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Santiago Gets Louder 2015: Faith No More

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Rock alternativo. En general así definen a Faith No More, pero claro, el término es tan manoseado y se le pone en el cuello a cada propuesta que hay por ahí, que es inexplicable, y ahí se pierde la fuerza del concepto que FNM encarna como tal vez no lo hace ninguna otra agrupación del planeta. Esto porque, de forma exitosa, la banda ha conservado su capacidad de instalarse en los márgenes de los estilos para experimentar y lograr relevantes, consiguiendo no repetirse a sí mismos y además concertar hits que, especialmente en Chile, generan una devoción profunda, tal como se pudo advertir a lo largo del retorno luego de casi cuatro años de Faith No More a Santiago para encabezar, junto a System Of A Down, el Santiago Gets Louder 2015.

02 Faith No More @ Santiago Gets Louder 2015

Todo el día hubo sobre el escenario principal N° 2 una bola de espejos y, pensando en los shows que se avecinaban en la jornada del SGL, no cabía duda de que se trataba del espíritu de FNM posándose sobre cualquiera que usara el escenario antes que ellos, casi como marcando territorio. Mencionar dicha bola no es antojadizo, porque no sólo se trata de un elemento decorativo que ayudó a tener instantes divertidos, con una versión funk y r&b de “Midlife Crisis”, sino porque es parte de la declaración de principios implícita con la que funciona Faith No More, que es con el prejuicio erradicado de toda ecuación en pos de sobresalir simplemente por lo importante, que son las canciones y las interpretaciones.

Encasillar a FNM debe ser el acto más fútil del mundo, pero si los conceptos sirven para algo, es para darnos cuenta de que sí, No Más Fe (como refirió Patton en cierto momento) es una banda que encarna ambos lados del rock alternativo, y lo hace con gracia, potencia, incluso con humor, le guste o no a muchos. Se la jugaron con un sonido funk y sucio antes de que apareciera Red Hot Chili Peppers o el grunge, y con los elementos electrónicos y más experimentales antes que Radiohead sacara el “Kid A” en 2000, y esa no es obra de Mike Patton, porque el motor creativo de FNM siempre ha sido el tándem conformado por dos de los fundadores del conjunto, Roddy Bottum y Billy Gould, quienes controlan el ritmo y los matices de la propuesta del quinteto. Claro, la guitarra de Jon Hudson tiene partes reconocibles de las canciones de Faith No More, pero es en el bajo y el teclado donde reside la mayor parte del encanto de las composiciones de la banda, y no es una coincidencia que los mayores éxitos de la agrupación, como “Epic” o “Evidence”, tengan como elementos característicos a estos instrumentos. Así, es fácil saber dónde fijarse cuando se tiene la chance de ver nuevamente sobre el escenario a Faith No More, como fue el 27 de septiembre, en una noche de nubes rojizas en Cerrillos.

03 Faith No More @ Santiago Gets Louder 2015

Es importante notar cuánto cree FNM en su presente. No sólo partieron con “Motherfucker”, el introspectivo y misterioso primer sencillo de “Sol Invictus”, su disco de regreso tras casi 18 años de silencio, sino que también incluyeron siete de los diez tracks de esta producción en un show festivalero como fue el del Santiago Gets Louder. Que casi la mitad del show refiera al material nuevo no sólo implica que te guste lo que estás haciendo, sino que quieres darle una proyección relevante, transformarlo en algo memorable, y le das esa responsabilidad, a la que también el público responde de ciertas maneras: indiferente como se vio en el casi mediocre show que ofrecieron los norteamericanos en Rock In Rio a mediados de la semana pasada, o participativo como se pudo notar en la velada con muchas emociones que se pudo advertir en SGL.

Mike Patton fue el personaje de siempre, entrando en una silla de ruedas como “Kenita” Larraín, jugando con un bastón y tirando tallas como la del “manjar” y usando muchos modismos, pero aun así no se veía que tuviera tanta comunicación con la gente, y analizando su performance vocal, no se le puede atribuir a que estuviera bajo efectos de alguna sustancia, sino que probablemente a las consecuencias del costalazo que se pegó en Brasil, que lo dejaron con la espalda dañada. Aquello permitió también que el show fuera una metralleta en acción, sin pausas mayores y con pocas oportunidades para que alguien se aburriera, también porque la performance de la agrupación fue, en lo musical, mejor que su último par de veces en Chile, con sólo reparos a la labor de Hudson en ciertos pasajes de “Superhero”, donde no hace gala de la potencia del riff de las estrofas, o en un par de momentos de “Epic”, donde la guitarra parecía separada del resto del combo, aunque ese era un tema más de sonido.

21 Faith No More @ Santiago Gets Louder 2015

Incluso Patton se vio mejor que en muchos streamings que se pudieron revisar previamente a Santiago Gets Louder, y es que se notaba que era el show final de una gira que vio a la banda tratando de tomar su lugar de una vez por todas, y que en parte lo logró. Chile es un caso especial. El amor por Faith No More y la figura de Mike Patton hace que cada ocasión de FNM por estos lares sea multitudinaria, pero en el resto del mundo es una banda de culto, más cercano a lo indie, y desde ese margen es encomiable ver a No Más Fe con tanta comodidad encabezando un festival, tomando el centro de la luminaria, no sólo ganándoselo, sino que también con la sensación de que nacieron para eso. Tal vez por ello es que eligieron ese escenario para cerrar este tour y, viendo los 85 minutos de espectáculo, sin duda que fue una buena decisión.

04 Faith No More @ Santiago Gets Louder 2015

El set de FNM fue conciso, compacto, sin mayores aspavientos, y así se pudieron disfrutar temas que la banda toca muy poco, como “Spirit”, la que cierra “Introduce Yourself” (1987), o “Chinese Arithmetic” del mismo disco, que sonaron especialmente bien y con muchos nexos en sonido con las de “Sol Invictus”. Claro, los momentos más memorables vinieron con los clásicos. “Midlife Crisis” no sólo tuvo el quiebre onda disco, sino que también fue presentada como una canción “para Don Chanchisco Corleone” por un Patton al que en cualquier momento lo llevan al Festival de Viña, porque disfruta cada talla chilenizada que tira como si fuera lo mejor de su vida. Pero también sonaron muy fuerte las canciones nuevas. “Black Friday” sonaba como una canción que perfectamente podría haberse mandado Morrissey hace algunos años; “Separation Anxiety” transmitía pura ansiedad y potencia; “Matador” y “Cone Of Shame” tenían lo sombrío del disco aumentado al doble, y así ninguna de estas canciones quedaba corta en relación al todo. Claro que las reacciones del público eran bastante mesuradas en medio de la muchedumbre al respecto. Obvio, muchos no entienden que este no es un show para mostrar un set de grandes éxitos, como habían sido todos los shows anteriores, sino que aquí FNM mostró un material nuevo, con todo lo que ello implica.

13 Faith No More @ Santiago Gets Louder 2015

Faith No More no se ha encasillado jamás en un cuadrado pequeño. Sus movimientos son amplios, ampulosos y a veces también con la técnica necesaria para dominar diferentes campos. Como el bailarín de ballet que tiene una capacidad de usar el espacio que sea porque es capo para lo que hace, FNM se acopla al escenario donde se presenta, y ello lo permite el dominio que tienen no sólo de su discografía, sino que también de los estilos diferentes que han dispuesto en su trayectoria, desde el pop hasta el rock, pasando por el funk o incluso un sonido más cinemático. Rock alternativo, y a mucha honra, que además le hizo sentido a un público que esperó mucho tiempo por este reencuentro que valió la pena las caídas y las sensaciones. Épicos, los matadores vestidos de blanco clerical hicieron que su presente valiera oro, y que su próxima visita ya sea esperada con brazos abiertos.

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Luis Marchant

Setlist

  1. Motherfucker
  2. From Out Of Nowhere
  3. Caffeine
  4. Everything’s Ruined
  5. Evidence
  6. Epic
  7. Black Friday
  8. Midlife Crisis
  9. Chinese Arithmetic
  10. The Gentle Art Of Making Enemies
  11. Easy (original de Commodores)
  12. Separation Anxiety
  13. Spirit
  14. Matador
  15. Ashes To Ashes
  16. Superhero
  17. Sol Invictus
  18. Cone Of Shame
  19. We Care A Lot

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5 Comentarios

5 Comments

  1. Chesa

    28-Sep-2015 en 11:52 pm

    En desacuerdo con la frase “…la performance de la agrupación fue, en lo musical, mejor que su último par de veces en Chile…” Ya que la penúltima vez cerraron la gira con un tremendo show (2010) y en la última del año 2011 tocaron el King for a Day completo (también en un festival) con músicos de lujo como Trey Spruance, un coro magnífico para Just a Man. Ojo ahí. Fue bueno y magnífico haberlos visto pq Faith no More es lo más grande pero no fue su mejor show.

    • Fracisco

      30-Sep-2015 en 3:27 pm

      De hecho creo que la presentación con Trey Spruance del King for a Day al completo fue la presentación mas poderosa que ha tenido aqui en Chile y a nivel de recordatorio creo que se le podria comparar a la venida en viña del mar y al recital que realizaron en el 95 creo en el monster of rock. Escuchar dos guitarras en Faith no More fue algo necesario hace mucho tiempo. Hay una cosa que me hizo darme cuenta al escuchar “Epic” con Jon Hudson en esta ultima presentación: “PUTA QUE TE EXTRAÑO JIM MARTIN POR LA XUXA”. Con el tiempo te vas dando cuenta que Hudson no da la talla con el peso que plasmo el guitarrista original de la banda tanto lo que ha hecho en studio, como sus interpretaciones en esos recordados lives que realizaban en los noventa. Jim Martin, pese a quien le pese, le daba el toque de lo que ha sido siempre Faith no More, una banda de hardrock. Roddy Bottum dudo mucho que lleve la batuta junto con Billy Gould. Mas bien ahi seria Gould con Patton y paremos de contar. Yo creo que volveria a ver a FNM otra vez si y solo si Jim Martin llegase a tocar con ellos alguna vez…cosa que no va a pasar jamas.

  2. Diego Antonip

    29-Sep-2015 en 11:13 pm

    pésimo análisis, al parecer ni vieron el show.
    No estuvo ni cerca de ser el mejor show de FNM.
    y notable el quinto párrafo, 5 lineas sin ningún punto

    • Claudio Tapia

      30-Sep-2015 en 2:19 am

      Para algo existen las comas, amigo, no todo en la vida de la escritura puede ser un libro de Fuguet. O quedaría. Todo así. Y, además de verse feo. Es un error. Forzar los puntos. Si no es necesario.
      Si no está de acuerdo con el análisis del show, eso es otra cosa.

  3. Fracisco

    30-Sep-2015 en 3:16 pm

    Voy a repetir algo que comente en otro sitio. A los que lo siguen hace poco o no han ido, les parecerá que estuvo la raja el concierto. Para los que ya han ido mas de alguna vez a los conciertos que ha dado aquí es muy probable que digan “no se han perdido de nada”. Yo agregaría que la edad y el tiempo le están pasando la cuenta, porque la consistencia musical ya no es la misma. No sonaron tan “overpower” como en otras ocasiones. El nuevo disco terminó siendo un agravante al sonido que venían haciendo. El caso mas claro es el sonido en batería de Mike Bordin. Cada vez se le escucha menos power. Casi como desganado o que se nota que el tempo lo va perdiendo. Una lastima empezar a notar eso, porque lo consideraba el tremendo baterista. Para ellos les fue super facil enganchar con la gente, como ya es constumbre: “Decimos algun modismo actual, patton webea un rato con la gente y se echan el publico al bolsillo”, todo gracias a los “patton lovers”. Es una pena que eso sea mas notorio que la calidad a nivel interpretativo y que el setlist sorprenda. Como ya he dicho, el disco no ayudo mucho. Me gustaron como sonaron algunas canciones, pero no fue algo extraordinario a recordar. Dudo mucho que vuelva a asistir a otro concierto de Fnm, porque lo que realizaron, pese a tener disco nuevo, se sintió que ya se habia visto y no terminó de enganchar.

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Howard Jones & Saiko: Masterizando legados

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Howard Jones

El riesgo para un proyecto musical con trayectoria está en perder calidad, potencia o la capacidad de mantener a flote las ansias creativas, enfrentando los éxitos pretéritos sin ponerlos como tabla de salvación, sino como un recuerdo bello y conmemorable. Por ello es refrescante ver bandas o artistas con décadas de trayectoria que siguen sacando buen material nuevo, evitando mirar tan atrás como para llegar a chocar, y así no sólo dejar a su público feliz, sino también a nuevos entusiastas. Esto es lo que unía en la noche de celebración del Aniversario 26 de Club Blondie a Saiko y Howard Jones, con backgrounds muy distintos: mientras la banda nacional ha tocado muchísimo en ese recinto y ha hecho del espacio subterráneo parte importante de su historia, el músico británico debutaba en Chile en ese, probablemente el lugar donde más ha sonado su música y que parecía perfecto para abordar tal debut.

Saiko salió primero a escena, pasadas las 21:15 hrs., con dos novedades: la más evidente era el debut en la batería de Mauricio Clavería, histórico baterista de La Ley y también de Diacero, donde comparte créditos con el bajista Luciano Rojas, nexo que ayudó a su integración a Saiko, marcando el primer momento con una intro tipo remix de “La Fábula”, donde Clavería mostró de inmediato esa potencia y urgencia, llena de recursos estéticos, que calzan con el perfil de Saiko. La segunda novedad fue la integración como guitarrista del productor y arreglista Martín D’Alesio, quien, tal vez no tan evidente, también es otro salto de calidad para una banda que en Rojas y Denisse Malebrán ya tiene un tótem absoluto. Y, además, están las canciones.

El inicio era arrollador con “Las Horas”, cuya letra tan poética como clara calza perfecto en una semana de recogimiento, como ocurre cada 11 de septiembre. La propia Denisse decía al final “nadie está olvidado”, quizás ante la gente que no agarra esa referencia como algo absolutamente coherente a la canción y su triste historia contada. Amados y amantes que también se encuentran en “Amor Que No Es” o en “Happy Hour”, tracks clásicos de los primeros discos del conjunto, que la gente coreó y disfrutó, con un sonido que no parece querer envejecer, pese a que van casi veinte años desde la salida de esos singles. He ahí la importancia de “remasterizar” la propia pega, no hacerla siempre igual, porque el diablo está en los detalles y el infierno puede estar al alcance de la mano cuando el piloto automático se enciende.

Una vibrante versión de “Estrechez De Corazón” y “Azar” terminaban con un tren de canciones más antiguas para dar espacio a otras que no por no ser longevas tienen menos arrastre. “Es Tan Lógico”, “Fluvial”, “Arder El Cielo” y “Viaje Estelar” hablan de una época de apariencia más calma en lo musical, pero de intensidad en lo emocional; de un pop potente, de excelencia, como siempre lo intentan generar, y en el escenario esto gana en credibilidad, aunque da la impresión de que con los nuevos integrantes y este énfasis, Saiko perfectamente puede elevar su sonido a los umbrales de un arena rock, porque la capacidad está, y con Clavería y Rojas como la base rítmica, y Malebrán con D’Alesio en lo melódico, perfectamente eso es posible.

Cuando Miro En Tus Ojos” iniciaba el trecho final, con puros golazos, que continuarían con “Limito Con El Sol”, luego con la upbeat “Debilidad”, y finalizando con un bis en “Lo Que Mereces”, en una hora de calidad y de conexión con su propia historia, esa que Saiko se ha encargado de tener bien a salvo, evitando la nostalgia excesiva. Esto mismo es lo que ha hecho Howard Jones, quien desde ser un maestro de los sintetizadores en los 80, ha comprendido cómo la música muta. A las 22:48 se subió al escenario de la Blondie, que estaba casi llena, para demostrarlo.

Tímidamente en el piano, Jones hizo una versión calma de “Hide And Seek” para luego sumar a Robbie Bronnimann, productor electrónico con el que Howard logró configurar el sonido que le quitaba el sueño y que se convirtió en el muy buen disco “Transform” (2018), una evolución lógica, pero llena de arrojo del pionero del synth-pop. Algo notorio en la canción que le da nombre al álbum o en “Take Us Higher”, pero también en el track del recuerdo, como la excelente “Equality” que, con un Howard colgándose la keytar, ganaba en potencia no sólo por la canción o los sintetizadores, sino en la re-producción esbozada por Bronnimann, que transformaba una canción de 1984 en el discazo “Human’s Lib” en algo que 35 años después puede sonar como si hubiera salido ayer.

Luego de otro momento en el piano de Howard con “No One Is To Blame”, seguía el frenesí electro-pop con “Beating Mr. Neg” o la excelente versión de “Everlasting Love”, que incluso se permitía entrecruzar con la línea melódica de “Twist And Shout” de The Beatles como si fueran canciones hermanas. Esa es la maestría de Howard Jones, quien, pese a no alcanzar una potencia vocal gigante, igualmente puede llegar a notas precisas, algo que no perdía de vista su micrófono a lo Chayanne, lo que también hizo que su gestualidad fuera muy particular, con atisbos de lo que había hecho hace un par de años David Byrne, por ejemplo.

El momento más bailable (y que también recordó un tanto al “Blue Monday” de New Order) fue “The Human Touch”, una vibrante construcción sonora que también tenía en las pantallas atisbos de Pet Shop Boys o de The Chemical Brothers, pero acercado de una forma única por la capacidad gestual de Howard Jones, quien a sus 64 años es capaz de entregar intensidad corporal cuando las canciones lo requieren. Esa canción donde se critica la posibilidad de reemplazar el “toque humano” por reacciones y acciones automatizadas, casi de máquinas, era a la vez algo completamente vital. En la máquina se ve el catalizador de un orgullo de ser humanos, de vivir los momentos con plena consciencia y querer hacerlos parte de un todo. Es eso que pone a la gente a bailar, pero además a darse cuenta del momento que se vive. Por ello, calzaba perfecto que luego Howard se sentara en el piano nuevamente para (cambiándole la letra un poco) hacer una versión 2.0 de “Life In One Day”, comprendiendo cómo ahora los días son más rápidos, urgentes, precisos, erróneos e inabarcables, como también lo expresa “Tin Man Song”.

El tramo final, que partía con “The One To Love You”, era de mayor repercusión con clásicos como “What Is Love?”, canción implacable y atemporal, para luego dar con el karaoke colectivo de “New Song”, justo para un pequeño bis que culminaría todo en “Things Can Only Get Better”. Y sí, es cierto, todo podrá estar mejor, en especial cuando vemos en figuras como Howard Jones las respuestas o, al menos, los ejemplos a seguir. En vez de caer en la espiral de la nostalgia vacía, una pequeña reinvención de lo propio es buena y no sólo hace lucir mejor todo, sino que también entrega más armas para la creatividad y, así, extender los legados mucho más allá, como se pudo ver en una noche brillante de artistas que siguen avanzando, hacia adelante, en una Blondie donde sonidos así no perecen, sino que se iluminan entre bolas disco y pasos de baile eternos.

Setlist Saiko

  1. Intro La Fábula
  2. Las Horas
  3. Amor Que No Es
  4. Happy Hour
  5. Estrechez De Corazón (original de Los Prisioneros)
  6. Azar
  7. Es Tan Lógico
  8. Fluvial
  9. Arder El Cielo
  10. Viaje Estelar
  11. Cuando Miro En Tus Ojos
  12. Limito Con El Sol
  13. Debilidad
  14. Lo Que Mereces

Setlist Howard Jones

  1. Hide And Seek
  2. Transform
  3. Take Us Higher
  4. Equality
  5. No One Is To Blame
  6. Beating Mr. Neg
  7. Everlasting Love
  8. Hero In Your Eyes
  9. The Human Touch
  10. Life In One Day 2.0
  11. Like To Get To Know You Well
  12. Tin Man Song
  13. The One To Love You
  14. What Is Love?
  15. New Song
  16. Things Can Only Get Better

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