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Lollapalooza Chile 2016: Alabama Shakes

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Hay lujos en la vida, como comerse un chocolate rico a media jornada, tomar un rato para echarse en el pasto y mirar un cielo celeste, o vivir en la misma era que ha entregado intérpretes superdotados que tienen la capacidad de llegar a múltiples oídos en una gran cantidad de latitudes. Brittany Howard, con candidez y alegría lo reconocía a cada rato en medio del regreso de Alabama Shakes, nuevamente para tocar en Lollapalooza: “Es realmente genial que nuestra música pueda llegar acá, tan lejos”.

12 Alabama Shakes @ Lollapalooza Chile 2016

7.622 kilómetros separan a Atlanta de Santiago, y esa es la distancia física que las canciones de Alabama Shakes han sorteado para llegar a ser parte de la vida de miles de personas que vibraron con los 60 minutos que mostró el conjunto, agregando en esta visita a cuatro músicos en escena: un tecladista y tres coristas, quienes se notaron mucho con el correr del espectáculo que inició con “Future People”. Sin escalas, la exuberancia vocal de Brittany estaba ahí, de golpe, sin dejar a alguien indiferente, ganando aplausos espontáneos, lo que se repetiría constantemente. Howard, además, con su guitarra marcaba los contrapuntos precisos para la melodía en ese track, perteneciente a “Sound & Color” (2015), disco que daba la excusa para el retorno de la agrupación y que seguiría mostrando material con “Dunes”.

05 Alabama Shakes @ Lollapalooza Chile 2016

La efervescencia en las reacciones del público pueden resultar sorprendentes para muchos que observaron el contexto de Lollapalooza como poco favorable para actos más basados en los sentimientos que en los ritmos, como pasa con Alabama Shakes, pero lo cierto es que probablemente se trata de algo tan simple como que, cuando la música es buena, genera una conexión inmediata, sea el contexto que sea, y así se advertía track a track, incluyendo un creciente número de espectadores y de manos en el aire aplaudiendo, moviéndose al ritmo de las canciones o simplemente sintiendo los compases como parte de un momento único, un lujo.

Aunque no hubo éxitos objetivamente planetarios en la parte media del show, de todas maneras el público se dedicaba a disfrutar. Y viéndole la cara a Brittany, genia y figura, ella se mostraba conforme con lo que pasaba. El poder de la música, en una de sus miles de expresiones a lo largo de canciones como la melancólica “Miss You” o la rockera “The Greatest”, que hacía bailar sin quererlo.

14 Alabama Shakes @ Lollapalooza Chile 2016

Lo impecable de la interpretación de Howard era refrendado por un sonido de los más claros del festival, haciendo que cada capa instrumental se coordinara de forma satisfactoria, aunque los momentos de mayor impacto resultaban cuando Brittany y las coristas cantaban a la vez, conformando una conmovedora masa sonora que emocionaba en microsegundos y que teletransportaba a una iglesia en el corazón de cualquier comunidad negra en EE.UU., con un candor góspel que no dejaba impávido a nadie, y qué bueno que nadie quedaba como si nada, porque ahí sí que todo estaría muy mal.

13 Alabama Shakes @ Lollapalooza Chile 2016

Pero la gente sintió la música y, consciente o inconscientemente, muchos se dieron cuenta de que estaban viviendo uno de los lujos del arte de hoy que implica que, gracias a la tecnología, los casi ocho mil kilómetros que separan a Atlanta de Santiago son nada en medio de un escenario, con una intérprete privilegiada, ante una audiencia privilegiada de poder ver su presentación, y al final eso es lo que quedaba claro en medio de la fiesta de “Don’t Wanna Fight” y la potencia instrumental del final con “Gimme All Your Love”, porque en medio de un festival donde la idea es convocar a gran cantidad de gente para que tengan experiencias comunes, es hermoso presenciar momentos donde no se trata de masas, sino que de individuos, tanto en el proscenio como en la pista, que ponen sus sentidos, energías y momentos en un mismo punto del espacio/tiempo, y allí es donde la música hace la magia de unirnos. Realmente, un lujo.

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Nicolás Aros

Setlist

  1. Future People
  2. Dunes
  3. Rise To The Sun
  4. Hang Loose
  5. Shoegaze
  6. Always Alright
  7. Miss You
  8. Be Mine
  9. The Greatest
  10. Hold On
  11. You Ain’t Alone
  12. Over My Head
  13. Don’t Wanna Fight
  14. Gimme All Your Love

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Metronomy: El disco de tu corazón

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Metronomy

Sigue siendo extraño ir a conciertos y disponerse a pasarlo bien cuando el país despertó y, como pasa en “The Matrix”, al abrir los ojos no era un mundo idílico el que supuestamente había y pintaban, sino que todo se ve sucio, injusto y sobre una lupa. Por ello la música sirve como escape en medio de tensiones y para no perder la perspectiva sobre el propio ser. En medio de causas comunes, donde los cuerpos se vuelven uno y la individualidad se ve como un lujo, es bueno recordar el propio corazón, aquello que lo mueve, lo que lo emociona y hace feliz. Ese tipo de reacciones genuinas son las que aparecieron copiosamente en el retorno de Metronomy a nuestro país, con su cuarto show a la fecha, en la explanada del Centro Cultural Matucana 100.

La gente fue llegando poco a poco hasta repletar la explanada, cuando ya se escondía el sol, poniéndose cada vez más impaciente mientras se acercaban las 21:15 hrs., supuesto horario de inicio del show. A las 21:26 comenzó a sonar “Wedding” como intro del concierto, y como a la distancia se veía el edificio donde están los camarines, se notaba –como si fuera un programa televisivo– el momento exacto en que la banda se movía para llegar al escenario de riguroso vestuario blanco, en medio de los vítores. Comenzaron con “Lately”, canción en medio de la cual se escuchaban los primeros gritos de “el que no salta es paco”, parte de la “nueva normalidad” en los conciertos, algo de lo que deberemos hablar más tarde.

La potencia de las canciones de Metronomy no daba respiro. “Lately” y su pulso más psicodélico (sello de su último trabajo de estudio, “Metronomy Forever”) hasta el hit “The Bay”, convirtieron a Matucana 100 en un lugar de karaoke, irrumpiendo de inmediato la faceta más banda de rock de Metronomy con “Wedding Bells” y ese final falso que culminaba en una explosión con el solo de un Joseph Mount que parece más cómodo y sobrecogido que nunca con el rol que tiene en vivo. Mount es un tipo notoriamente tímido en el escenario, pese a ser el líder de un proyecto que mueve mucha gente, pero tal vez eso viene desde una comprensión fundamental. Y es que lo que se convierte en el disco o la canción que llega directo al corazón de la gente es una composición, más allá de sus exponentes.

Aunque Metronomy tiene una formación reconocible, de buenos músicos y carismas al servicio del show, lo más abrumador es la potencia de las composiciones, como pocas veces pasa en un espectáculo. La fuerza de “Corinne” no va ni en la potencia que le puso Anna Prior a cada beat en la batería o a los adornos precisos de los teclados del contagioso bailar y sonreír de Oscar Cash, sino que en la armonía tan fluida como impalpable que tienen los diferentes ritmos que mueven a la canción. En “Everything Goes My Way”, además del inmenso amor del público chileno a Prior o de la guitarra acústica siendo un dulce néctar para los oídos, la dinámica típica de los grupos a capella sesenteros en el coro son lo que hace la canción, y eso terminaba siendo hecho por el público, muy participativo, a diferencia de la última visita de la banda en un Lollapalooza 2018 donde resultaron injustamente ignorados.

Reservoir” fue una explosión de energía, en tanto que “Walking In The Dark” mostraba la vibra más chill digna de Madchester y la onda rave, para luego continuar precisamente con el baile con dos piezas instrumentales: “Boy Racers” y “Lying Low”. En este caso, vale precisar que Michael Lovett y Oscar Cash se complementan de forma perfecta cuando ambos están manejando los teclados, en una mini orquesta de sintetizadores muy a la usanza de Orchestral Manoeuvres In The Dark, pero con una vibra más ligera. En “Boy Racers”, además, Olugbenga Adelekan por fin sonó más con su bajo que, pese a tener un protagonismo clave en canciones como “The Bay”, no quedaba tan adelante en la mezcla de sonido, como sí pasó en esa canción. Todo esto servía como aperitivo perfecto para “Old Skool”, otra de esas composiciones hechas para conseguir la participación del público y hacer aún más grande la experiencia. Es impecable la capacidad de Mount de crear estas obras que, desde una producción usualmente muy minimalista y con el cuidado necesario de dejar respirar las capas sonoras, terminan con una capacidad de generar enlaces de valencia tan numerosos con la audiencia, tanto, que la participación hace del momento algo más cercano y también mucho más inolvidable.

Luego, la vibra de banda de rock & roll volvió a escena con “Insecurity”, una canción que en manos de cualquier otra banda hubiera quedado plana, pero que para Metronomy es perfecta porque refleja sus propias sensaciones de extrañeza y de desacomodo con aquello que pareciera tan natural. Parte también de la catarsis en medio de este show fue la capacidad de evitar que la normalidad parezca tan normal, y eso a Metronomy le queda muy bien. Tal vez, por ello en vez de tocar “On Dancefloors”, como decía el setlist, la banda se vio descolocada con los gritos de “el que no salta es paco” y “el pueblo unido jamás será vencido” con los que ellos intentaron continuar una parte instrumental de “Insecurity”. En vez de hacer como cualquier otra banda y seguir como si nada, la cara de Joseph indicaba que no sabía cómo reaccionar, más allá de una sonrisa nerviosa que cambió para tener un poco más de seguridad con “I’m Aquarius” y calmar un poco los decibeles, sumergiendo a la audiencia en un track tan especial como acuático, de esos que son inmersivos, justo para después despachar “The End Of You Too” pegada a “Salted Caramel Ice Cream” en un tono más bajo de lo que es la versión de estudio, algo que quizás sacó un poco a la gente del acto de disfrutar sin freno.

“El disco de tu corazón”, concepto acuñado por Miranda! –otra banda llena de canciones que, más allá de su estilo, se pegan de forma irremediable a los oídos–, no dejaba de rotar y de ser escuchado. Una canción tan querida como “The Look”, con un épico final de sintetizadores trenzados en un baile sideral, volvía a convertir a la explanada de M100 en un lugar caluroso, movido y repleto de baile, en tanto que “Love Letters” y su pulso casi como el latido de un corazón, sin parar, sin soplos o pausas, aumentó aún más las fuerzas que terminaron de explotar con un poco más de calma en “Sex Emoji”. El encore no demoró mucho, con “Upset My Girlfriend” que, en un tono casi autobiográfico, recuerda los inicios en la música de Joseph, quien por sentir la música muchas veces se dejaba llevar demasiado. Y quizás ahí está el mayor triunfo de su historia, el aprender a tener control, pero también a permitir que las cosas tengan crecimiento orgánico.

Como un corazón latiendo, el beat final tenía que ser uno de compases irregulares y de final abrupto, como ocurre con la rara “Radio Ladio”, final preciso para un show donde las canciones brillaron más que cualquier otra cosa. Al final del día eso es lo importante, porque, así como en tantos recuentos de fin de año, son esos tracks los que se quedan en el alma, esperando su momento para explotar en situaciones de felicidad que pueden acallar, aunque sea por una hora y media, la sordera del fascismo devenido en enemigo y la desesperanza convertida en voz cantante y rebelde de una revolución con todo en contra, pero con la fuerza de la unión como estandarte. Y qué buen soundtrack hubo para este pequeño escape.

Setlist

  1. Wedding
  2. Lately
  3. The Bay
  4. Wedding Bells
  5. Corinne
  6. Whitsand Bay
  7. Everything Goes My Way
  8. Heartbreaker
  9. Reservoir
  10. Walking In The Dark
  11. Boy Racers
  12. Lying Low
  13. Old Skool
  14. Insecurity
  15. I’m Aquarius
  16. The End Of You Too
  17. Salted Caramel Ice Cream
  18. The Look
  19. Love Letters
  20. Sex Emoji
  21. Upset My Girlfriend
  22. Radio Ladio

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