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Spyair: Un nuevo comienzo

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No existe un lugar más emblemático para el rock japonés en nuestro país que el Teatro Teletón, lugar donde hace diez años vimos el debut de Miyavi, el puntapié inicial para lo que iría sucediendo posteriormente, anotando hitos como el segundo concierto del mismo músico en 2009, el debut de Versailles en 2010, o el regreso de estos últimos a los escenarios el año pasado, escogiendo a Chile como una de las primeras plazas en recibir su gira de reunión. Ahora, el recinto albergaría a Spyair, una banda quizás mucho menos popular que las mencionadas anteriormente, pero que llegó a lo grande para revivir esa llama que se creía apagada. Punto aparte, el conjunto trajo de invitados a la agrupación ROOKiEZ is PUNK’D, convirtiéndose así en una instancia inédita para un show de J-Rock en nuestro país, ya que (omitiendo contextos de festivales) ninguna banda había traído a un compatriota como show de apertura para su concierto.

Los primeros en salir a escena fueron precisamente ROOKiEZ is PUNK’D, quienes gozaban de una popularidad tan general como la agrupación principal, por lo que el show que entregaron –que alcanzó los 45 minutos de duración– se sintió como un concierto propio. Comandados por el gran carisma de su vocalista Shinnosuke, realizaron una presentación que se preocupó de mostrar lo más destacado de su repertorio, poniendo especial énfasis en “The Sun Also Rises” (2018), el tercer y último de sus discos de estudio, motivo de promoción de la gira que, milagrosamente, les permitió presentarse en nuestro país por primera vez. Ya lo dijo el vocalista en una de sus tantas intervenciones en un elaborado español: les habían ofrecido muchas veces venir a Chile, pero su agenda no se los permitía. Lo cierto es que su show demostró que pueden lograr una fecha solitaria en un futuro, permitiendo ver un halo de luz hacia los sonidos de oriente, que poco a poco vuelven a ganar relevancia.

Luego venía el turno de la banda principal, ya que todos esperaban ver finalmente a Spyair en nuestro país. Puntuales, como debe ser, los nipones no hicieron esperar para demostrar su potencial en vivo, abriendo con “Genjou Destruction” y “GLORY”, coreadas por todos los fanáticos que saltaban en la cancha, mientras que el dúo conformado por Uz y Momiken, en guitarra y bajo, respectivamente, se paseaban por el proscenio a la par que desplegaban los encendidos acordes de sus canciones. En ese sentido, es refrescante ver cómo una nueva camada de artistas japoneses se encarga de volver a encender la llama que alguna vez mantuvieron agrupaciones como the GazettE o AN CAFE, refrescando los sonidos del denominado J-Rock e intentando recuperar la relevancia que durante un período tuvo en occidente. Ya lo vimos con One Ok Rock el año pasado, y en cierta forma también con ROOKiEZ is PUNK’D en el show de apertura; estamos frente a una generación de artistas que la tiene un poco más fácil en términos de difusión gracias a las redes sociales, pero que aun así han batallado por hacer que su música llegue hasta países tan lejanos como el nuestro.

Bajo el gran carisma de su vocalista Ike, Spyair se preocupó de dominar el escenario y no mostrar una pizca de nerviosismo frente a un público que seguía cada uno de sus movimientos. A la par que la batería de Kenta ejecutaba los consistentes batacazos de “I’m A Believer”, la banda sabía que eran los dueños de la noche y no temieron en ir desplegando canción tras canción, como si se tratara de los capítulos más impactantes de un repertorio de antología, sintiéndose frescos y llenos de ambición, pese a los más de 10 años que acumulan como banda activa.

Así fueron pasando canciones como “JUST ONE LIFE” o “Imagination”, las que llevaron hacia una de sus composiciones más conocidas, “Samurai Heart (Some Like It Hot!!)”, presente en la serie de animación “Gintama” (Shinji Takamatsu, 2006-2010), que fue cantada con gran entusiasmo por cada uno de los presentes. Finalmente, “SINGING” fue la encargada de dar por terminada la noche, poniendo el broche de oro a un concierto que se sintió fugaz, pero que no desaprovechó ningún espacio para beneficio de su ejecución. Spyair le entregó a su fanaticada el show que todos querían ver, y eso la gente lo agradeció.

Lo que se creía ya una batalla perdida, parece que nuevamente vuelve a generar interés, ya que Spyair demostró el hecho de que una nueva camada de fanáticos de la música japonesa está surgiendo no sólo en Chile, sino que también en el resto de América. Japón es un país que por cosas de la vida nunca ha logrado llevar tan lejos a sus bandas más emblemáticas, algo producido principalmente por las barreras del idioma, lo que le ha negado la posibilidad al público masivo de adentrarse en los sonidos tan únicos de agrupaciones como LUNA SEA, BUCK-TICK o L’Arc~en~Ciel, capaces de llenar estadios de 50 mil personas en su país de residencia. El show de Spyair se puede tomar como un nuevo comienzo, uno que abrirá puertas a bandas no tan conocidas por el momento, sin embargo, que hará justicia por quienes marcaron un precedente y decidieron cruzar el charco para mostrar su música, una que es extraña y llena de contradicciones, pero que a fin de cuentas siempre sonará fresca y original, muy diferente a todo lo que nos rodea actualmente.

Setlist

  1. Genjou Destruction
  2. GLORY
  3. Wendy ~It’s You~
  4. Last Moment
  5. I’m A Believer
  6. Sakuramitsutsuki
  7. BEAUTIFUL DAYS
  8. My Friend
  9. Hold It Buster
  10. JUST ONE LIFE
  11. Imagination
  12. RAGE OF DUST
  13. Samurai Heart (Some Like It Hot!!)
  14. I Wanna Be…
  15. SINGING

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Festival 10 Años Fauna

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Este es el primer review en vivo de HumoNegro desde que estallara el descontento social en más de tres semanas frenéticas donde la represión está a la orden del día, y los ojos se abren (y casi 200 lamentablemente por acción de Carabineros se han cerrado) cada día más. No es precisamente un entorno normal, y es en medio de esa extraordinaria contingencia que Fauna Producciones celebró sus 10 años con un festival que, en el papel, tenía muchos puntos atractivos, pese a que existiera gente que lo mirara en menos tras la cancelación de la edición 2019 de Fauna Primavera. Dentro de la delimitación del Parque Metropolitano, el Parque Mahuidahue en la comuna de Recoleta era el punto de encuentro, que aparentaba ser una brecha de aire fresco en medio de semanas tensas, fuera de lo común, difíciles. Pero, lamentablemente, el intento de preservar los aires de normalidad fue el pecado fatal que dinamitó todo lo bueno que estaba construyendo esta jornada de música de calidad y mucho calor.

Las puertas abrieron recién a las 13:40 hrs., mientras que el show que supuestamente comenzaba a las 13:30 hrs. recién partiría casi una hora más tarde. Lo aparente es que la prueba de sonido de Little Simz y sus músicos se retrasó, algo que más tarde también golpearía el fluir del encuentro. Mientras, la gente probaba los pocos retazos de sombra que había en el escenario principal del festival, Red Bull, que se instaló en una cancha de pasto sintético, con todo muy ordenado, bien delimitado, sin aparentes contratiempos.

Francisco Victoria

La música recién partió a las 14:28 horas, con el único músico nacional que se subiría al escenario principal, Francisco Victoria, quien no sólo mostró solidez absoluta en su desplante, pese a que también le afectó el calor que ya a esa hora marcaba 33ºC en Santiago, sino también el arrojo para mostrarse por completo en 35 minutos. Todo su disco debut, “Prenda” (2018), pudo sonar, y además el single “Querida Ven”, dedicado al momento político y social del país y que tuvo en Felicia Morales a un reemplazo más que competente para la parte de Juliana Gattas, algo necesario en una canción así de conversacional.

La banda es un gran apoyo para Francisco, quien en contados momentos se colgó un instrumento para poder maniobrar como el frontman que está siendo hoy por hoy, con la propia Felicia, Raúl Abarca y Daniela Riquelme como actores de reparto en este guion que ve en Francisco Victoria a un protagonista claro, que emociona en “Cuídeseme”, inquiere en “Cruza El Puente” o cautiva en “Marinos”. Brillante inicio de jornada, pese al retraso.

Little Simz

Más tarde sería doloroso lo que generarían los retrasos vistos respecto a Little Simz, pero la rapera londinense que despachó uno de los discos del año con “Grey Area” (2019) fue probablemente el mejor show de todo el día, con una energía tan contagiosa como extraña, con esa fuerza que tienen las y los artistas que marcan la diferencia.

A las 16:10 horas partió el espectáculo de Little Simz con su banda, todos de estricto vestuario blanco, al igual que el revestimiento del micrófono de la artista, que entró siendo la jefa (“Boss”) y luego entregó esa peripecia de las rimas que explican cómo el sistema apunta con el dedo para no dar oportunidades (“Therapy”). El tren ágil del inicio del show cerró con el tema que le abrió oportunidades a Little Simz, “God Bless Mary”, mostrando todo lo que tiene para ofrecer, desde una sensibilidad soul hasta una pluma afilada para resaltar las vivencias de las mujeres y todos quienes necesitan chances.

Pressure”, “Backseat” o “Good For What” son muestras de que la rapera entiende cómo no sólo el talento asegura tener una voz digna de escuchar, sino también hay dificultades que sortear, bocas que acallar y sociedades que cambiar. Ella lo dejó claro en su mensaje político: “Mantengan la cabeza en alto. Ustedes son fuertes”. No hay dudas en el ethos de Little Simz, por eso fue tan sencillo que dejara a todo el público encendido, compitiéndole al intenso sol golpeando la ladera del cerro, porque cada acción hecha por la artista quiebra la rutina, es extraordinaria, y eso fue lo que sintió el público. Se trata de una artista en la cúspide creativa y eso se notó. “Venom”, el hit “Selfish”, “101 FM”, “Flowers” y el cierre con “Offense” para apenas 50 minutos, pero que dejaron huella en el debut solista de la londinense en Chile (antes cantó con Gorillaz). Lo problemático fue el retraso que dejó su presentación y preparación: 85 minutos que serían calvario y desolación más tarde.

Khruangbin

Cuando el trío de Houston, Texas, se subió al escenario de 10 Años Fauna, estaba claro que la onda sería muy diferente a la intensidad de Little Simz. En vez de rimas, mensajes e ideas, lo de Khruangbin involucró un viaje por los sentidos que quedaban abiertos, cuando ya el sol había quemado más allá de lo debido la piel y los pies comenzaban a tener esa incomodidad típica de un festival.

Más gente llegó y se sucedieron canciones como “Dern Kala”, “August 10”, “The Infamous Bill” o “Mr. White”, convirtiendo a la cancha en un espacio más etéreo, sin límites, transformando la tarde en lo que siempre quiso ser: un oasis en medio de lo extraordinario. Allí Laura Lee, Mark Speer y Donald Johnson mostraron su calidad como instrumentistas y también como presencias magnéticas en el escenario. Speer y Lee son imposiblemente cool, y cada cosa que hicieron con sus instrumentos o con las acotadas palabras en español esforzado que regalaban al público tenía esa vibra de superestrellas. En tanto, la batería de Johnson era una fuerza que no por poco estridente era menos potente.

El momento visagra del show, eso sí, fue cuando se animaron con un cover de “El Derecho De Vivir En Paz” de Víctor Jara, con las clásicas líneas de guitarra del himno de las movilizaciones sociales de este año. Nuevamente, lo extraordinario se colaba en este intento de poner un poco de normalidad en el Parque Mahuidahue. Luego de 65 minutos, el trío culminó su show debut en nuestro país, el que sin duda ayudó a tener un poco de frescura y de ese rock atemporal que pocas veces suena tan contemporáneo como lo hace en manos del trío texano.

BadBadNotGood

Speaking Gently” era el tema que inició el show de BadBadNotGood en este retorno a nuestro país, esta vez sin novedades discográficas inmediatas, pero en un formato festivalero que trajo las mejores canciones del conjunto, en una especie de show de grandes éxitos con su formato de cuarteto implacable, con un sonido de lujo que mezclaron con temas completamente nuevos que han estado probando en conciertos durante los últimos meses.

Tampoco es que se trate de una reinvención del conjunto, porque eso no es, pero sí en el show se notó cómo es que la dinámica incesante y en constante evolución de BadBadNotGood se privilegia en pos de romper esquemas. En medio, tracks más clásicos como “Weight Off” o “And That, Too” corroían las ganas de reposar por parte de un público muy activo con el grupo canadiense, que aún está buscando las formas más eficientes de usar a Leland Whitty, único miembro no fundador, que con su manejo del clarinete o el saxofón conseguía ahondar y generar cruces efectivos con el teclado de Matt Tavares.

BadBadNotGood lucen como investigadores de las posibilidades del jazz, y es eso lo que demostraron en casi una hora de solidez irresistible. Tal vez el show más ensimismado, pero, a la vez, el de perfección más evidente en el marco del evento del décimo aniversario de Fauna.

The Whitest Boy Alive

Cuando ya la noche había caído y el escenario Boiler Room tenía a mucha gente bailando y disfrutando, en especial tras el brillante set de Pepo Fernández y Nico Castro con trazos de disco, electrónica y pop latino, en una mezcolanza que no dejó indiferente a nadie, venía el que se suponía que era el primer plato fuerte del evento, sin tanta mezcla como lo que se veía en el otro escenario, pero sí marcando un hito con la mera presencia ahí. Erlend Øye volvía a tocar en Chile, y en eso no había novedad, pero sí la había en que era con The Whitest Boy Alive, quizás su proyecto más pop y más “feliz”, dentro de lo que se pueda comentar. Algo raro, pero divertido de advertir, con el cuarteto en pleno para tocar luego de diez años sin editar nuevos discos, aunque con las ganas de disponerse para divertir a la gente.

Y lo hicieron desde casi el comienzo, pasadas las 20:35 hrs., cuando en “Courage” el baterista usó una olla y su baqueta para introducir el sonido del cacerolazo en la canción, y jugar con Erlend. El sonido de TWBA es muy indie, pero también muy pop, y por ello la gente pudo saltar y bailar con prácticamente todo lo que aparecía en los parlantes, ya fuera con “Burning”, “Fireworks” o “Bad Conscience”.

La banda tiene en los teclados de Daniel Nentwig el otro gran pilar de su sonido, entregando trazos que ningún otro proyecto de Øye posee, y eso le entregó una aspiración de diferencia muy grande al show. Y otra cosa: se notó siempre que la banda lo pasó increíble tocando frente a un público otra vez. Siete años es mucho tiempo, sin embargo, la capacidad de demostrar sin artilugios cómo logró fluir cada canción es algo que no lo entrega el ensayo, sino que la química del grupo. El público jugaba también en ciertos momentos a integrar el grito “El que no salta es paco” dentro de las canciones, pero esto tuvo su apogeo en “1517”, la que cerró el show, cuando Erlend la presentó con un pequeño discurso sobre la democracia, citando también la frase del coro que habla de la libertad, antes de ponerse a tocarla. En el final del tema, la gente comenzó a gritar “El pueblo unido jamás será vencido” y, tras ello, TWBA integró “Show Me Love” de Robin S. como un cover, con el cacerolazo sonando de nuevo, y con el retorno del grito del que no salta en su puesto es parte de las fuerzas policiales.

Incluso en el oasis más profundo de la catarsis musical era imposible abstraerse de lo ocurrido en el país. Con 55 minutos, el show de regreso de The Whitest Boy Alive no sólo los mostró sueltos y compenetrados, sino que también parecía el preludio perfecto para lo que sería el gran cierre con Hot Chip.

Pero Hot Chip jamás se subiría al escenario. ¿Qué pasó? ¿Qué hizo que la banda principal en el evento cancelara en el último de los minutos? Parte de la explicación tenía que ver con una pequeña barricada en las afueras del parque. Otra parte, venía de la mano con robos en buena parte de los vehículos estacionados en esos mismos alrededores. Por “razones de seguridad” el show se detuvo y la gente quedó en shock, y más aún al ver a Erlend asomarse y acercarse a la reja con la gente para conversar a viva voz y explicar lo ocurrido, tras el anuncio improvisado hecho por los parlantes. Pese a que pareció un movimiento de la producción, luego se aclaró que fue el propio músico noruego el que se quiso acercar a la gente para retribuir el afecto, pero también, como él dijo, porque sabe de esa sensación de quedar esperando un show que se canceló en las últimas. Erlend explicaba y la gente se indignaba más. ¿Dónde estaba la producción? ¿Dónde está la aceptación de algún error? Eso es lo que deja un sabor muy amargo tras 10 Años Fauna, al ver a una de las productoras de mejor curatoría del negocio de los conciertos en nuestro país sucumbir ante errores que la dejan mal ante quienes compran los tickets. Quizás en el caso particular de este evento el error principal fue pretender normalidad en un contexto extraordinario, y más aún al dejarse llevar por el retraso inicial que terminó sepultando la posibilidad de tener a Hot Chip cerrando con broche de oro la celebración.

Fuera del calor, el lugar estuvo bien ordenado y con un sonido que se perdía mucho menos que en el vasto Espacio Broadway; la gente se portó bien y las bandas entregaron shows de calidad. Incluso, la alianza con Boiler Room impulsó aún más la electrónica en el marco del festival. Entonces, ¿por qué todo queda como algo más sombrío? Tiene que ver con esas cancelaciones de último minuto, con no prever que, en vez de atrasar la jornada, quizás era mejor adelantarla. En el afán de tener un oasis, que logró concretarse en la mayoría de este sábado 9 de noviembre, todo quedó al final como un espejismo de los duros. Gente llorando al no tener ese break final en medio de días de mierda, en medio de semanas de terror y en medio de un país en su revolución más incomprendida, era el cuadro más terrible de un evento que merecía esa chance que al final se esfumó en el afán de una normalidad plástica, afectando las sensaciones frente al arte real de, como siempre, uno de los carteles mejor curados en festivales en nuestro país.

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