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Paul McCartney: Aquí, hoy

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Quizás estamos maravillados, embobados, con la sensación fresca del show en nuestras mentes, corazones y/o discos duros, pero lo de Paul McCartney claramente se pone entre lo mejor de 2014, sin duda alguna. Las dos jornadas donde el inglés de The Beatles y Wings repletó el Movistar Arena, estuvieron llenas de historias y sensaciones. En concreto, las más doce mil personas que asistieron a cada jornada tenían, cada cual, las suyas. Se notaba en los rostros, en las reacciones dispares en algunas canciones, en las arrugas que tenían algunas caras, o en los vítores que cada cual emitía. Esa es la magia de la carrera de McCartney, un artista que ha estado más de cinco décadas evolucionando, pero siempre con códigos familiares y abrazando siempre su pasado, sabiendo que lo puede adecuar a cada nuevo lanzamiento, como ocurrió en este caso con “New”, el excelente álbum que lanzó en 2013 y que lo vio trabajando con muchos productores jóvenes, siempre desafiándose, siempre tratando de avanzar. Siempre en el presente.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 01

El show de dos horas y 45 minutos de duración repasó gran parte del legado de The Beatles y Wings, pero de todas formas el disco más tocado fue “New”, donde su estética y piano colorido son los únicos elementos que se salen de lo que se ha visto en la anterior visita de McCartney a Chile. Como dijimos, Paul mira al pasado, pero instalado en el hoy. Entonces, no es raro que, tras un animoso inicio con “Eight Days A Week” de The Beatles, Paul McCartney despache el track inicial de “New”, “Save Us”, para luego proseguir con “All My Loving”, clásico indeleble, como tantos, de The Beatles.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 02

La banda también juega un rol importante. Ninguna canción es modificada de forma gravitante. Los tonos son los mismos, y los tempos también, entonces, no es sólo un gran mérito de McCartney el cantar en gran forma, sino también de Brian Ray y Rusty Anderson (guitarras), Abe Laboriel Jr. (batería) y Wix Wickens (teclados y programaciones), quienes no sólo realizan exactas rendiciones de los éxitos de The Beatles o Wings, sino que también son capaces de generar aportes propios, sin tocar el carácter de las canciones. Así, una canción como “Let Me Roll It” gana mucho más groove rockero, lo que permite que se vea como algo perfectamente orgánico la inclusión de un extracto de “Foxy Lady”, original de Jimi Hendrix, y que le permitió a Paul y su banda, así como también pasó en la bullente “Back In The U.S.S.R.” o en la impresionante rendición de “Helter Skelter”, la respuesta perfecta para quienes creen que The Beatles eran sólo pop.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 03

El show se movió por todas las emociones, desde el amor al desamor, desde la alegría a la tristeza, desde la presencia a la ausencia, y es en esos tránsitos donde la experiencia de McCartney, y también la gran puesta en escena, con pantallas, un piso que también opera como pantalla, y una plataforma que se eleva dejándolo en lo alto, logran generar transiciones rápidas y fluidas, donde la más notoria fue cuando Paul se quedó solo con su guitarra acústica para tocar, arriba de la plataforma, “Blackbird” y “Here Today”, esta última dedicada a su “compadre John”. Otras dedicatorias incluyeron a su fallecida ex esposa Linda (la intensa “Maybe I’m Amazed”), su actual esposa Nancy (la hermosísima “My Valentine”) y “mi hermano chico George” con una versión que partió con el ukelele de “Something”, uno de los grandes momentos de una noche prácticamente perfecta, que tuvo como único bemol el inicio con 35 minutos de retraso de un show para el que, de todas formas, valía la pena esperar.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 04

La reacción del público ante las canciones varía, y como decíamos, cada cual tiene sus historias. Así, había varios temas en los que gente se paraba y, a la vez, varios se sentaban. Sólo los clásicos más clásicos tenían la venia de todos, lo cual es obvio en un show tan largo, en especial cuando el público incluía desde niños hasta ancianos. La transversalidad que logra McCartney no es algo que vamos a conocer ahora, pero verla en vivo siempre es un ejercicio interesante, y aún más lo es el fenómeno que ocurrió con “Queenie Eye” o “Everybody Out There”, donde Paul logra involucrar al público con sus nuevas creaciones, aunque nada se comparará –quizás nunca- al karaoke marcado en piedra de “The Long And Winding Road”, “Yesterday”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “We Can Work It Out” o “Hey Jude”.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 05

Era entretenido notar que había canciones no muy exitosas, dentro de lo abrumador del tamaño del éxito de McCartney, que generaban una alegría indescriptible en la gente. Pasó con la mencionada “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, también con “Paperback Writer” y, con mayor ahínco, en “All Together Now”, extraída de “Yellow Submarine” (1969), que fue una verdadera fiesta. Pero nada impresionó tanto a la gente como el triple combo de “Let It Be”, “Live And Let Die” y “Hey Jude”. Si “Let It Be” logra ser un momento de amor y compañía, en medio del karaoke colectivo, “Live And Let Die” es todo lo contrario, con la intensidad y rock como leit motiv, en tanto que “Hey Jude” es el cierre de fiesta que se espera, con el “na na na na na naaa” como método de constatación del rugido gentil de la multitud. Pero la pirotecnia de “Live And Let Die” es incontrarrestable. Las explosiones, las luces, los fuegos artificiales, el rock, el juego de sensaciones, lo rápido y lo lento, todo confabula para que la emoción llegue a todas partes. Tras un momento así, y tras este triple combo, era difícil pensar que el show seguiría, pero claramente Paul tenía más.

PAUL MCCARTNEY CHILE 2014 06

El final tuvo dos bis, entre los cuales inexplicablemente se retiraba gente desde la cancha, que se perdió la salida de Paul con una bandera chilena que ondeó con toda la energía del mundo (increíble para un hombre de 72 años, que no se le notan para nada), con la rockera rendición de “Get Back” y el clásico final recogido del “Abbey Road” (1970) de The Beatles, con “Golden Slumbers”, “Carry The Weight” y “The End”, ese final de verdad, ese juego de las emociones, desde la ternura hasta el rock más filoso e improvisado, para derivar en ese instante dorado donde el mantra del inicio se repite: “Al final, el amor que recibes es igual al amor que das”. Y considerando la extensión del show, Paul dio y recibió mucho amor en una noche que tuvo de todo, para todos, viviendo en el hoy, viviendo en el aquí, en un momento en el que la música no sólo significa algo, sino que es la vida misma.

Setlist

  1. Eight Days A Week (The Beatles)
  2. Save Us
  3. All My Loving (The Beatles)
  4. Listen To What The Man Said (Wings)
  5. Let Me Roll It (Wings) / Foxy Lady (Jimi Hendrix)
  6. Paperback Writer (The Beatles)
  7. My Valentine
  8. Nineteen Hundred And Eighty-Five (Wings)
  9. The Long And Winding Road (The Beatles)
  10. Maybe I’m Amazed
  11. I’ve Just Seen A Face (The Beatles)
  12. We Can Work It Out (The Beatles)
  13. Another Day
  14. And I Love Her (The Beatles)
  15. Blackbird (The Beatles)
  16. Here Today
  17. New
  18. Queenie Eye
  19. Lady Madonna (The Beatles)
  20. All Together Now (The Beatles)
  21. Lovely Rita (The Beatles)
  22. Everybody Out There
  23. Eleanor Rigby (The Beatles)
  24. Being For The Benefit Of Mr. Kite! (The Beatles)
  25. Something (The Beatles)
  26. Ob-La-Di, Ob-La-Da (The Beatles)
  27. Band On The Run (Wings)
  28. Back In The U.S.S.R. (The Beatles)
  29. Let It Be (The Beatles)
  30. Live And Let Die (Wings)
  31. Hey Jude (The Beatles)
  32. Day Tripper (The Beatles)
  33. Hi, Hi, Hi (Wings)
  34. Get Back (The Beatles)
  35. Yesterday (The Beatles)
  36. Helter Skelter (The Beatles)
  37. Golden Slumbers (The Beatles)
  38. Carry That Weight (The Beatles)
  39. The End (The Beatles)

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Julio Ortúzar

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5 Comentarios

5 Comments

  1. lucas

    25-Abr-2014 en 12:52 am

    El final tuvo dos bis, entre los cuales inexplicablemente se retiraba gente desde la cancha a ver como es eso??? yo casi que cortandome las venas porque no fui ningun dia y esta gente estupida que tuvo el privilegio de ir se van antes???????? menos mal que no se quienes son porque les daria un combo de una manera

  2. felipe

    25-Abr-2014 en 3:24 am

    la cagó

  3. nacho

    25-Abr-2014 en 1:18 pm

    no hay palabras q describan la experiencia mccartney…mis momentos preferidos fueron let me roll it, all together now y another day (nunca pense q la escucharia en vivo)

  4. Theus Valero Alighieri

    26-Abr-2014 en 3:33 pm

    tu lo has dicho, no hay palabras para describir las emociones vividas esa noche!

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Festival 10 Años Fauna

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Este es el primer review en vivo de HumoNegro desde que estallara el descontento social en más de tres semanas frenéticas donde la represión está a la orden del día, y los ojos se abren (y casi 200 lamentablemente por acción de Carabineros se han cerrado) cada día más. No es precisamente un entorno normal, y es en medio de esa extraordinaria contingencia que Fauna Producciones celebró sus 10 años con un festival que, en el papel, tenía muchos puntos atractivos, pese a que existiera gente que lo mirara en menos tras la cancelación de la edición 2019 de Fauna Primavera. Dentro de la delimitación del Parque Metropolitano, el Parque Mahuidahue en la comuna de Recoleta era el punto de encuentro, que aparentaba ser una brecha de aire fresco en medio de semanas tensas, fuera de lo común, difíciles. Pero, lamentablemente, el intento de preservar los aires de normalidad fue el pecado fatal que dinamitó todo lo bueno que estaba construyendo esta jornada de música de calidad y mucho calor.

Las puertas abrieron recién a las 13:40 hrs., mientras que el show que supuestamente comenzaba a las 13:30 hrs. recién partiría casi una hora más tarde. Lo aparente es que la prueba de sonido de Little Simz y sus músicos se retrasó, algo que más tarde también golpearía el fluir del encuentro. Mientras, la gente probaba los pocos retazos de sombra que había en el escenario principal del festival, Red Bull, que se instaló en una cancha de pasto sintético, con todo muy ordenado, bien delimitado, sin aparentes contratiempos.

Francisco Victoria

La música recién partió a las 14:28 horas, con el único músico nacional que se subiría al escenario principal, Francisco Victoria, quien no sólo mostró solidez absoluta en su desplante, pese a que también le afectó el calor que ya a esa hora marcaba 33ºC en Santiago, sino también el arrojo para mostrarse por completo en 35 minutos. Todo su disco debut, “Prenda” (2018), pudo sonar, y además el single “Querida Ven”, dedicado al momento político y social del país y que tuvo en Felicia Morales a un reemplazo más que competente para la parte de Juliana Gattas, algo necesario en una canción así de conversacional.

La banda es un gran apoyo para Francisco, quien en contados momentos se colgó un instrumento para poder maniobrar como el frontman que está siendo hoy por hoy, con la propia Felicia, Raúl Abarca y Daniela Riquelme como actores de reparto en este guion que ve en Francisco Victoria a un protagonista claro, que emociona en “Cuídeseme”, inquiere en “Cruza El Puente” o cautiva en “Marinos”. Brillante inicio de jornada, pese al retraso.

Little Simz

Más tarde sería doloroso lo que generarían los retrasos vistos respecto a Little Simz, pero la rapera londinense que despachó uno de los discos del año con “Grey Area” (2019) fue probablemente el mejor show de todo el día, con una energía tan contagiosa como extraña, con esa fuerza que tienen las y los artistas que marcan la diferencia.

A las 16:10 horas partió el espectáculo de Little Simz con su banda, todos de estricto vestuario blanco, al igual que el revestimiento del micrófono de la artista, que entró siendo la jefa (“Boss”) y luego entregó esa peripecia de las rimas que explican cómo el sistema apunta con el dedo para no dar oportunidades (“Therapy”). El tren ágil del inicio del show cerró con el tema que le abrió oportunidades a Little Simz, “God Bless Mary”, mostrando todo lo que tiene para ofrecer, desde una sensibilidad soul hasta una pluma afilada para resaltar las vivencias de las mujeres y todos quienes necesitan chances.

Pressure”, “Backseat” o “Good For What” son muestras de que la rapera entiende cómo no sólo el talento asegura tener una voz digna de escuchar, sino también hay dificultades que sortear, bocas que acallar y sociedades que cambiar. Ella lo dejó claro en su mensaje político: “Mantengan la cabeza en alto. Ustedes son fuertes”. No hay dudas en el ethos de Little Simz, por eso fue tan sencillo que dejara a todo el público encendido, compitiéndole al intenso sol golpeando la ladera del cerro, porque cada acción hecha por la artista quiebra la rutina, es extraordinaria, y eso fue lo que sintió el público. Se trata de una artista en la cúspide creativa y eso se notó. “Venom”, el hit “Selfish”, “101 FM”, “Flowers” y el cierre con “Offense” para apenas 50 minutos, pero que dejaron huella en el debut solista de la londinense en Chile (antes cantó con Gorillaz). Lo problemático fue el retraso que dejó su presentación y preparación: 85 minutos que serían calvario y desolación más tarde.

Khruangbin

Cuando el trío de Houston, Texas, se subió al escenario de 10 Años Fauna, estaba claro que la onda sería muy diferente a la intensidad de Little Simz. En vez de rimas, mensajes e ideas, lo de Khruangbin involucró un viaje por los sentidos que quedaban abiertos, cuando ya el sol había quemado más allá de lo debido la piel y los pies comenzaban a tener esa incomodidad típica de un festival.

Más gente llegó y se sucedieron canciones como “Dern Kala”, “August 10”, “The Infamous Bill” o “Mr. White”, convirtiendo a la cancha en un espacio más etéreo, sin límites, transformando la tarde en lo que siempre quiso ser: un oasis en medio de lo extraordinario. Allí Laura Lee, Mark Speer y Donald Johnson mostraron su calidad como instrumentistas y también como presencias magnéticas en el escenario. Speer y Lee son imposiblemente cool, y cada cosa que hicieron con sus instrumentos o con las acotadas palabras en español esforzado que regalaban al público tenía esa vibra de superestrellas. En tanto, la batería de Johnson era una fuerza que no por poco estridente era menos potente.

El momento visagra del show, eso sí, fue cuando se animaron con un cover de “El Derecho De Vivir En Paz” de Víctor Jara, con las clásicas líneas de guitarra del himno de las movilizaciones sociales de este año. Nuevamente, lo extraordinario se colaba en este intento de poner un poco de normalidad en el Parque Mahuidahue. Luego de 65 minutos, el trío culminó su show debut en nuestro país, el que sin duda ayudó a tener un poco de frescura y de ese rock atemporal que pocas veces suena tan contemporáneo como lo hace en manos del trío texano.

BadBadNotGood

Speaking Gently” era el tema que inició el show de BadBadNotGood en este retorno a nuestro país, esta vez sin novedades discográficas inmediatas, pero en un formato festivalero que trajo las mejores canciones del conjunto, en una especie de show de grandes éxitos con su formato de cuarteto implacable, con un sonido de lujo que mezclaron con temas completamente nuevos que han estado probando en conciertos durante los últimos meses.

Tampoco es que se trate de una reinvención del conjunto, porque eso no es, pero sí en el show se notó cómo es que la dinámica incesante y en constante evolución de BadBadNotGood se privilegia en pos de romper esquemas. En medio, tracks más clásicos como “Weight Off” o “And That, Too” corroían las ganas de reposar por parte de un público muy activo con el grupo canadiense, que aún está buscando las formas más eficientes de usar a Leland Whitty, único miembro no fundador, que con su manejo del clarinete o el saxofón conseguía ahondar y generar cruces efectivos con el teclado de Matt Tavares.

BadBadNotGood lucen como investigadores de las posibilidades del jazz, y es eso lo que demostraron en casi una hora de solidez irresistible. Tal vez el show más ensimismado, pero, a la vez, el de perfección más evidente en el marco del evento del décimo aniversario de Fauna.

The Whitest Boy Alive

Cuando ya la noche había caído y el escenario Boiler Room tenía a mucha gente bailando y disfrutando, en especial tras el brillante set de Pepo Fernández y Nico Castro con trazos de disco, electrónica y pop latino, en una mezcolanza que no dejó indiferente a nadie, venía el que se suponía que era el primer plato fuerte del evento, sin tanta mezcla como lo que se veía en el otro escenario, pero sí marcando un hito con la mera presencia ahí. Erlend Øye volvía a tocar en Chile, y en eso no había novedad, pero sí la había en que era con The Whitest Boy Alive, quizás su proyecto más pop y más “feliz”, dentro de lo que se pueda comentar. Algo raro, pero divertido de advertir, con el cuarteto en pleno para tocar luego de diez años sin editar nuevos discos, aunque con las ganas de disponerse para divertir a la gente.

Y lo hicieron desde casi el comienzo, pasadas las 20:35 hrs., cuando en “Courage” el baterista usó una olla y su baqueta para introducir el sonido del cacerolazo en la canción, y jugar con Erlend. El sonido de TWBA es muy indie, pero también muy pop, y por ello la gente pudo saltar y bailar con prácticamente todo lo que aparecía en los parlantes, ya fuera con “Burning”, “Fireworks” o “Bad Conscience”.

La banda tiene en los teclados de Daniel Nentwig el otro gran pilar de su sonido, entregando trazos que ningún otro proyecto de Øye posee, y eso le entregó una aspiración de diferencia muy grande al show. Y otra cosa: se notó siempre que la banda lo pasó increíble tocando frente a un público otra vez. Siete años es mucho tiempo, sin embargo, la capacidad de demostrar sin artilugios cómo logró fluir cada canción es algo que no lo entrega el ensayo, sino que la química del grupo. El público jugaba también en ciertos momentos a integrar el grito “El que no salta es paco” dentro de las canciones, pero esto tuvo su apogeo en “1517”, la que cerró el show, cuando Erlend la presentó con un pequeño discurso sobre la democracia, citando también la frase del coro que habla de la libertad, antes de ponerse a tocarla. En el final del tema, la gente comenzó a gritar “El pueblo unido jamás será vencido” y, tras ello, TWBA integró “Show Me Love” de Robin S. como un cover, con el cacerolazo sonando de nuevo, y con el retorno del grito del que no salta en su puesto es parte de las fuerzas policiales.

Incluso en el oasis más profundo de la catarsis musical era imposible abstraerse de lo ocurrido en el país. Con 55 minutos, el show de regreso de The Whitest Boy Alive no sólo los mostró sueltos y compenetrados, sino que también parecía el preludio perfecto para lo que sería el gran cierre con Hot Chip.

Pero Hot Chip jamás se subiría al escenario. ¿Qué pasó? ¿Qué hizo que la banda principal en el evento cancelara en el último de los minutos? Parte de la explicación tenía que ver con una pequeña barricada en las afueras del parque. Otra parte, venía de la mano con robos en buena parte de los vehículos estacionados en esos mismos alrededores. Por “razones de seguridad” el show se detuvo y la gente quedó en shock, y más aún al ver a Erlend asomarse y acercarse a la reja con la gente para conversar a viva voz y explicar lo ocurrido, tras el anuncio improvisado hecho por los parlantes. Pese a que pareció un movimiento de la producción, luego se aclaró que fue el propio músico noruego el que se quiso acercar a la gente para retribuir el afecto, pero también, como él dijo, porque sabe de esa sensación de quedar esperando un show que se canceló en las últimas. Erlend explicaba y la gente se indignaba más. ¿Dónde estaba la producción? ¿Dónde está la aceptación de algún error? Eso es lo que deja un sabor muy amargo tras 10 Años Fauna, al ver a una de las productoras de mejor curatoría del negocio de los conciertos en nuestro país sucumbir ante errores que la dejan mal ante quienes compran los tickets. Quizás en el caso particular de este evento el error principal fue pretender normalidad en un contexto extraordinario, y más aún al dejarse llevar por el retraso inicial que terminó sepultando la posibilidad de tener a Hot Chip cerrando con broche de oro la celebración.

Fuera del calor, el lugar estuvo bien ordenado y con un sonido que se perdía mucho menos que en el vasto Espacio Broadway; la gente se portó bien y las bandas entregaron shows de calidad. Incluso, la alianza con Boiler Room impulsó aún más la electrónica en el marco del festival. Entonces, ¿por qué todo queda como algo más sombrío? Tiene que ver con esas cancelaciones de último minuto, con no prever que, en vez de atrasar la jornada, quizás era mejor adelantarla. En el afán de tener un oasis, que logró concretarse en la mayoría de este sábado 9 de noviembre, todo quedó al final como un espejismo de los duros. Gente llorando al no tener ese break final en medio de días de mierda, en medio de semanas de terror y en medio de un país en su revolución más incomprendida, era el cuadro más terrible de un evento que merecía esa chance que al final se esfumó en el afán de una normalidad plástica, afectando las sensaciones frente al arte real de, como siempre, uno de los carteles mejor curados en festivales en nuestro país.

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