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La Renga: Un ataque incesante

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Y verás cómo quieren en Chile al amigo cuando es forastero”, dice la letra del conocido vals “Si Vas Para Chile”, compuesto por Chito Faró en 1942, y si existe alguien que ponga en duda este mensaje o que piense que sólo se trata de pura palabrería, puede preguntarle su opinión a los trasandinos de La Renga, asiduos visitantes a nuestro territorio, quienes pueden dar fe de todo el cariño y devoción que les profesan los chilenos en cada una de sus recurrentes presentaciones. Quizás el gran mérito de los nativos de Mataderos es su innata capacidad para renovar su propuesta y lograr que cada visita tenga un toque especial, y esta ocasión claramente no es la excepción, primero que todo porque vienen a presentar su más reciente producción y undécimo álbum de estudio, “Pesados Vestigios” (2014), y segundo, porque este show era el encargado de inaugurar el Polideportivo del Estadio Nacional.

LA RENGA CHILE 2015 09

Cuando toca La Renga la emoción se respira a cuadras, y la efervescencia en los alrededores presagiaba una noche inolvidable. Dentro del Polideportivo el escenario era inmejorable: una miscelánea cantidad de lienzos colgaban a lo largo y ancho del recinto, una escenografía ad hoc a “Pesados Vestigios” y un marco de público dispuesto a alentar a sus ídolos desde el primer minuto. Cánticos, banderas, petardos, el sonido del bombo, cuerpos a torso desnudo, todos elementos que convierten esta experiencia en lo más cercano a un partido de fútbol que se puede estar, sin nada que envidiarle a los grandes clásicos de Sudamérica, y con la única diferencia que todos estos seguidores alientan para el mismo lado. Los encargados de calentar el ambiente fueron los copiapinos de Engranaje, que ofrecieron un show duro y potente, el que contó con el respeto y complicidad de un público comprometido al cien por ciento con el espectáculo. En los minutos previos la ansiedad de los fanáticos se hace incontenible; los cánticos caen y resuenan desde todos los rincones del recinto ñuñoino, mientras una bandera chilena gigante se despliega en la cancha.

LA RENGA CHILE 2015 02

El aliento de los mismos de siempre, su recalcitrante e incondicional fanaticada, muestra su apoyo irrestricto a uno de los últimos bastiones del rock argentino y sudamericano. Pasadas las 21:00 hrs., y en medio de un ensordecedor recibimiento, hacen su aparición los tres músicos que conforman La Renga, y casi en un acto reflejo cada uno de los cuerpos presentes se tensan, los músculos se aprietan, y el ritmo cardiaco se detiene por un segundo, impulsos que representan la calma antes de la tormenta sonora que estalla con toda la potencia e intensidad de “Corazón Fugitivo”, y que significa el punto de partida a una experiencia llena de desenfreno y desahogo. Las revoluciones siguieron en aumento con “Canibalismo Galáctico” y “Tripa Y Corazón”, para continuar con “Pole”, otro de sus temas nuevos, dedicado a la figura de Víctor Poleri, actor de varios de los videos de la banda y uno de los dueños del Galpón del Sur, recinto donde La Renga dio sus primeros pasos.

LA RENGA CHILE 2015 06

Gustavo Nápoli dedica el tema “El Twist Del Pibe” a Rodrigo Avilés, estudiante que resultó herido de gravedad en las protestas del 21 de Mayo. La melodía recibe los bellos matices que ofrece el saxofón de Manuel Varela, pero sin perder la energía e impronta de los bonaerenses. Gran parte de la furia e intensidad que caracteriza a La Renga radica en la destreza y potencia que impregna la batería de Jorge “Tanque” Iglesias, que ejecuta casi sin esfuerzo feroces transiciones, cada cual más veloz que la otra, esencia que queda en evidencia en las dinámicas “El Juicio Del Ganso” y “Lo Frágil De La Locura”, que a su vez generó un preciso contraste con el ritmo más sereno de “Sabes Qué”. Los trasandinos no dan tregua en su misión por calentar el ambiente, y es así como “En El Baldío” y “A Tú Lado” penetran como dagas directas a los sentidos de un público que se encuentra en éxtasis, inmerso por completo en la propuesta sonora. En “No Para De Aletear” hace su aparición un grupo de cuatro músicos a cargo de los vientos, y la fórmula resulta muy efectiva.

LA RENGA CHILE 2015 04

Promediando la hora de show, las banderas en la cancha no han dejado de flamear en ningún instante, configurando una bella imagen que acompaña cada uno de los certeros golpes que encaja La Renga: “La Furia De La Bestia Rock” y “El Rey De La Triste Felicidad” atacan directo al mentón de los mismos de siempre, quienes no acusan el castigo y siguen saltando, cantando y fundiéndose en algunas secuencias de moshing. No vamos a descubrir hoy lo completo que es Gustavo Nápoli como músico, quien no sólo tiene una exquisita capacidad vocal que se hace escuchar de manera nítida por sobre la poderosa base instrumental, sino que también es uno de los guitarristas más talentosos que ha concebido Argentina. “Dementes En El Espacio” y “Motorock” siguen arrancando el desahogo desde las entrañas de los miles de fanáticos que repletaron el Polideportivo. En contraste con la pasividad que exhibe Nápoli en el escenario, resulta inevitable notar toda la excentricidad y locura de Gabriel “Tete” Iglesias, que recorre de lado a lado la escena, en una exhibición de destreza física envidiable.

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¿Cómo lo están pasando?, ¿están rockeando?”, son las palabras elegidas por “Chizzo” para motivar aun más a un inagotable público. “Panic Show” y “Oportunidad Oportuna” son los encargados de encender la fiesta, y la creciente energía e intensidad se entremezclan con la sensación de unidad y hermandad que rodea al espectáculo. “La Razón Que Te Demora” y “Oscuro Diamante” son las encargadas de bajar el telón a la primera parte de la presentación de La Renga, que abandona el escenario en medio de un torbellino de silbidos, cánticos, gritos y algunos suspiros de resignación. Resulta claro que la dosis de rock todavía no ha sido suficiente para las miles de almas presentes. El improvisado intermedio se ve amenizado de inmediato por el sonido del bombo y el canto de los fanáticos que se rehúsan a terminar el carnaval. Al cabo de unos minutos de suspenso, Chizzo, Tete y Tanque retornan al escenario para ofrecer el último round de una pelea que desean ganar por knockout.

LA RENGA CHILE 2015 01

A la hora de resaltar las virtudes de La Renga se vienen muchos atributos a la cabeza, pero sin duda uno de los más llamativos y destacables es la innata capacidad que tienen para lograr algo que, bajo cualquier otro contexto, sería prácticamente una quimera: desintegrar las fronteras culturales y unir en un abrazo fraternal a los fanáticos nacionales y argentinos. El sonido de la armónica aporta nuevas texturas en “Masomenos Blues” y los vientos hacen lo propio en “El Viento Que Todo Empuja”, en una melodía que empieza a medio tiempo para posteriormente explotar con toda la energía de la batería y las cuerdas. “El Final Es En Donde Partí” comienza a ofrecer las últimas pinceladas de rock de una velada que no ha estado exenta de emociones y buenas vibras, con cuerpos sudorosos que acusan el desgaste energético, pero que no ceden en su misión de alentar.

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El cierre corre por cuenta de “Hablando De La Libertad”, mientras en las pantallas laterales se despliegan imágenes del montaje del show en nuestro país, y en la cancha un lienzo gigante se mueve al ritmo de una marea humana. La Renga abandona el escenario, en medio de los aplausos de un público totalmente agradecido, con el compromiso de volver lo antes posible.

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La gélida noche capitalina hizo una breve pausa para recibir nuevamente todo el calor de La Renga que, a punta de un rock sólido y potente, y una batería de éxitos incombustibles, calentaron el Polideportivo del Estadio Nacional. No cabe ninguna duda que los oriundos de Mataderos dejan una marca indeleble por donde pasan, y Chile claramente no es la salvedad: los mismos de siempre se hicieron sentir más fuerte que nunca y “Chizzo” Nápoli y compañía no decepcionaron, con una entrega total durante las casi dos horas y media que duró la presentación, gestando un ataque sonoro incesante que jamás bajo las revoluciones, y donde se dieron el lujo de recorrer íntegro su nuevo álbum, demostrando que no sólo viven del pasado, sino que tienen un presente igual o más auspicioso.

Setlist

  1. Corazón Fugitivo
  2. Canibalismo Galáctico
  3. Tripa Y Corazón
  4. Pole
  5. El Twist Del Pibe
  6. Nómades
  7. El Juicio Del Ganso
  8. San Miguel
  9. Lo Frágil De La Locura
  10. Sabes Qué
  11. En El Baldío
  12. Día De Sol
  13. A Tú Lado
  14. No Para De Aletear
  15. La Furia De La Bestia Rock
  16. Mirada De Acantilado
  17. Muy Indignado
  18. El Rey De La Triste Felicidad
  19. Dementes En El Espacio
  20. Motorock
  21. Panic Show
  22. Arte Infernal
  23. Oportunidad Oportuna
  24. La Razón Que Te Demora
  25. Oscuro Diamante
  26. Masomenos Blues
  27. El Viento Que Todo Empuja
  28. El final Es En Donde Partí
  29. Hablando De La Libertad

Por Gustavo Inzunza

Fotos por Nicolás Aros

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Primavera Sound Santiago 2022: Domingo

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Bjork Chile 2022

El dicho popular, reza: “Después de la tormenta, llega la calma”. Y así fue el último día de esta gran cruzada en torno a la música chilena y mundial llamada Primavera Sound Santiago. El buen clima y, por qué no decirlo, el calor agobiante por ratos, se tomaron el Parque Bicentenario Cerrillos y fueron el marco para recibir una jornada que traía nuevamente debuts y consagrados, música para relajarse, para mover los pies y para gritar a todo pulmón.

Familea Miranda

La quintaesencia de la mancomunión catalana-chilena fue la inclusión de Familea Miranda, el trío chileno radicado hace más de una década en Barcelona que prometía ser el puente tácito entre el festival recién llegado y la pujante escena nacional. Y qué mejor que el tándem de fundadores “Katafú Rozas y Milo Gomberoff junto al baterista Alex Farré como un power trio cargado de rock cada vez más intrincado y cavernoso, con este último otorgándole la potencia y sapiencia a la hora de adecuarse a los ritmos enrevesados que la experiencia les ha permitido crear a Rozas y Gomberoff.

Juntos, dieron rienda a un set que recorrió sus más de veinte años de carrera desde los tiempos de “3Nsayo 3Rror” (2006) abriendo con “The Legañon” y “El Bloqueo”, y pasando por “Caballo de Alquiler”, “Lorem” y “Brut Nature” de “Radiopharm” (2015), el disco que significó en su momento el debut de Farré en el trío por este lado del mundo. La entrega fue total para aquellos que en el escenario Primavera desafiaban los primeros y fuertes rayos de sol que tanto escasearon la jornada anterior.

Por supuesto, estuvo “Palomita”, el clásico del folklore latinoamericano reconvertido en rock ruidoso y primal, y el final estridente estuvo a cargo de “Servú (Ronda)” deviniendo en una cuasi jam desbocada de free jazz, añadiendo otra cara que mirar al prisma que es Familea Miranda, una banda que, a la distancia y a su manera, se las arregla para hundir más sus raíces en suelo chileno, viniendo cuando pueden y tocando donde quieren. Aunque digan que ya no son de ninguna parte, se nota que extrañan y qué mejor que plasmarlo en esta, la primera versión del festival Primavera Sound Santiago.

José González

Cuando el sol dominical se abría paso entre las ya escasas nubes del fin de semana, con un breve retraso comenzaba el show de José González. El sueco de ascendencia argentina hizo gala de un español más bien tímido y escueto porque lo suyo no iba de parafernalias, imaginarios o grandes discursos, su declaración de principios es y ha sido siempre la simpleza. “Killing For Love” y “Cycling Trivialties” fueron, entre otras, las elegidas para partir plasmando un delicado set sin prisas ni pausas.

A pesar de no ser un festival el mejor escenario para la propuesta de González por todo el barullo circundante, se las arregló para marcar presencia, incluso con la pulsión electrónica del escenario Bits varios metros más allá haciendo lo suyo y que se colaba cada tanto, a punta de rasgueos abiertos y profundos, preciosas melodías arpegiadas y uno que otro backing track con sutiles beats, como en “Swing”, aunque, si no estaban esos beats, marcando con el pie también se las arreglaba sin mayores problemas. Como respuesta, recibió la respetuosa atención que su música naturalmente exige.

Con destreza, se paseó por su relativamente breve catálogo, dándole espacio a fracciones de su más reciente “Local Valley” como también a sus viejos y queridos clásicos: su propia versión de “Teardrop” de Massive Attack y el famoso cover de “Heartbeats” de The Knife, dotándolo de nuevas intenciones subiéndolo algunos semitonos hasta casi llegar al original. La sesión de los menos de cuarenta minutos originalmente planeados fue acogida por la audiencia como si fuera ese amigo que viene de viaje y quiere contar todo lo que afuera vio. Cantó, gustó y encantó con poco, porque sin duda algunas veces menos es más.

Jessie Ware

Aunque el tiempo que le dieron en Chile fue menor a lo de los otros Primavera Sound en Latinoamérica, Jessie Ware convierte cada segundo de su show en un deleite disco, hecho para bailar, llorar, seducir y transformar un sonido que acompañó la pandemia en una realidad escénica que supera expectativas. Desde “Spotlight” ya se notaba que las canciones tendrían mixes y énfasis diferentes a sus versiones de estudio, más simples, con los beats y el lucimiento de la voz de Jessie como ejes de lo que se escucha, mientras sus coristas y bailarines configuraban imágenes de acción, pasión y complicidad como la que la artista británica también demandaba y obtenía de su público. Aunque mucha gente que esperaba a Björk se quedó impávida, igualmente en ciertos momentos se sumaban a la fiesta, que en 48 minutos conseguiría entregar lo esperado y más.

El show giró alrededor de “What’s Your Pleasure?” (2020), ese álbum que para mucha gente se convirtió en la luz al final del túnel en tiempos de pandemia, ese disco que había que ir a bailar y que permitía viajar a universos paralelos que, bajo el inclemente sol que no había aparecido todo el fin de semana, se hizo real. “Ooh La La”, “Soul Control” o “Hot N Heavy” fueron muy coreadas con todo el mundo bailando, mientras Ware dominaba con carisma y sensualidad la escena, sin excesos, con la elegancia de quien conoce su material y cómo hacerlo brillar. Por ello es llamativo cómo la exhibición vocal es incluso mayor que en el estudio, con más gimnasia tonal y más recursos, enriqueciendo con esas complejidades los mixes más directos.

Lo anterior brilló con especial fuerza en la sobrecogedora versión de “Remember Where You Are”, con emociones y belleza a raudales. También ocurrió con el himno en que se ha transformado el reciente single, “Free Yourself”, y con el icónico momento que es “What’s Your Pleasure?” en vivo, con Jessie tomando un micrófono con un stand en forma de látigo, agitándolo con dominación, en todos los sentidos. Del material anterior a 2020 sólo sonó la versión remix de “Running” como la rearmó Disclosure. El cierre con “Save A Kiss” terminó con una fiesta en el amplio sentido, desde las alegrías instantáneas a los recuerdos perennes, en un debut en Chile para recordar y seguir bailando en su honor.

Björk

Siempre es una apuesta arriesgada cuando un festival decide poner algún show temático dentro de su cartel, más aún cuando dicha presentación está a cargo de alguien tan masivamente popular como Björk, que trajo su espectáculo “björk orkestral”, consistente en una serie de canciones interpretadas en un formato acústico para ser parte de la jornada de domingo en Primavera Sound Santiago. Junto a la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), compuesta por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil y de la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana, la islandesa se paseó por distintos tracks de su discografía para el deleite de los presentes, quienes, seguramente por la devoción que le tienen a la artista, no tuvieron problemas en conectar con un show que, debido a su configuración y ubicación en el horario a las 19:00 hrs, no lograba enganchar con el grueso del público. El inicio con “Stonemilker”, “Aurora” y “Come To Me” comenzaron poco a poco a generar un ambiente que terminó por apoderarse del lugar, donde se congregaron miles de personas, entre seguidores y asistentes, que comprendían muy bien que a una artista con este nivel de influencia había que verla sí o sí por lo menos una vez en la vida.

Concentrando principalmente sus esfuerzos en canciones de “Vulnicura” (2015), “Homogenic” (1997) y “Post” (1995), Björk presentó épicas y estruendosas reinterpretaciones de tracks como “You’ve Been Flirting Again”, “Isobel”, “Jóga” o “Quicksand”, con los jóvenes de la orquesta dando la talla en cada nota bajo la atenta dirección de Bjarni Frímann, quien se ha encargado de conducir las orquestas que se presentan junto a la islandesa durante esta gira. Ya para el cierre, y con el público en el bolsillo, la artista desplegó una intensa versión de “Hyperballad” para finiquitar su presentación, regresando posteriormente ante el aplauso de los presentes y despedirse definitivamente con “Overture” y “Pluto”.

A 10 años de su última presentación en nuestro país, la islandesa trajo sus composiciones en una configuración distinta, lo que se agradece un montón, pese a lo emocionante que sea escuchar sus clásicos en vivo bajo una interpretación más cercana a las originales. Siempre es bueno ver a Björk en vivo, y mucho mejor cuando se le agrega una novedad como la posibilidad de escuchar composiciones tan importantes para lo que fue su apogeo artístico desde la segunda mitad de los 90 hacia delante, mostrando no sólo su presente más maduro y robusto como artista, sino que además lo adaptables que son sus composiciones a distintas configuraciones. Pese al contexto más íntimo que evoca la presentación, su solemnidad logró que se transformara en algo especial, único y muy distinto de cualquier cosa que se pudiera presenciar durante el fin de semana. En simples palabras: un show de Björk como debe ser.

Mitski

Luego de que Björk invocara el atardecer sobre Cerrillos, era el turno de Mitski, que ya con la oscuridad de cómplice se preparaba para enfrentarse al sorpresivamente amplio público que la esperaba. Con la teatralidad que la caracteriza, y una presencia imponente y cálida, la artista recurrió a su último trabajo, “Laurel Hell”, desde donde escogió “Working For The Knife” como punto de partida. Sólo bastaron los primeros acordes para dar rienda suelta a la catarsis que significa escuchar, sentir y ver a Mitski sobre un escenario. Y es que la artista transmite intensidad y pasión en cada estrofa, como entregando un poco de sí misma a cada persona hasta ya no dar más.

Las nuevas tecnologías y los nuevos contextos digitales han ampliado el margen de los fenómenos virales, y así han logrado que una nueva y joven generación de fanáticas se acerque a su música. He ahí gran parte de la creciente popularidad –que ya iba en ascenso– de la cantante no sólo en Chile, sino también en el mundo. Con los hits “Washing Machine Heart” o “Nobody”, que han sonado fuerte en redes sociales, Mitski diseña un set que, pese a no mantener una línea definida, se pasea por todas las emociones y de esa manera también sorprender.

Mitski debutó en nuestro país en un momento clave para su carrera y popularidad, sintiéndose abrumada y agradecida por el calor del público local que no dejó de acompañarla y seguir cada movimiento que comunicaba con sus manos o su corporalidad. Tomándose el escenario, cumplió con las expectativas y se ganó a un país que pareciera meterse en sus más profundos sentimientos.

Father John Misty

En el último rincón del parque, el escenario Primavera vio llegar el show de Father John Misty pasadas las 21:00 hrs., con el músico presentándose frente a un público mucho menor al de cualquier show en los escenarios principales, pero que se destacó por una cosa en particular: la mayoría estaba familiarizada con su catálogo. Desde el comienzo con “I Love You, Honeybear”, los presentes acompañaron al músico y su banda en un desfile de composiciones de todas sus obras de estudio, pasando por tracks como “Total Entertainment Forever”, “Mr. Tillman” o “Nancy From Now On”, con una solidez instrumental impecable por parte de la banda compuesta por nueve músicos entre batería, guitarras, teclados e incluso una sección de vientos, que le aportaron una exquisitez sonora muy elegante.

Lamentablemente, problemas de sonido aparecieron sin previo aviso en “Goodbye Mr. Blue”, canción que fue interrumpida por un corte total del sonido en el escenario, con Tillman y compañía siguiendo su interpretación por un par de segundos antes de notar que el sistema de sonido del escenario no estaba funcionando. Probablemente esa mala pasada, y la reinterpretación del track, hizo que el músico debiera estrechar su set, aunque de todas maneras el público y artista se mostraron de muy buen ánimo continuando con tracks como “Please Don’t Die”, así como otros momentos de catarsis como “Pure Comedy” o el histriónico cierre con “The Ideal Husband”, canción que suele cerrar las presentaciones más catárticas del artista, quien en su segunda vez en Chile pudo consagrarse no sólo como el poseedor de un gran desplante escénico, sino que también como un músico que ha crecido mucho artísticamente con cada álbum de su corta carrera como solista.

Charli XCX

La presentación de Charli XCX parecía estar en duda. Tras enfermarse de la garganta en Argentina, la cantante inglesa debió permanecer en reposo y en silencio para cumplir con sus shows, incluyendo el de nuestro país. Ya casi recuperada, saltó a escena completamente sola, sin más apoyo que su actitud y desplante. Si bien, en ciertos pasajes de la introducción con “Lightning” o “Gone” la cantante forzaba su voz, esto no fue impedimento para que despachara un show lleno de color, carisma y sensualidad.

Charli XCX maneja las claves del pop en otra frecuencia, las tuerce, y en otras se las apropia. Sin bailarines, músicos en escena y con una modesta escenografía, la artista se adueñó del parque por unos minutos y comandó la fiesta de todos y con dedicatoria especial en “Boys” para acelerar hacia el final con la explosiva “Vroom Vroom” y “Good Ones”. Charli XCX, otro debut en suelo nacional, demostró por qué es la diva alternativa del pop, transversal y agresiva.

Caroline Polachek

El último show del festival estuvo al borde de la perfección, porque Caroline Polachek entregó un nivel de pop que, moviéndose entre la elegancia, la experimentación y la destreza técnica, consiguió la dificultosa hazaña de cerrar con broche de oro un evento con múltiples puntos altos. Es que la norteamericana es capaz de generar ganchos pop con mezclas futuristas en el estudio, y eso juntarlo con su voz que, en vivo, suena aún más potente que en lo grabado. Además, su carisma y simpatía le hacía congeniar con el público que, pese a no ser copioso en el alejado escenario Primavera, sí fue muy participativo, coreando con fuerza y dejando sorprendida a la artista a ratos.

Iniciando con “Pang”, track homónimo de su álbum debut de 2019, la perfección en los movimientos de Polachek, coreografiados con prestancia, se comenzó a notar. Mientras ella logra que su voz proyecte exactitud, los gestos, cada paso, cada giro de su cabeza tiene apariencia de ser parte de un continuum, y es que no es sólo un afán de moverse, sino que una coreografía cuidadosamente trabajada con C Prinz. Al mismo tiempo, cada canción es una cuidada producción, incluso en vivo, porque las versiones cuidan los elementos, a veces eligiendo que la batería se luzca, como en “Hey Big Eyes”, o en “Sunset” con la guitarra al estilo español siendo lo que brilla.

Pero lo más sorprendente es lo espontáneo que logra sonar todo, en un espectáculo que sorprendía incluso a quienes conocen cada recoveco del trabajo de Polachek, ya sea la dulzura de “Billions” y su coro hecho para multitudes, o el cover de “Breathless”, original de The Corrs, que consigue un halo de oscuridad inédito en sus manos. Más allá de la altura de deidad que aparenta la cantautora, hay mucho de humano en el trabajo necesario para equilibrar talentos de manera perfecta en escena, y ello es lo que, en poco menos de una hora, cerró los shows del fin de semana.

​Es indispensable pensar que este fue el debut no sólo de un festival, sino también de su productora, y el análisis debe ser justo con ese tipo de detalles. De hecho, hay múltiples paralelos con el debut del otro festival que se hace en este mismo parque en marzo, iniciando con ripios en la venta de entradas, teniendo que disponer de descuentos meses después de poner abonos en venta, y que le costó comunicar al público de un nuevo paradigma de evento. La amplitud de los espacios físicos para el público, tanto en servicios como en calles para transitar (sólo con la salida del segundo día como un punto preocupante) es algo destacable. Además, la curatoría del cartel entregó el mejor line up en muchos años en suelo nacional, más por el estrellato de los artistas que por sus momentos artísticos y creativos, con mucha gente habiendo lanzado su mejor trabajo y con shows de categoría tal, que cuesta mucho decir cuál no estuvo en un alto nivel. Otro punto a destacar fue cómo las mujeres artistas entregaron la mayoría de lo más comentado y lo más esperado, con multitudes sorpresivas en shows como Japanese Breakfast o Mitski, y otras anticipadas, pero no por ello menos notables, como Björk y Lorde. Un evento posible de mejorar, pero cuya primera impresión proyectó futuros en el presente y entregó esperanzas para posibles siguientes ediciones.

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