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Strung Out: Memorias y recuerdos

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Hay encuentros que tardan en realizarse, pero cuando ocurren, se vuelven una experiencia imperecedera. Así fue la velada que se vivió dentro del Domo San Diego durante el esperado debut de Strung Out en Santiago. La banda, con más de 25 años de trayectoria, supo satisfacer a sus fanáticos durante una jornada memorable, que revivió los mejores años de la escena punk californiana de los noventa.

La apertura estuvo a cargo de los locales Childdish, quienes calentaron los motores para un reducido público que comenzaba a ocupar el recinto. “La Perversión”, “Oídos Sordos” y “Nuestra Amistad” movieron a los asistentes en un show que dio buena muestra de punk rock en corte melódico. Los teloneros cerraron con “A La Derecha” y “+1”, finalizando una presentación correcta a pesar de la escasa gente reunida en el recinto.

El Domo San Diego comenzaba a llenarse cuando Strung Out subía al escenario, siendo recibidos entre aplausos de sus fanáticos. La banda abrió con “Everyday”, provocando el revuelo inmediato y los primeros stage dives. La intensidad no se hizo esperar con “Rebellion Of The Snakes” y “Too Close To See”, mostrando el entusiasmo de su frontman, Jason Cruz, quien no dudó en recoger una bandera que recibió como obsequio mientras recorría el escenario. Entre gritos de frenesí, Cruz aprovechó de agradecer a los presentes durante la primera pausa de la banda. “Bring Out Your Dead” retomó la carga del show, acompañada por un amplio coro por parte del público, para luego interpretar “Soulmate”, homenajeando a otra agrupación ilustre de la escena, No Use For A Name.

Ya con la mitad de concierto recorrido, “Deville” marcó uno de sus puntos más altos, abriendo un gran mosh pit que invitaba a los presentes a girar alrededor. Sin tiempo para bajar los ánimos, “Exhumation Of Virginia Madison” continuó con el derroche de energía para cerrar con “Solitaire”, entregando una de las tripletas más fuertes del repertorio de los californianos, uno que continuaba con el reconocible riff del bajista Chris Aiken para dar inicio a “Firecracker”, una de las canciones más coreadas por el respetable.

Strung Out comenzaba a despedirse con su clásico “Match Box”, canción que dio el espacio para una hábil maniobra entre Cruz y Aiken, quienes intercambiaron sus roles a mitad de la interpretación. Como si fuese poco, Chris Aiken se despedía de Santiago lanzándose hacia el público completamente emocionado. La banda se retiraba del escenario, a pesar del entusiasmo que aún podía percibirse en el lugar. Durante el encore se dio más tiempo para la distensión, propinando los golpes finales con “Linoleoum”, tributando a NOFX, y “Gear Box”. El cierre definitivo dio un último espacio para los homenajes, en esta ocasión con un cover de “Bark To The Moon” de Ozzy Osbourne en clave de hardcore melódico.

Es curioso que un conjunto con la trayectoria de Strung Out haya tardado tantos años en debutar en escenarios de la capital. Afortunadamente, la banda fue capaz de demostrar energía por montones, inclusive más que en sus registros de estudio, regalando a sus fanáticos una jornada de recuerdos y memorias que quedaran guardadas en sus retinas.

Setlist

  1. Everyday
  2. Rebellion Of The Snakes
  3. The Animal And The Machine
  4. Too Close To See
  5. Bring Out Your Dead
  6. Soulmate (original de No Use For A Name)
  7. Monster
  8. Cult Of The Subterranean
  9. Nowheresville
  10. Deville
  11. Exhumation Of Virginia Madison
  12. Solitaire
  13. Firecracker
  14. Mind Of My Own
  15. Ultimate Devotion
  16. The Misanthropic Principle
  17. Match Box
  18. Linoleum (original de NOFX)
  19. Gear Box
  20. Bark At The Moon (original de Ozzy Osbourne)

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Gustavo Santaolalla: El arte de la trayectoria

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Gustavo Santaolalla

La física define a la “trayectoria” como el recorrido que describe un objeto que se desplaza por el espacio. Este término en el ámbito musical se usa indiscriminadamente para hablar de carreras en múltiples estados; ya sea que exista o no un recorrido presente, se habla de las trayectorias para definir a los más grandes, pero pocos emulan a la física y hacen que este desplazamiento continúe. Una cosa es el movimiento hecho, pero otra el que se sigue haciendo, y por prácticamente 50 años, si hay un artista latinoamericano que no ha detenido sus rumbos –y, por tanto, su camino– ese es Gustavo Santaolalla.

Desde el rock profundamente argentino que profesaba en Arco Iris hasta su actualidad, donde se mezclan soundtracks y producciones para artistas desde Café Tacvba hasta Eric Clapton, Santaolalla ha hecho un andar profuso y lleno de canciones, propias y ajenas. Sin embargo, como dijo antes de su primera visita como Gustavo Santaolalla a nuestro país (antes había estado varias veces con Bajofondo), recién a los 66 años lanzó su carrera como solista, la que tiene discos y canciones a su haber, pero que jamás había configurado para girar o mostrarse, quizás en el último acto de humildad que tiene un tipo que gusta del proceso, del camino, ese que invitó a desandar en un Teatro Nescafé de las Artes casi repleto en la fresca noche del 12 de septiembre.

Justo antes de iniciar el show, a eso de las 21:20 horas, el teatro comenzó a aplaudir sin que se hubiera levantado aún el telón: la presencia de Jorge González, quien trabajara con Santaolalla en “Corazones” y su álbum homónimo, generaba vítores raros para un país que no reconoce a sus ídolos en vida, y era un pequeño aperitivo de la energía y sensaciones que inundarían el espacio por casi tres horas.

Todo iniciaba con “Inti Raymi”, y la Santabanda –como se hacen llamar los músicos de Santaolalla– mostraba la variedad de timbres que aparecerían en el show. Con la ovación del teatro, Gustavo aparecía para instalarse y comenzar con el primer set, rico en canciones de Arco Iris, esa banda que armó cuando empezaba a relacionarse con la música, con canciones como “Abre Tu Mente” o “Camino”, las que en el formato de esta gira obtienen matices y colores únicos, alejándose de la falsa psicodelia que se le legó a una banda como Arco Iris, que simplemente incluyó el folklore en el rock en tiempos de apretones mentales y revoluciones hippies. Ahora estas composiciones son atemporales y su construcción sólo alcanza tintes clásicos con los arreglos de este espectáculo, donde es la canción la que manda. Quizás eso hace de Santaolalla un compositor cautivante: deja que la canción mande, y él y los suyos sólo son puntos que arman la trayectoria de estos temas.

Así, a diferencia de otros shows en este formato, se coló un par de temas de su trabajo solista en esta primera parte, “Un Poquito De Tu Amor” y “Compañeros del Sendero”, dos sorpresas de varias que vendrían. Luego volvería a Arco Iris con canciones como la conocida “Zamba”, “Quiero Llegar” o la “Canción De Cuna Para El Niño Astronauta”, tras la cual vendría el recuerdo a la gran Mercedes Sosa y al amigo de mil batallas de Gustavo, León Gieco, para cerrar esa primera parte con el “Río De Las Penas” Intensa forma de dejar esperando a una audiencia que ya veía que el concierto iba para largo, y que sería incluso más extenso que las fechas anteriores hechas por Santaolalla y la Santabanda, sólida en todo momento, con Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolás Rainone, Andrés Beeuwsaert y Pablo González haciendo gala de su carácter de multiinstrumentistas para dominar cada faceta que las canciones ponen en frente.

Al volver –­casi de improviso– Santaolalla irrumpe con “No Existe Fuerza en el Mundo”, que interpretara Gieco, mostrando lo importante de esa alianza para Gustavo. Luego de esto aparecería el trabajo completamente solista, con tracks como “A Solas” o “Todo Vale” para dar paso a otra corriente más atmosférica de la labor de este artista, que son los soundtracks, eligiendo “De Ushuaia A La Quiaca” de “Diarios de Motocicleta”, el main theme de la banda sonora del videojuego “The Last Of Us”, y un medley de “Brokeback Mountain”, mostrando la diversidad de espíritus, donde destaca el uso del charango y su timbre tan característico, entregando solemnidad y recogimiento, tal como el que se sintió en el homenaje hecho a Jorge González. Luego de mencionarlo para dar con una ovación gigante nuevamente, Santaolalla habla de los lazos que lo unen con González y dice que habrá un disco en honor a él, y que contará con una interpretación de “Por Amarte”, del “Corazones” (1991), ese disco que juntó por primera vez a dos de los artistas más importantes del continente. La versión fue sentida, contenida, una preciosa reversión donde Santaolalla ahondó en el sufrimiento del hablante. Si como compositor es clave, como intérprete se subvalora la intensidad que alcanza y que parece trascendental, más allá de lo obvio.

Debe ser, sino la experiencia, la trayectoria, esos caminos que se cruzan para corear “Mañana Campestre” o sentir “Pena En Mi Corazón”. Bajofondo y Arco Iris. Dos caras de un mismo creador, una apelando a las oscuridades y sus brillos, y otra a la belleza de la luz, tanto interna como externa, lo que trasunta en la belleza tierna de “Vecinos” y en la fuerza de “Ando Rodando”, que luego sólo crecería con la interpretación, a pura garganta y caja, en honor a la tradición de la vidala, para terminar con “Sudamérica” de Arco Iris y “Pa’ Bailar” de Bajofondo, ya con todo el mundo de pie, disfrutando de uno de esos artistas que no se cansan de deambular y hacer que su punto en la inmensidad del cosmos nunca deje de andar. Treinta canciones en casi tres horas, incluyendo el intermedio de quince minutos, emociones por montones y un sonido cálido que permitía a la voz de Santaolalla sobresalir. Pocas veces un espectáculo es capaz de capturar todas las facetas de un artista, en especial uno de tan amplio espectro, y ese fue el lujo que entregó Gustavo Santaolalla en el inicio de una gira solista que no es más que la demostración del más fino arte de la trayectoria.

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