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Tame Impala: Fresca Psicodelia Nostálgica

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Es engañoso el mundo de hoy. Te hace creer que las categorías muchas veces no existen, pero al final, todo lo que se hace, irremediablemente cae en un riel y la gente le pone un rótulo a eso. Por eso es que era interesante que la gente de Club Fauna trajera a los australianos Tame Impala al país, e interesante fue la recepción del público que superó las expectativas de ventas, debiéndose trasladar el evento al Centro de Eventos Chimkowe, en Peñalolén.

Tras un show de Föllakzoid que prendió a los pocos que se encontraban presentes, The Ganjas la rompió con un set potente y conciso, que dejó servido en bandeja el público a los australianos, que eran los encargados de ser el peak en esta presentación.

Y lo que queda claro desde el principio es que no son un grupo indie. Ni siquiera se acercan a lo que MGMT, por ejemplo, realiza. Lo de Tame Impala es una genuina búsqueda por los rincones del sonido lo-fi y el revisionismo de la psicodelia sesentera, llamando muchas veces al “Magical Mystery Tour” (1969) de los Beatles.

Todo comenzó con una intro, una especie de fanfarria al más puro estilo de los australianos, para dar paso a “Solitude Is Bliss”, donde las más de 2.500 personas que estaban presentes en la explanada del Chimkowe saltaron de inmediato, con una energía que a las 1:15 AM en punto comenzaba a desbordar la pista de baile.

En general, el sonido estaba un poco bajo en volumen, pero la claridad en cómo sonaba cada instrumento se agradeció, en especial el bajo de el retraído pero eficiente Nick Allbrook, que sonó a ratos dominante en la escena.

Luego el ritmo sencillo y demoledor de “Why Won’t You Make Up Your Mind?” irrumpió, incluyendo un agregado instrumental que era el presagio de lo que vendría: un set de canciones desarrolladas más allá de cómo se les conoce.

“Desire Be Desire Go” vino después, mientras que “It Is Not Meant To Be” prosiguió con un show donde cada canción tenía un extra, algo de la virtud instrumental de cada miembro de Tame Impala, liderados por la destreza de Kevin Parker en la guitarra.

Los dos adelantos del nuevo disco de la banda, “Lonerism”, que saldrá en octubre, demostraron que la evolución de los de Perth no tiene freno. “Apocalypse Dreams”, además de ser la mejor composición de la carrera de la agrupación, en vivo toma lo mejor de ambas vibras de Tame Impala: el tempo más lento y profundo, y la angustia ansiosa de la percusión constante. En tanto, “Elephant” es un single en serio, que para muchos fue el momento más sólido de un show que no tuvo puntos bajos.

La gracia de Tame Impala va más allá de la versatilidad de su público, o su origen en Australia. Ellos tienen la capacidad de hacer una revisión histórica de elementos en la música para lograr un sonido único. La psicodelia sesentera, el hard rock setentero, la actitud del grunge, todo eso concentrado en una banda de amigos que logra diferenciarse del resto.

Luego vino el clásico “Lucidity”, que fue cortado en pos de mostrar ese cover de Todd Lundgren que comenzaron a incluir hace poco en los setlists, “International Feel”.

Otro momento de efervescencia adolescente fue con “Alter Ego”, para dar paso a “Half Full Glass Of Wine” y una versión de aquellas para “despedirse” de la gente.

Tras un breve receso, la banda volvió a tocar una versión con solo de Parker extendido de “Runaway, House, City, Clouds”. Quizás un problema con Tame Impala es que el recurso del solo de guitarra o de sintetizadores se repite mucho, lo que convierte a las composiciones en formatos un poco prefijados. Ahí se escapan “Half Full Glass…” y “Runway…”, que tienen mucho más de rock progresivo que las otras canciones. Pero todo se arregla con el tremendo sonido que tienen. Es como si metiéramos en una juguera a Nirvana, Led Zeppelin, Los Beatles en la etapa psicodélica y Yes. Claro, guardando las proporciones, pero se entiende que es por las influencias que denotan estas canciones.

En vivo la propuesta de los australianos gana mucho de frescura y limpieza sonora, esa que a ratos se ve un poco comprimida tras la producción sonora en estudio de Dave Fridmann. Esa fluidez se agradece y convierte las presentaciones de Tame Impala en una fiesta de psicodelia intensa, medio stoner, que mira mucho hacia atrás, pero que no deja de avanzar. Un viaje muy volado que al parecer todavía no se termina.

Setlist

  1. Intro
  2. Solitude Is Bliss
  3. Why Won’t You Make Up Your Mind?
  4. Desire Be Desire Go
  5. It Is Not Meant To Be
  6. Apocalypse Dreams
  7. Elephant
  8. Lucidity
  9. International Feel (cover de Todd Rundgren)
  10. Alter Ego
  11. Half Full Glass Of Wine
  12. Runway, Houses, City, Clouds

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Danny Rayman

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8 Comentarios

8 Comentarios

  1. Larry

    18-Ago-2012 en 3:51 pm

    FUE LA ZORRA!!!

  2. Pedro

    18-Ago-2012 en 4:52 pm

    la cago lo bueno que estuvo!!!

  3. J. Vertigo

    19-Ago-2012 en 4:22 pm

    “…en especial el bajo de LA retraída pero eficiente Nick Allbrook”?
    Nick Allbrook es hombre por si no lo sabían, una cosa es que sea medio ambigua su presencia…

  4. Javier

    19-Ago-2012 en 5:05 pm

    wnnn tremendo concierto! se pasaron estos niñitos.

  5. isidora jaén

    20-Ago-2012 en 10:30 am

    JAJAAJAJA SICODELIA? PARECE Q NO FUIMOS AL MISMO CONCIERTO YO FUI A UNO DE POP CON VISUALES BÁSICAS DE WINDOW MEDIA PLAYER.
    COMPARARLOS CON BEATLES…..QUE FALTA DE RESPETO Y COMO SE NOTA QUE ERES UN PRINCIPIANTE

    • Juan Francisco Montero V.

      20-Ago-2012 en 11:42 am

      “Claro, guardando las proporciones, pero se entiende que es por las influencias que denotan estas canciones”.

      Yo entendí que dijo que eran influencias, no compara con los Beatles porque ¿Quién podría?

      Saludos!

  6. Odín Rodriguez

    20-Ago-2012 en 10:44 am

    Este socio encuentra todo la raja… Y medios STONER? Un gran “que chucha”.

  7. Pablo

    21-Ago-2012 en 1:06 pm

    sacos de wea….

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Festival En Órbita 2017

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Cigarettes After Sex

Cuando se realizó el festival En Órbita 2016, la gente agradeció la solidez de un cartel que contó con nombres como The Sonics, Os Mutantes, A Place To Bury Strangers, entre otros. Ahora, en su edición 2017, la tarea sería mucho más complicada, sobre todo con un cambio de recinto hasta el Planetario de Santiago, muy en onda con la temática espacial que posee el festival. Lee Ranaldo, Cigarettes After Sex, Juana Molina, Damo Suzuki’s Network, y más, dieron forma a un cartel de una variedad notable, que contó con todo lo necesario para brindar un festival de primera categoría. El recinto, ajeno a este tipo de encuentros, funcionó como un lugar agradable para disfrutar de la música, con espacios de sombra y una carpa donde los asistentes podían hidratarse, comer algo o simplemente descansar un momento de la multitud.

La jornada partió a cargo de DZ Deathrays, conjunto proveniente de Australia, quien, con su dance punk, comenzó puntualmente a despachar su atrevida y rebelde música, encendiendo los ánimos de los más entusiastas que llegaban al recinto apenas comenzaba el evento. Luego, en el Stage Skylab, los nacionales Miss Garrison sonaron impecables como siempre, siendo la banda encargada de abrir el proscenio que se ubicó en la parte trasera del Planetario.

Por su parte, la presentación de Holy Wave mantuvo la atención de quienes ya se encontraban ahí, así como los que empezaban a llegar al lugar, con un show enfocado en su álbum “Freaks Of Nature” lanzado en 2016. Después de que The Ganjas arrasara con su potente entrega en el escenario, el Sputnik Stage recibió a nada más y nada menos que Damo Suzuki, el histórico músico nipón, conocido principalmente por su corto período junto a los legendarios Can, banda insigne de la escena germana en los setentas. Con una propuesta que apostó por los sentidos y un constante estado de trance, el músico entregó una selección de melodías y sonidos propios de su particular propuesta, donde las canciones toman una forma independiente de lo que cualquiera podría esperar. En esta, su segunda ocasión en nuestro país, Suzuki demostró por qué es un lujo verlo en vivo, más aún en una instancia tan especial como este festival.

Directo desde Montreal, Canadá, Les Deuxluxes desató la locura en el Stage Skylab, gracias a las potentes melodías en tonalidad garage que despachó Etienne Barry, quien tocaba la guitarra y batería al mismo tiempo. Con la poderosa calidad vocal de Anna Frances Meyer, este dúo hizo sonar sus canciones como si fueran interpretadas por una banda completa, llenando de rock el festival en una de las presentaciones más destacadas de toda la jornada.

Ataviados en unos sombreros de vaqueros, Night Beats repasó parte de sus tres álbumes de estudio, con un sonido muy ligado al garage, la psicodelia y el desenfreno instrumental. Pese a ser oriundos de Seattle, la banda incorpora elementos de la psicodelia texana, ese rock árido y profundo radicado en la figura de su vocalista, Danny Rajan, también conocido con el seudónimo de “Lee Blackwell“.

Uno de los momentos más esperados de la tarde fue el debut en nuestro país de Parquet Courts, quienes venían precedidos del excelente álbum “Human Performace” (2016), y lo ya comentada que es su tremenda calidad en vivo. Con “Dust“, “Human Performance” y “Outside“, la banda arrancó una presentación que privilegió el ruido de las guitarras, mezclando esa clásica fórmula del loud quiet loud, proveniente de agrupaciones como Pixies, junto con la pendenciera actitud propia de las calles de Brooklyn, vecindario de origen del cuarteto. “Borrowed Time” desató el baile y algunos pequeños mosh pits en el público, llamando la atención de quienes pasaban por ahí, incluyendo al propio Lee Ranaldo, que subió a ver el show desde un costado del escenario. Con “Sunbathing Animal” como uno de los golpes finales, Parquet Courts finiquitó su breve, pero incendiario debut, esperando tenerlos de regreso muy pronto en un recinto más íntimo.

Siempre es bueno ver propuestas musicales tan tremendas como la de Juana Molina, y más aún cuando se trata de música proveniente de este lado del continente. La compositora argentina fue anunciada como uno de los números más grandes de En Órbita, por lo que llamó agradablemente la atención el hecho de que se presentara en el espacio que comprendía el Stage Sputnik, entre las 21:00 y 22:00 horas. Extraídas desde “Halo” (2017), las canciones “Cosoco“, “Cara de Espejo” y “Estalacticas” fueron las primeras pinceladas de Molina, quien, con una configuración más bien minimalista (comprendiendo un teclado y una batería, aparte de ella y su guitarra), entregó una revisión a la electrónica y el indie pop, con un sello diferente y muy propio de su forma de tocar en vivo.

Qué bueno poder ver una variedad más grande en este tipo de festivales, donde pareciera que la música en español queda relegada a los momentos en que el sol pega más fuerte, dando poca oportunidad a que artistas latinos puedan ocupar espacios de headliner como muchas veces lo merecen. Por suerte, Molina pudo contar con ese privilegio, con canciones como “Lo Decidí Yo“, “Un Día” o “Lentísimo Halo“, manteniendo la atención de una gran cantidad de espectadores que se acumularon para ver su presentación, la que fue rematada con “Sin Guía, No“, dejando contentos a sus fans y, seguramente, a los nuevos seguidores que consiguió luego de show.

Su presentación el pasado jueves sirvió como antesala a lo que se viviría en el festival, por lo que Lee Ranaldo nuevamente entregaría una selección de composiciones en formato acústico. Como se trató de una instancia más masiva, el músico esta vez estuvo acompañado de diversas visuales de fondo, con una cálida tonalidad roja que salía de las pantallas tiñendo todo el espacio. “Moroccan Mountains” nuevamente fue la encargada de iniciar el set, el que esta vez obtuvo un cambio en su orden, así como la adición de otras composiciones. La estridencia desde las seis cuerdas retumbaba en todo el patio del Planetario, mientras Lee interpretaba canciones como “Uncle Skeleton“, “Circular (Right As Rain)” o “Electric Trim“, todas provenientes de su último trabajo de estudio.

Luego de la coreada “Off The Wall“, pedida constantemente por quienes presenciaban el show, Ranaldo sorprendió a todos con “New Thing“, presentada como su canción sobre el internet, donde el músico hace un repaso a la nueva sociedad en que vivimos, con redes sociales y la predominante importancia de los likes, así como de la aprobación general de las personas. El estado de éxtasis sonoro en el que Lee se encontraba en la sección instrumental de aquella canción, sirvió perfectamente como el paso natural hacia el cierre con “Thrown Over The Wall“, además de una sorpresiva interpretación de “Mote”, clásico de Sonic Youth que hizo cantar a quienes tenían ganas de recordar aquellos tiempos de Lee junto a su banda.

El evento principal del día era el debut de Cigarettes After Sex, proyecto del músico Greg Gonzalez, que vino a presentar su disco homónimo lanzado este año, bajo la calurosa noche santiaguina. Fue realmente un agrado escuchar parte de las composiciones presentes en este trabajo, más aún si consideramos el hecho de que este haya sido lanzado tan solo en junio pasado. El ambiente al aire libre sirvió como el contexto perfecto para dejarse llevar por toda la pasividad de “Sunsetz“, “Young And Dumb” o “I’m A Firefighter“, adornadas con la dulce voz de Gonzalez, cuya interpretación reflejó la efectividad de su música en situaciones como esta.

Con el marco de público más amplio de toda la jornada (muchos asistentes llegaron sólo a ver el show de la banda), Cigarettes After Sex demostró por qué se encuentran presentes en los festivales más destacados del mundo, gracias a su instrumentalización cercana y que profundiza en el sentimiento de intimidad, muy ad hoc con el nombre del proyecto. Cada minuto del show valió la pena, y eso lo sintieron todos quienes esperaron por cantar y escuchar en vivo canciones como “Affection“, “Nothing’s Gonna Hurt You Baby” o “Dreaming Of You“, canalizadoras de emociones y acompañamiento perfecto para el cierre bajo el cálido abrigo de la noche.

Es importante mantener vivas este tipo de instancias, donde tenemos la oportunidad de disfrutar un cartel con muchos nombres que siempre valdrá la pena ver en vivo. Ahora, En Órbita debe replantearse en miras de su próxima versión, donde esperamos puedan sorprender con un cartel tan sólido y variado como el que vienen entregando hasta este momento. Hay festivales para que la gente lo pase bien, así como hay otros para que se luzcan en los diferentes stands de las marcas, pero también están los que son para oír y apreciar la música, algo que es comprendido y muy respetado por quienes asisten. En Órbita afortunadamente cae en esa categoría; en efecto, ya lleva dos años cayendo en ella, por lo que es importante mantener el espíritu de una jornada que está hecha para apreciar y disfrutar lo más destacado en cuanto a calidad musical, además de descubrir y profundizar en proyectos que no son tan conocidos para el público casual.

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