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Lee Ranaldo Electric Trim Trio: Caos subterráneo

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No alcanzó a pasar un año para que Lee Ranaldo, el histórico guitarrista de Sonic Youth, volviera a presentarse en nuestro país, trayendo consigo esta vez una versión eléctrica de su show de diciembre en Festival En Órbita. Ahora, acompañado de Raúl “Refree” Fernández en la guitarra y teclados, junto al enérgico Booker Stardrum encargado de la batería, Ranaldo llegó hasta el Club Subterráneo para entregar una interpretación caótica, ruidosa y vanguardista de las canciones de su último LP, “Electric Trim” (2017), cuyo nombre no puede hacerle más justicia a la contagiosa electricidad que emana desde sus melodías. Muchas veces, el minimalismo juega a favor cuando se está tan consciente del espacio y uso que deben tener todos sus pocos elementos, generando que los espacios se llenen con elementos simples, pero de efecto impactante, resonando en cada rincón de la sala mientras la catarsis sonora se apodera del lugar.

Muchos se preguntarán qué puede hacer tan distintos a dos shows que en esencia son iguales, y esa respuesta se encuentra plenamente en la configuración que Ranaldo adoptó para esta ocasión. Stardrum se mantuvo en posición de generar los contragolpes necesarios, produciendo que el ambiente estuviera marcado por el ritmo de su batería, mientras que la dupla de Lee y el español “Refree” Fernández se encargaran del resto. Si tomamos el acústico del año pasado como las canciones en su estado original, ahora fue una evolución de estas tal como si estuvieran siendo creadas en el estudio, con cada integrante aportando algo a la mezcla y generando una convivencia entre la estridente guitarra acústica de Ranaldo, la potencia de la batería y los infaltables riffs llenos de densidad, los que fueron encaminando las canciones hasta encontrar su punto de explosión, lo que se traduce en las abrumadoras secciones instrumentales que dieron rienda suelta a la complicidad de los tres músicos.

Con un setlist enfocado netamente en el último disco, el relato fue avanzando desde el obvio punto de inicio, “Moroccan Mountains”, canción donde se enciende la maquinaria que entrega la inspiración a la banda, con una especie de ritual donde los sonidos de campanas, guitarras, platillos y teclados comenzaron a preparar el ambiente que primó durante la jornada. Así fueron pasando canciones como “Let’s Start Again”, “Circular (Right As Rain)” o “Electric Trim”, todas ya interpretadas en vivo anteriormente en nuestro país, lo que fue un plus al momento de analizar su crecimiento y solidez. No habiendo espacio para errores o salidas de libreto, el guion se estructuró derechamente por un relato que buscaba extraer el sentido artístico de un disco que merece tener mayor atención por parte de la sociedad.

Cada canción tiene una historia y un mensaje, dichos elementos son los que permiten a un artista conectar con su audiencia, aludiendo a la idea de que, finalmente, todos vivimos en el mismo planeta, con problemas que muchas veces nos afectan sin discriminar. Desde ahí viene la importante lección que entrega “New Thing”, canción que aborda el fenómeno del internet y su influencia en la sociedad de hoy, interpretando desde una manera melancólica y observadora la forma en que el mundo ha cambiado gracias al montón de tecnología que nos inunda en cada aspecto de la vida. Bajo ese mismo contexto, pero no sin antes desatar una catarsis con la efusiva “Purloined”, Lee nos entrega otro mensaje importante con “Thrown Over The Wall”, canción con claros guiños a Donald Trump y su muro contra los ciudadanos mexicanos en Estados Unidos, animando a todos para que unan fuerzas y “saquemos a todos estos malditos del poder en los próximos años”, un claro mensaje al preocupante movimiento conservador y fascista que se toma cada vez más rápido nuestra sociedad, y del que Ranaldo ha sido explícitamente crítico en sus canciones.

Siempre es bueno encontrar una reflexión en las cosas, y lo que Lee Ranaldo hizo fue precisamente eso, invitarnos a pensar y mirar lo que nos rodea, preguntarnos qué anda mal en una sociedad cada vez más podrida y ver cómo podemos generar un verdadero cambio frente a los distintos baches que el camino nos pone. Vivimos en una sociedad donde las esferas de poder buscan meterse con las libertades, donde mujeres, estudiantes y trabajadores deben protestar para poder tener derechos mínimos, y donde cada día es más difícil poder vivir una vida en paz sin que alguien interceda decidiendo arbitrariamente qué es lo mejor para nuestras vidas. Entre medio de todo ese caos se encuentra Lee con su urgente obra, la que nos invita a reflexionar, analizar y compartir una mirada que nos advierte del actual paradigma. Estas melodías, que resonaron fuertemente en cada rincón de ese subterráneo, nos instan a pensar, descubrir y desenredar una realidad que nos consume cada vez más rápido, pero que no podrá apagar esa eterna llama de la revolución.

Setlist

  1. Moroccan Mountains
  2. Let’s Start Again
  3. Circular (Right As Rain)
  4. Electric Trim
  5. Uncle Skeleton
  6. New Thing
  7. Purloined
  8. Thrown Over The Wall

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Gustavo Santaolalla: El arte de la trayectoria

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Gustavo Santaolalla

La física define a la “trayectoria” como el recorrido que describe un objeto que se desplaza por el espacio. Este término en el ámbito musical se usa indiscriminadamente para hablar de carreras en múltiples estados; ya sea que exista o no un recorrido presente, se habla de las trayectorias para definir a los más grandes, pero pocos emulan a la física y hacen que este desplazamiento continúe. Una cosa es el movimiento hecho, pero otra el que se sigue haciendo, y por prácticamente 50 años, si hay un artista latinoamericano que no ha detenido sus rumbos –y, por tanto, su camino– ese es Gustavo Santaolalla.

Desde el rock profundamente argentino que profesaba en Arco Iris hasta su actualidad, donde se mezclan soundtracks y producciones para artistas desde Café Tacvba hasta Eric Clapton, Santaolalla ha hecho un andar profuso y lleno de canciones, propias y ajenas. Sin embargo, como dijo antes de su primera visita como Gustavo Santaolalla a nuestro país (antes había estado varias veces con Bajofondo), recién a los 66 años lanzó su carrera como solista, la que tiene discos y canciones a su haber, pero que jamás había configurado para girar o mostrarse, quizás en el último acto de humildad que tiene un tipo que gusta del proceso, del camino, ese que invitó a desandar en un Teatro Nescafé de las Artes casi repleto en la fresca noche del 12 de septiembre.

Justo antes de iniciar el show, a eso de las 21:20 horas, el teatro comenzó a aplaudir sin que se hubiera levantado aún el telón: la presencia de Jorge González, quien trabajara con Santaolalla en “Corazones” y su álbum homónimo, generaba vítores raros para un país que no reconoce a sus ídolos en vida, y era un pequeño aperitivo de la energía y sensaciones que inundarían el espacio por casi tres horas.

Todo iniciaba con “Inti Raymi”, y la Santabanda –como se hacen llamar los músicos de Santaolalla– mostraba la variedad de timbres que aparecerían en el show. Con la ovación del teatro, Gustavo aparecía para instalarse y comenzar con el primer set, rico en canciones de Arco Iris, esa banda que armó cuando empezaba a relacionarse con la música, con canciones como “Abre Tu Mente” o “Camino”, las que en el formato de esta gira obtienen matices y colores únicos, alejándose de la falsa psicodelia que se le legó a una banda como Arco Iris, que simplemente incluyó el folklore en el rock en tiempos de apretones mentales y revoluciones hippies. Ahora estas composiciones son atemporales y su construcción sólo alcanza tintes clásicos con los arreglos de este espectáculo, donde es la canción la que manda. Quizás eso hace de Santaolalla un compositor cautivante: deja que la canción mande, y él y los suyos sólo son puntos que arman la trayectoria de estos temas.

Así, a diferencia de otros shows en este formato, se coló un par de temas de su trabajo solista en esta primera parte, “Un Poquito De Tu Amor” y “Compañeros del Sendero”, dos sorpresas de varias que vendrían. Luego volvería a Arco Iris con canciones como la conocida “Zamba”, “Quiero Llegar” o la “Canción De Cuna Para El Niño Astronauta”, tras la cual vendría el recuerdo a la gran Mercedes Sosa y al amigo de mil batallas de Gustavo, León Gieco, para cerrar esa primera parte con el “Río De Las Penas” Intensa forma de dejar esperando a una audiencia que ya veía que el concierto iba para largo, y que sería incluso más extenso que las fechas anteriores hechas por Santaolalla y la Santabanda, sólida en todo momento, con Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolás Rainone, Andrés Beeuwsaert y Pablo González haciendo gala de su carácter de multiinstrumentistas para dominar cada faceta que las canciones ponen en frente.

Al volver –­casi de improviso– Santaolalla irrumpe con “No Existe Fuerza en el Mundo”, que interpretara Gieco, mostrando lo importante de esa alianza para Gustavo. Luego de esto aparecería el trabajo completamente solista, con tracks como “A Solas” o “Todo Vale” para dar paso a otra corriente más atmosférica de la labor de este artista, que son los soundtracks, eligiendo “De Ushuaia A La Quiaca” de “Diarios de Motocicleta”, el main theme de la banda sonora del videojuego “The Last Of Us”, y un medley de “Brokeback Mountain”, mostrando la diversidad de espíritus, donde destaca el uso del charango y su timbre tan característico, entregando solemnidad y recogimiento, tal como el que se sintió en el homenaje hecho a Jorge González. Luego de mencionarlo para dar con una ovación gigante nuevamente, Santaolalla habla de los lazos que lo unen con González y dice que habrá un disco en honor a él, y que contará con una interpretación de “Por Amarte”, del “Corazones” (1991), ese disco que juntó por primera vez a dos de los artistas más importantes del continente. La versión fue sentida, contenida, una preciosa reversión donde Santaolalla ahondó en el sufrimiento del hablante. Si como compositor es clave, como intérprete se subvalora la intensidad que alcanza y que parece trascendental, más allá de lo obvio.

Debe ser, sino la experiencia, la trayectoria, esos caminos que se cruzan para corear “Mañana Campestre” o sentir “Pena En Mi Corazón”. Bajofondo y Arco Iris. Dos caras de un mismo creador, una apelando a las oscuridades y sus brillos, y otra a la belleza de la luz, tanto interna como externa, lo que trasunta en la belleza tierna de “Vecinos” y en la fuerza de “Ando Rodando”, que luego sólo crecería con la interpretación, a pura garganta y caja, en honor a la tradición de la vidala, para terminar con “Sudamérica” de Arco Iris y “Pa’ Bailar” de Bajofondo, ya con todo el mundo de pie, disfrutando de uno de esos artistas que no se cansan de deambular y hacer que su punto en la inmensidad del cosmos nunca deje de andar. Treinta canciones en casi tres horas, incluyendo el intermedio de quince minutos, emociones por montones y un sonido cálido que permitía a la voz de Santaolalla sobresalir. Pocas veces un espectáculo es capaz de capturar todas las facetas de un artista, en especial uno de tan amplio espectro, y ese fue el lujo que entregó Gustavo Santaolalla en el inicio de una gira solista que no es más que la demostración del más fino arte de la trayectoria.

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