también conocido con el seudónimo de “Lee Blackwell“.

Uno de los momentos más esperados de la tarde fue el debut en nuestro país de Parquet Courts, quienes venían precedidos del excelente álbum “Human Performace” (2016), y lo ya comentada que es su tremenda calidad en vivo. Con “Dust“, “Human Performance” y “Outside“, la banda arrancó una presentación que privilegió el ruido de las guitarras, mezclando esa clásica fórmula del loud quiet loud, proveniente de agrupaciones como Pixies, junto con la pendenciera actitud propia de las calles de Brooklyn, vecindario de origen del cuarteto. “Borrowed Time” desató el baile y algunos pequeños mosh pits en el público, llamando la atención de quienes pasaban por ahí, incluyendo al propio Lee Ranaldo, que subió a ver el show desde un costado del escenario. Con “Sunbathing Animal” como uno de los golpes finales, Parquet Courts finiquitó su breve, pero incendiario debut, esperando tenerlos de regreso muy pronto en un recinto más íntimo.

Siempre es bueno ver propuestas musicales tan tremendas como la de Juana Molina, y más aún cuando se trata de música proveniente de este lado del continente. La compositora argentina fue anunciada como uno de los números más grandes de En Órbita, por lo que llamó agradablemente la atención el hecho de que se presentara en el espacio que comprendía el Stage Sputnik, entre las 21:00 y 22:00 horas. Extraídas desde “Halo” (2017), las canciones “Cosoco“, “Cara de Espejo” y “Estalacticas” fueron las primeras pinceladas de Molina, quien, con una configuración más bien minimalista (comprendiendo un teclado y una batería, aparte de ella y su guitarra), entregó una revisión a la electrónica y el indie pop, con un sello diferente y muy propio de su forma de tocar en vivo.

Qué bueno poder ver una variedad más grande en este tipo de festivales, donde pareciera que la música en español queda relegada a los momentos en que el sol pega más fuerte, dando poca oportunidad a que artistas latinos puedan ocupar espacios de headliner como muchas veces lo merecen. Por suerte, Molina pudo contar con ese privilegio, con canciones como “Lo Decidí Yo“, “Un Día” o “Lentísimo Halo“, manteniendo la atención de una gran cantidad de espectadores que se acumularon para ver su presentación, la que fue rematada con “Sin Guía, No“, dejando contentos a sus fans y, seguramente, a los nuevos seguidores que consiguió luego de show.

Su presentación el pasado jueves sirvió como antesala a lo que se viviría en el festival, por lo que Lee Ranaldo nuevamente entregaría una selección de composiciones en formato acústico. Como se trató de una instancia más masiva, el músico esta vez estuvo acompañado de diversas visuales de fondo, con una cálida tonalidad roja que salía de las pantallas tiñendo todo el espacio. “Moroccan Mountains” nuevamente fue la encargada de iniciar el set, el que esta vez obtuvo un cambio en su orden, así como la adición de otras composiciones. La estridencia desde las seis cuerdas retumbaba en todo el patio del Planetario, mientras Lee interpretaba canciones como “Uncle Skeleton“, “Circular (Right As Rain)” o “Electric Trim“, todas provenientes de su último trabajo de estudio.

Luego de la coreada “Off The Wall“, pedida constantemente por quienes presenciaban el show, Ranaldo sorprendió a todos con “New Thing“, presentada como su canción sobre el internet, donde el músico hace un repaso a la nueva sociedad en que vivimos, con redes sociales y la predominante importancia de los likes, así como de la aprobación general de las personas. El estado de éxtasis sonoro en el que Lee se encontraba en la sección instrumental de aquella canción, sirvió perfectamente como el paso natural hacia el cierre con “Thrown Over The Wall“, además de una sorpresiva interpretación de “Mote”, clásico de Sonic Youth que hizo cantar a quienes tenían ganas de recordar aquellos tiempos de Lee junto a su banda.

El evento principal del día era el debut de Cigarettes After Sex, proyecto del músico Greg Gonzalez, que vino a presentar su disco homónimo lanzado este año, bajo la calurosa noche santiaguina. Fue realmente un agrado escuchar parte de las composiciones presentes en este trabajo, más aún si consideramos el hecho de que este haya sido lanzado tan solo en junio pasado. El ambiente al aire libre sirvió como el contexto perfecto para dejarse llevar por toda la pasividad de “Sunsetz“, “Young And Dumb” o “I’m A Firefighter“, adornadas con la dulce voz de Gonzalez, cuya interpretación reflejó la efectividad de su música en situaciones como esta.

Con el marco de público más amplio de toda la jornada (muchos asistentes llegaron sólo a ver el show de la banda), Cigarettes After Sex demostró por qué se encuentran presentes en los festivales más destacados del mundo, gracias a su instrumentalización cercana y que profundiza en el sentimiento de intimidad, muy ad hoc con el nombre del proyecto. Cada minuto del show valió la pena, y eso lo sintieron todos quienes esperaron por cantar y escuchar en vivo canciones como “Affection“, “Nothing’s Gonna Hurt You Baby” o “Dreaming Of You“, canalizadoras de emociones y acompañamiento perfecto para el cierre bajo el cálido abrigo de la noche.

Es importante mantener vivas este tipo de instancias, donde tenemos la oportunidad de disfrutar un cartel con muchos nombres que siempre valdrá la pena ver en vivo. Ahora, En Órbita debe replantearse en miras de su próxima versión, donde esperamos puedan sorprender con un cartel tan sólido y variado como el que vienen entregando hasta este momento. Hay festivales para que la gente lo pase bien, así como hay otros para que se luzcan en los diferentes stands de las marcas, pero también están los que son para oír y apreciar la música, algo que es comprendido y muy respetado por quienes asisten. En Órbita afortunadamente cae en esa categoría; en efecto, ya lleva dos años cayendo en ella, por lo que es importante mantener el espíritu de una jornada que está hecha para apreciar y disfrutar lo más destacado en cuanto a calidad musical, además de descubrir y profundizar en proyectos que no son tan conocidos para el público casual.

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