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Masada: La magia de Zorn

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Y llegó el día. Una deuda, que después de décadas de espera, por fin se saldaba. La leyenda del avant-garde debutaba en nuestro país, en un show que se anticipaba como imperdible. Con la totalidad de las localidades vendidas, el Caupolicán esperaba ansioso el arribo de John Zorn y su proyecto Masada, una mezcla de klezmer, jazz y mucha experimentación, donde el estadounidense se remonta a sus raíces judías, para reinventar sus sonidos y crear, lo que él denomina como “música judía radical”.

Es curioso ver como los rostros se repiten cuando artistas de la talla y estilo de John Zorn pisan nuestras tierras. Un fenómeno digno de estudiar, ya que pocas veces se puede ser testigo de una devoción tan grande a músicos que no son precisamente los más “masivos”. Sólo basta con observar lo que ocurre cada vez que Mike Patton nos visita con alguno de sus proyectos, o cuando Secret Chiefs 3 y Nels Cline Singers, quedaron sorprendidos ante la respuesta de un público frenético. Con estos antecedentes, el ambiente previo a la presentación del norteamericano, era inmejorable.

A las 21 horas en punto se apagan las luces y sale a escena John Zorn (saxofón alto), vistiendo sus ya clásicos pantalones militares, Greg Cohen (contrabajo), Dave Douglas (trompeta) y Joey Baron (batería). Un discreto saludo al público y se dio comienzo a “Tharsis”. El contrabajo y la batería llevando el ritmo, mientras que Zorn y Douglas hacían de las suyas jugando con las melodías, que transportaron al teatro a las lejanas tierras del medio oriente. En esta pieza, de más de 10 minutos de duración, ya se podía dilucidar cuál sería la tónica del concierto: Zorn como un director de orquesta, dando instrucciones a sus músicos, quienes ejecutaban sendos solos o se adentraban en el juego de la improvisación, para luego retomar el motivo de la composición, poniendo a prueba la espontaneidad y virtuosismo del grupo, que continuó con “Sippur”, y llegó a su primer peak con “Mibi”, donde Zorn y compañía, dieron rienda suelta a la faceta más extrema de la banda, de la mano de distorsiones y juegos con la boquilla del saxo, que causaron el delirio de los presentes.

Previa presentación de Greg Cohen por parte de Zorn, siguió “Rathiel”, un tema que nos alejaba del caos, y nos llevaba a estados melancólicos, a ratos, melodramáticos. Con aires de fiesta llegó “Beeroth”, uno de los cortes más celebrados por el respetable, y donde el siempre sonriente Joey Baron, se luce ejecutando una serie de solos de batería, uno de ellos tocado con las palmas de sus manos.

Hasta el momento, ninguno de los temas se había interpretado a cabalidad, tal y como los podemos escuchar en sus versiones de estudio. A pesar de tener las partituras frente a ellos, Zorn tomaba la batuta y se daba la libertad de modificarlas en vivo. Un espectáculo deslumbrante, que no hacía más que demostrar el virtuosismo del norteamericano y sus músicos.

Antes de presentar “Kochot”, hubo una pequeña desincronización en las luces, incidente que fue tomado con humor por la banda, quienes aprovecharon de bromear con el público. Actitud que fue celebrada con un aplauso, y se mantuvo durante toda la presentación. “Kochot”, extraída del disco “Masada Vol. 09: Tet” (1998) sonó impecable, con un contrabajo cuyo ritmo se asemejaba al de una lenta marcha, sobre la que el saxo y la trompeta elaboraban melodías y distorsiones.

El klezmer, música de los judíos askenazíes, se fusionaba con la experimentación en “Tagriel”, otro tema de larga duración, adaptada de la versión en quinteto de Masada, que volvió a llevarnos a tierras lejanas. Los vientos retornaban para levantar los ánimos en “Haamiah”, donde Zorn y Douglas volvieron a ser los protagonistas, para luego retirarse del escenario.

Ante el clamor de los presentes, la banda vuelve para interpretar “Hath-Arob”, extraída de “Masada, Vol. 7: Zayin” (1999), en otro momento álgido donde los músicos dan rienda suelta a la experimentación sonora. Frenético y cautivador, sacó gritos y aplausos. Una vez más los músicos abandonaban el escenario, para volver unos minutos después e interpretar “Psisya”, otro tema perteneciente a Masada Quintet, que fue recibido con un caluroso aplauso y contemplado con admiración.

Por última vez, Zorn y los suyos dieron una reverencia y se retiraron, mientras recibían las palmas del público. Las luces del recinto se prendían y todo el mundo pedía más, pero la banda no regresó. Con una actuación de una hora y diez minutos, muchos quedaron con gusto a poco, y con justa razón, cuando se trataba del debut de uno de los músicos más prolíficos del último tiempo. Aun así, por unos minutos, pudimos dejarnos llevar por la magia de John Zorn, en una odisea sónica hacía los parajes más ocultos y misteriosos de la música.

Por Sebastián Zumelzu
Fotos por Sebastián Rojas

 Setlist

  1. Tharsis
  2. Sippur
  3. Mibi
  4. Rathiel
  5. Beeroth
  6. Kochot
  7. Tagriel
  8. Haamiah
  9. Hath-Arob
  10. Psisya

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Pau

    09-Feb-2013 en 9:34 pm

    Fue un lujo realmente, un día de esos para nunca olvidar.

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Septicflesh + Fleshgod Apocalypse: Colosales

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Septicflesh

En todas las ocasiones en que la sangre ha reemplazado a la tinta y ha teñido las páginas de HumoNegro con el propósito de hablar acerca del death metal, ha sido un deber el reconocimiento de la trascendencia del género en la historia de la música extrema y de cómo su proliferación ha sido capaz de revitalizar de forma constante a gran parte del espectro. Tal vorágine se ha gestado durante más de tres décadas, período donde ha experimentado la manera en que, desde sus entrañas, la esencia indómita y vehemente que caracteriza al estilo ha mutado a través del tiempo, incorporando elementos y sobre todo nuevas perspectivas creativas, asesinas del letargo. En ese sentido, Septicflesh y Fleshgod Apocalypse, protagonistas de la velada en Club Blondie y debutantes en Chile, ostentan un prestigio que los ubica en la vanguardia del contexto, gracias propuestas cuyo hilo conductor no sólo se basa en perpetuar la escuela del “metal muerte”, sino también en la complejidad de la música clásica y sus arreglos.

En este lado del mundo ambas agrupaciones gozan de bastante de popularidad, y así quedó demostrado ayer con el contingente que desde temprano llenó las dependencias del recinto de calle Alameda, incluso al momento de Homicide, el acto soporte nacional, quienes en esta oportunidad, acorde al tenor de la jornada, exhibieron con mucho ímpetu y rigor parte de su último trabajo, “The Sosh Guar”, del año pasado, en treinta minutos que a grandes rasgos no tuvieron inconvenientes en la ecualización, y donde fueron bien recibidos por la concurrencia.

Puntuales a las 20:00 horas, los italianos de Fleshgod Apocalypse dieron inicio a sesenta minutos de actuación que rozaron la perfección, evidenciando desde “In Aeternum” –el primer tema como tal tras la introducción instrumental– la razones que los han llevado en apenas diez años de carrera a ser considerados un acto imprescindible en la escena actual, y uno de los más extremos y técnicos en los anales del death metal. La puesta en escena de la concepción híbrida del arte que practica la banda cautivó a la audiencia de inmediato, varios mostrándose atónitos e incrédulos ante la ejecución casi “robótica” (en el buen sentido de la palabra) de “Healing Through War” o “Cold As Perfection”, que, junto a la anterior, forman parte de su último disco, “King” (2016), dueño de la venia de la crítica y del público, y que compone mayoritariamente el repertorio del grupo en esta gira.

The Violation” sonó insana; el corte promocional de “Agony” (2011) es una de sus canciones más conocidas, y así lo demostró la gente que vibró con la velocidad sobrehumana que predomina no solo en esta composición, sino en el alma de Fleshgod Apocalypse. Durante todo el concierto fue posible oír con claridad los arreglos orquestales y también el acompañamiento de la soprano, como ocurrió en “Epilogue”, única pista extraída de “Labyrinth” (2013), donde se muestran sobresalientes, mientras que “Gravity” se acerca más a lo convencional propio del estilo, aunque sus detalles mantienen el entramado y su sofisticación.

Para cerrar su estreno en territorio nacional, “The Fool”, single de “King”, desplegó todas sus armas para convencer a los seguidores de su poder y para confirmar las alabanzas que el disco ha cosechado en el planeta. “The Egoism” y luego “Syphilis”, también de “King”, bajaron el telón ante una ovación que conmovió a los europeos, quienes prometieron volver al país y así impresionar una vez más a los seguidores, hasta el punto de dejarlos atónitos, tal como aconteció ayer.

Con la portada de su flamante “Codex Omega” (2017) de fondo, más algo de parafernalia alrededor del mismo álbum, Septicflesh ocupó sus posiciones y, tras saludar efusivamente a los presentes, se despacharon “War In Heaven”, canción que abre la genialidad del registro  “Titan” del año 2014 y que, junto a “Communion” (2008), “The Great Mass” y su disco más reciente, forman parte del renacer del conjunto griego que en el año 2003 se separó por casi un lustro, hasta que con aires renovados y maestría retomaron una carrera que, desde entonces, sólo ha conocido de halagos.

Se entiende, entonces, que el primer tercio de su presentación incluyera una pieza de cada ciclo de esta nueva etapa; “Communion” es una demostración de la máxima ferocidad que han alcanzado, mientras que “Pyramid God” y “Martyr” cuentan con una mayor cantidad de matices y texturas, sobre todo del metal más contemporáneo, que en la sumatoria han refrescado el espíritu de la banda, además de acercarlos a un público más joven.

Cabe recordar que Christos Antoniou, guitarrista y compositor de Septicflesh, tiene un postgrado en música clásica obtenido en la Escuela de Música de Londres, hecho que le ha permitido incorporar en la grabación de los discos tanto a la Orquesta Filarmónica de Praga como a su coro de niños, ampliando de forma exponencial el impacto de los arreglos orquestales compuestos por él en la música de los helénicos, algo que es sin dudas su principal fortaleza, de la mano con la ejecución meticulosa por parte de todos los integrantes, destacando a su baterista Kerim “Krimh” Lechner (ex Decapitated), quien se ubica con facilidad en el círculo de los mejores en su puesto, porque sus habilidades y su presencia en la mezcla en vivo son superlativas. Es así como el equilibrio entre la belleza de la música docta y la naturaleza violenta de la agrupación dan origen a un ser único en su especie, que en “Prototype” y “The Vampire From Nazareth” hizo gala de tales características y cautivó a los presentes, quienes desde Fleshgod Apocalypse ya se encontraban en trance, totalmente conectados con los artistas.

La canción más antigua tocada por Septicflesh anoche fue “Unbeliever”, proveniente de “Sumerian Demons” (2003) y fue la antesala a un remate a cargo de “Persepolis” y, la más coreada de la noche, “Anubis”, ambas del aclamado “Communion”, por lo tanto, es posible aseverar que aquel momento la gente se mostró aún más efusiva, provocando uno de los mosh pit más grande la tarde.

La historia griega de la deidad benefactora y creadora de la humanidad es aludida en “Prometheus”, corte que concluyó la presentación con los ánimos muy encendidos y con mucha euforia por parte todos los asistentes, satisfechos y conformes tras ser testigos de una jornada atípica, dadas las personalidades exóticas y, sobre todo, técnicas tanto de Septicflesh como de Fleshgod Apocalypse. Ambos prometieron volver al país y es de esperar que así sea, porque lo presenciado anoche fue sublime y ratificó la vigencia del metal extremo en estos días, en su vertiente más innovadora.

Setlist Fleshgod Apocalypse

  1. Marche Royale
  2. In Aeternum
  3. Healing Through War
  4. Cold As Perfection
  5. The Violation
  6. Prologue
  7. Epilogue
  8. Gravity
  9. The Fool
  10. The Egoism
  11. Syphilis

Setlist Septicflesh

  1. Dogma Of Prometheus Orchestral
  2. War In Heaven
  3. Communion
  4. Pyramid God
  5. Martyr
  6. Prototype
  7. The Vampire From Nazareth
  8. Portrait Of A Headless Man
  9. Unbeliever
  10. Persepolis
  11. Anubis
  12. Prometheus

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