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Stgo Rock City 2017, Día 1

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Desde que se anunció la realización de Stgo Rock City, todos supimos que sería una locura. Prometer ser el más grande festival que se ha visto en el país es una afirmación arriesgada, pero con un cartel que pretendía juntar a dos nombres tan gigantes como The Who y Guns N’ Roses, la idea no era tan descabellada. Primero, una banda que se sostiene en dos de sus cuatro pilares fundamentales, acompañándose con grandes músicos en vivo que les entrega la pulcritud y frescura necesaria para estos tiempos. Segundo, una agrupación que, luego de la casi imposible reunión de algunos de sus miembros, ha roto todos los récords posibles, girando por el mundo desde 2016. The Who y Guns N’ Roses tendrían la difícil tarea de cautivar al caprichoso público chileno, que sólo esperaban comprobar con oídos propios qué tan buenos (o malos) podían ser ambas agrupaciones en vivo, buscando principalmente una respuesta al porqué la distribución de los horarios, que dejaría a The Who tocando a plena luz del día y a Guns N’ Roses cerrando la jornada, hecho que más enfurecería a los acérrimos fans de los ingleses.

Lo que fue un camino difícil, con muchos baches impidiendo su flujo con normalidad, comenzaba por fin a estabilizarse. El festival Stgo Rock City logró concretar su primera jornada, la que siempre se mantuvo como la más potente, incluso antes de las cancelaciones de Ratt, L.A. Guns y Aerosmith, que dejaron al segundo día del festival considerablemente menos atractivo que su cita antecesora. El público desde temprano comenzó a llegar hacia el Estadio Monumental, mientras una que otra polera de The Who se asomaba entre todos los que querían ver nuevamente a Axl y compañía. Ya no había vuelta atrás, lo que todos estaban esperando por fin se estaba convirtiendo en una realidad.

Un poco después de las 17:00 horas apareció en escena Tyler Bryant & The Shakedown, los apadrinados de esta gira, que se han presentado como acto de apertura en varios países junto a los dos platos principales del día. Con una potencia demostrada apenas comenzó a sonar “Weak & Weepin’”, los oriundos de Nashville, Tennessee, realizaron un show preciso para calentar motores, principalmente enfocándose en el tremendo desplante escénico que poseen. Así, canciones como “House On Fire”, “Don’t Mind The Blood” o el cover para la clásica “Got My Mojo Working” (popularizada por Muddy Waters), mantuvieron atentos a quienes se encontraban en el estadio en esos momentos.

Luego de unos momentos de interacción con la audiencia, el joven Bryant logró ganarse a un público que muy posiblemente no tenía la menor idea de su existencia hasta antes de esta presentación, la que jugó un papel fundamental para acaparar nuevos fans, ya que repetirá plato en la jornada del día sábado para suplir la ausencia de las bandas canceladas. Finalmente, la banda finiquitó su show con las canciones “Lipstick Wonder Woman” y “House That Jack Built”, que ratificaron la esencia más de vieja escuela que posee su sonido, ratificando que el rock propiamente tal aún tiene futuro y, por lo visto con Tyler Bryant & The Shakedown, se ve que es uno muy prometedor.

Pese a que gran parte del público se encontraba ahí por Guns N’ Roses, no existe duda de que The Who era lo más esperado de todo el festival. Pues claro, los británicos debutarían finalmente en nuestro país, luego de una carrera que ya supera los 50 años, trayendo consigo una reencarnación que se sustenta bajo la figura de Roger Daltrey y Pete Townshend, sus dos caras principales. Lo que sucedió en el Estadio Monumental a contar de las 18:30 horas se puede resumir en una palabra: INCREÍBLE. No hay más, nada de adornos ni rebuscadas frases de halago, The Who entregó una verdadera cátedra de lo que es el rock & roll, con su potente sonido y atrevida actitud, mostrándose desafiantes y llenos de energía.

Sin mayores introducciones que la banda ingresando tranquilamente a tomar sus instrumentos, el estrepitoso aplauso que los recibió se vio interrumpido con los primeros acordes de “I Can’t Explain“, que pusieron a saltar a todo el mundo, desatando una verdadera fiesta que se desarrolló prácticamente sin interrupciones. Desde ahí en adelante The Who llevó a la audiencia por un viaje a través de toda su carrera, sonando verdaderos éxitos como “The Seeker“, “Who Are You” o “The Kids Are Alright” (este último dedicado a Víctor Jara, por parte de Pete Townshend), que iban pasando unos tras otros, sin dar respiro alguno.

La fórmula de The Who se ve efectiva en el contexto de esta “segunda vida” que se encuentran experimentando gracias a su banda de soporte, donde el baterista Zak Starkey destaca considerablemente sobre el resto, ya que su estilo de tocar batería (muy similar al de su padre, Ringo Starr, en ciertos momentos) se aleja de lo que alguna vez hizo el recordado Keith Moon, dándole un carácter más fresco y mucho más rebelde aún a la impresionante voz de Daltrey y el carisma y gran entrega de Townshend en el escenario. Esa rebeldía se sintió en “My Generation“, coreada por la totalidad del estadio, dando cuenta que, con himnos del rock así, es difícil que nadie sepa tus canciones. La emoción corrió por parte de “Behind Blue Eyes” y la tremenda “Love, Reign O’er Me“, clásico de “Quadrophenia” (1973) que demostró una de las facetas más consistentes y maduras del ex cuarteto. Entre las tantas facetas de la banda, ese lado medio progresivo de “Tommy” (1969) se vio reflejado en la tremenda interpretación de “Amazing Journey“, donde incluso se dieron el lujo de incorporar un fragmento de “Overture“, otra gran joya de su trayectoria.

La parte final dejó a todos prácticamente en el suelo. Desde “Pinball Wizard” The Who no dio tregua alguna, entregando composiciones tan legendarias como “See Me, Feel Me“, “Baba O’Riley” y el tremendo cierre con “Won’t Get Fooled Again“, canción de protesta lanzada en 1971 que, a 46 años de su creación, sigue teniendo el mismo significado de antaño. Más allá de la polémica por considerarlos como “teloneros”, The Who brilló con luces propias en un show que demostró lo que son: una banda que marca la diferencia, algo que desde sus inicios se empeñaron en dejar claro. Mientras todos se preocupaban de imitar a quienes estaban sonando en la radio, The Who prefirió crear su propio mundo, uno de lleno de riffs electrizantes, rebeldía a flor de piel, discos de carácter conceptual, historias a través de la música y, sobre todo, mucho rock & roll, elementos que transformaron al conjunto en una verdadera institución de la música popular, de esas que no tienen nada que demostrar porque no habrá hecho alguno que pueda empañar su impecable legado.

Luego de toda la vorágine que ocasionó The Who, Guns N’ Roses repitió el patrón del año pasado, comenzando increíblemente unos cuatro minutos antes de la hora pactada. La clásica intro de Looney Tunes, seguida de “The Equalizer“, precedió a “It’s So Easy“, canción con la que Axl y los suyos dieron inicio al show, igual que en 2016. La gira “Not In This Lifetime” ha recorrido prácticamente todo el mundo con su espectáculo, teniendo a Santiago como parada en dos ocasiones: octubre pasado en el Estadio Nacional y ahora en el festival Stgo Rock City.

No hay duda de que estamos frente a un show bien armado y estructurado, razón por la que la presentación de GN’R se sintió como un constante déjà vu en cuanto a la lista de canciones que el conjunto decidió interpretar. “Mr. Brownstone“, “Chinese Democracy” y “Welcome To The Jungle” sonaron en el mismo orden de su presentación anterior, aunque al público poco le importó eso, entregándose y sintiendo cada nota de la guitarra de Slash. Es importante destacar un punto en torno a esto: cada visita que el músico realiza a nuestro país supone una mejora considerable en su técnica y destreza con las seis cuerdas, mejorando su forma de tocar de una presentación a otra. Y toda esa afinación de detalles se siente en la banda, ya que el fiato entre sus integrantes es evidente. Luego de casi dos años girando sin parar, resalta a simple vista el hecho de que todos se conocen perfectamente.

El único punto bajo –a estas alturas nada sorprendente– es la voz de Axl Rose, que por momentos ni siquiera se escuchaba, aunque eso se debió al bajo volumen en el micrófono del interprete, artimaña ya utilizada por Rose hace mucho tiempo con el fin de mermar el evidente desgaste en sus cuerdas vocales. Asimismo, los “rellenos”. Si bien el show se extendió por más de tres horas, hay canciones que se sintieron fuera de lugar para cierta parte del público, principalmente esas introducciones de manera instrumental que se aplicaron para ciertos temas.

La banda, además, quiso recordar a quienes nos dejaron en el último tiempo con covers a “Wichita Line Man” de Glen Campbell, o “Black Hole Sun” de Soundgarden, donde el recuerdo al fallecido Chris Cornell sacó lagrimas a más de alguno entre el público. Retomando lo del fiato, esa comodidad hizo que el conjunto se sintiera como en el living de su casa: Duff McKaggan junto a Frank Ferrer sostienen muy bien la sección rítmica, permitiendo una química especial entre Slash y Richard Fortus, sobre todo en las secciones donde ambos intercambian solos. Eso se sintió en tracks tan esenciales como “Rocket Queen“, “You Could Be Mine” o “Civil War“, donde los solos se sintieron verdaderamente impecables, sin errar o desafinar en ninguna nota. En el lado más melódico, “Yesterdays“, “November Rain” y “Knockin’ On Heaven’s Door” permitieron justificar la adición de Dizzy Reed y Melissa Reese en teclados, que, aunque pasen algo desapercibidos, su función para entregar atmósferas es fundamental.

El encore final realizó unas pequeñas variaciones a lo del año pasado, partiendo igualmente con “Don’t Cry“, pero esta vez sumando “Patience“, la gran ausente de la vez anterior. Otro momento agradable se dio con “Whole Lotta Rosie“, cover de AC/DC, que precalentó el ambiente para “Paradise City” en su versión más escandalosa, ruidosa y épica que se ha interpretado en nuestro país a la fecha. La banda y público feliz, Guns N’ Roses se retiraba del escenario sintiendo el cariño y respeto de una fanaticada leal, esa que, a pesar de la tremenda interpretación, de la generosa extensión del show y del constante buen humor que se veía en el escenario, quedaron con una incógnita que fue algo general: ¿Estamos acercándonos al fin de esta esperada reunión? Sólo el tiempo lo dirá. La duda de lo que se vivió queda latente, y puede ser que la banda esté viviendo una reconciliación que perdure con un segundo aire, o puede que estén aprovechando a concho los últimos momentos de una reunión que podría tener fecha de vencimiento.

Así fue como dos leyendas concretaron su paso por la capital. Sí, dos leyendas, ya que negar la trayectoria e importancia que tuvo Guns N’ Roses en sus años de gloria es un ejercicio que roza en la ignorancia. Ambas bandas se desenvolvieron en contextos donde todos querían imitar al que estaba de moda, y tal como se mencionó con The Who, GN’R prefirió alejarse de eso y encontrar su propia identidad, marcando la diferencia por sobre sus pares. Es por eso que The Who no tiene problema en relegarle ese espacio principal a Axl y los suyos, eso es algo que se siente como una especie de agradecimiento por mantener ese espíritu rebelde y que va contra todo, algo que Pete Townshend sintió mucho durante sus inicios y que seguramente ve en muchas de las agrupaciones a las que The Who ha decidido acompañar en diversas giras. La calidad y elegancia escénica de The Who es algo que nadie podrá igualar, así como la versatilidad y destreza de Guns N’ Roses, que difícilmente tiene competencia de su época a la altura. Ahora queda esperar a la segunda jornada de Stgo Rock City, donde los ingleses de Def Leppard serán los encargados de demostrar su vigencia sobre los escenarios.

Por Manuel Cabrales y Sebastián Zumelzu

Fotos por Pedro Mora

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DÍA 2

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Congreso: En todos los puntos cardinales

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Congreso

Aunque la jornada maratónica que celebró los 50 años de Congreso tuvo mucho de historia y de recordar, es imposible decir que este haya sido un show impulsado por las nostalgias de un pasado que no volverá. En vez de eso, la noche del 24 de agosto fue perfecta para notar que Congreso sigue sonando a canción nueva, y que su creatividad les permite enfrentar el futuro con el optimismo de la fogata interminable.

Antes, mucho antes, a las 20:50 horas, las pantallas dispuestas en el escenario presentaron experiencias de fans y músicos ligados a la historia de Congreso. En este espacio se notaba de inmediato una de las características más implacables de la agrupación: jamás dejar alguien atrás. Si hay una banda que se preocupa de las historias y de los personajes borrosos en la foto histórica, esa es Congreso. Quizás por ello, en vez de expresar la relevancia en la historia de la música popular chilena de la banda, era mejor escuchar relatos personales, más cercanos, lo que cualquiera de las personas que repletó el Teatro Caupolicán pudo haber pensado o vivido.

Casi veinte minutos después, el show iniciaba con el septeto en escena despachando un tridente digno de cualquier antología con “Canción Por Encargo”, “A Las Yeguas Del Apocalipsis” y “Cacharpaya”, sin embargo, el primer karaoke colectivo vino con “El Trapecista”. Aunque con la banda hubiese sido suficiente, las pantallas y su disposición, la escenografía dispuesta ilustraba los distintos mundos que Congreso llevaba por delante, melódica y poéticamente desde 1969, desde el Quilpué natal, desde esa formación con todos los hermanos González, siendo trapecistas sin red en tiempos complicados, donde hacer rock era un medio de expresión visto como algo más indirecto que la “nueva canción chilena”, pero que medio siglo después suena más profundo que cualquier cosa que pueda aparecer hoy. El peso de la historia.

Para Los Arqueólogos Del Futuro” venía antes de una sección dedicada a ese disco que Congreso armó con textos y algunas voces de Nicanor Parra, con cinco tracks sonando inmediatamente, desde los “Recuerdos De Infancia” hasta “No Se Diga Que Somos Hispanoamericanos”. Letras profundas, entendiendo el poderío de una antipoesía subversiva que requería de trazos musicales corrosivos con lo usual, tal como acostumbra Congreso.

El concierto duró casi cuatro horas, pero la configuración de ejes temáticos hizo que todo se pasara volando, incluyendo un set dedicado al disco “Los Fuegos Del Hielo”, ese álbum de 1992 hecho para ser presentado por el Ballet De Santiago en la Expo Sevilla. Con la presentación de un bailarín, haciendo eco de la intención original de estas canciones que se inspiran en la extinción de los aonikenk, yámana, selknam y kawésqar en el sur de país, de pronto el teatro se volvió un espacio conceptual, que inmediatamente tendría que pegarse la voltereta. Joe Vasconcellos, Ernesto Holman y Ricardo Vivanco se subieron al escenario para mostrar la etapa ochentera de Congreso, con la ovación de un público entusiasta, que, tras “Hijo Del Diluvio” y “Viaje Por La Cresta Del Mundo”, se unió a Joe en el karaoke con “Hijo Del Sol Luminoso”. Un momento de júbilo, rescate histórico, y también de amistades en el escenario.

Y, claro, historias hubo por doquier, con Francisco Sazo siendo el más galán en “Y Sus Ojos No Me Dejan De Mirar” o con “Pájaros De Arcilla” teniendo un cierre glorioso con la lenta pero impactante presencia de Banda Conmoción entregando un intermedio solemne, a la usanza de las bandas antiguas, esas con miles de instrumentos, voluntades y comunidad. Por eso Congreso se puede permitir reuniones especiales, y muchas. La primera formación de la banda irrumpió en escena con Patricio y Fernando González, y Fernando Hurtado, uniéndose a Hugo Pirovich, Pancho Sazo y Sergio “Tilo” González para hacer canciones de aquellos tiempos, como “Maestranzas De Noche”, “Juego”, “Tus Ojitos” y “El Cielito De Mi Pieza”, para culminar esa sección con “Vuelta y Vuelta”, en una demostración de cómo siempre Congreso estuvo adelantado y siempre suena a vanguardia, incluso en tracks más ligados a sonidos tradicionales.

Es que Congreso sigue siendo referencia y cima, en evolución implacable, como mostró “La Canción Que Te Debía” (2017), el que incluso les dio el Premio Pulsar al álbum del año, y cómo no pasaría eso con canciones como “Premio De Consuelo” o la que le da nombre al disco. En vez de exuberancia, lo que se ve en estos temas es la madurez de entender cómo la canción necesita de ciertos elementos para disponer de aire y respirar. Evitando ahogos es que llegamos a los navíos, para enfrentar el mar humano donde unos barquitos de papel iluminados se elevaron junto a un son en honor a Jaime Vivanco, músico icónico parte de Congreso y Fulano, quien falleciera en 2003.

Más de Nicanor Parra vino después con “El Rey Midas” y “Días Atrás Un Árbol Me Preguntó”, donde la banda se acompañó de Simón González, en una guitarra prístina (quizás acallando a esa persona en el público que gritó imprudente e irrespetuosamente durante todo el show que “dónde está Simón”). Tras ello, se sumó Magdalena Matthey a cantar “Pasillo De Amor” e inmediatamente Isabel Parra para estremecer al público con “Canción De La Verónica”. Pero el tren de colaboradores no terminaba, porque Claudio “Pájaro” Araya se subió a hacer “El Festejo De Tatana” en un duelo de cajón peruano con Raúl Aliaga.

La ovación a Jorge Campos fue aún mayor, en especial por las canciones en las que acompañó a Congreso. El también ex Congreso y Fulano estuvo en “Heroína De Nueva York” y “Viaje Por Una Ilusión”, cuando ya parecía que la energía estaba a tope. Pero con estas canciones fue que la gente quería levantarse de sus asientos a bailar, algo que pasó finalmente “En Todas Las Esquinas”, cuando, junto a un par de percusionistas de música africana, la banda invitó a todo el mundo a ponerse de pie, a bailar, a disfrutar, en un show que apuntó a todos los espacios, a todos los lugares, a todos los sonidos, mirando al norte, mirando mucho al sur, pero también alrededor.

Congreso se nutre de lo que pasa y de lo que no se ve, y quizás por ello es que, luego del papel picado y la explosión con ese clásico de clásicos, luego vendrían dos canciones más cercanas para cerrar definitivamente todo. “Con El Corazón” con Sazo en la voz y “Tilo” en el charango, y “Canción Por La Paz” cerraron casi cuatro horas de un show histórico, que como pocas veces logró mostrar de cuerpo entero a una agrupación, sus historias, su historia, y también lo que podría venir más adelante… en los próximos 50 años de Congreso.

Setlist

  1. Canción Por Encargo
  2. A Las Yeguas Del Apocalipsis
  3. Cacharpaya
  4. El Trapecista
  5. Para Los Arqueólogos Del Futuro
  6. Importante
  7. Recuerdos De Infancia
  8. Ya No Sueño
  9. Cero Problema
  10. No Se Diga Que Somos Hispanoamericanos
  11. Hay Una Mirada
  12. Nocturno
  13. El Silencio Sagrado
  14. Canción Del Último Hombre
  15. A Los Sobrevivientes
  16. Hijo Del Diluvio
  17. Viaje Por La Cresta Del Mundo
  18. Hijo Del Sol Luminoso
  19. Y Sus Ojos No Me Dejan De Mirar
  20. Ángel, ¿Dónde Estás?
  21. Pájaros De Arcilla
  22. Intermedio Banda Conmoción
  23. Maestranzas De Noche
  24. Juego
  25. Tus Ojitos
  26. El Cielito De Mi Pieza
  27. Vuelta y Vuelta
  28. Premio De Consuelo
  29. La Canción Que Te Debía
  30. Intermedio Barquitos de Papel
  31. El Rey Midas
  32. Días Atrás Un Árbol Me Preguntó
  33. Pasillo De Amor
  34. Canción De La Verónica
  35. El Festejo De Tatana
  36. Heroína De Nueva York
  37. Viaje Por Una Ilusión
  38. En Todas Las Esquinas
  39. Con El Corazón
  40. Canción Por La Paz

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