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Hellbangers Tour 2016

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La intención y el cartel de este Hellbangers Tour y sus dos fechas, Santiago y Valparaíso, apuntan hacia la celebración de una perspectiva moderna de ver el metal, con exponentes consagrados que aplican ese criterio, como es el caso de Criminal y de los argentinos A.N.I.M.A.L., recientemente reunidos, y con otros que han comenzado su trayecto hace menos tiempo, pero con igual entusiasmo y dedicación, como  Lefutray, Sangre Aborigen, Total Mosh o Saken. En ese sentido, la jornada auspiciaba una alta dosis de densidad y de material pesado que remecería las dependencias de Kmasú Premiere.

02 Sangre Aborigen @ Kmasu Premiere 2016

Cabe señalar que la concurrencia se hizo esperar, y para el momento de la obertura, a cargo de Lefutray (nominados a una categoría de los premios Pulsar 2016), la verdad es que había poca gente, por lo tanto la apuesta ganadora y aplastante de los capitalinos no llegó a muchos oídos, algo que no mermó en lo más mínimo su presentación que, sin muchas dificultades, sobresalió por encima del resto de los grupos, gracias a su mezcla dinámica y enfurecida de algunas de las tendencias más extremas dentro del metal. Su último disco, lanzado el año pasado, “Oath”, ha sido ampliamente reseñado en Chile y en varios países, y la mayoría de las opiniones al respecto han sido favorables, lo que ratifica a Lefutray como uno de los grandes y más serios actos de metal de nuestro contexto criollo, y así quedó demostrado anoche.

02 Total Mosh @ Kmasu Premiere 2016

La verdad es que, aparte de los mencionados, y en términos más técnicos, ninguna de las otras agrupaciones –salvo los cabeza de cartel– estuvo al nivel de lo hecho por Lefutray. Tal vez Sangre Aborigen fue capaz de entusiasmar más a la gente a ratos, pero su propuesta dista mucho de la complejidad de los antes mencionados, mientras que Total Mosh y Saken, se autoposicionan en zonas donde la creatividad y la originalidad escasean, en desmedro de una oferta más variada y, por sobre todo, más dinámica. Estos últimos pasaron casi desapercibidos, y eso que de todos los “teloneros” fueron los que contaron con la mayor cantidad de personas gracias a su ubicación en el horario, que los tenía justo antes del retorno de A.N.I.M.A.L. En el análisis de esta sección del Hellbangers Tour, quienes se alzaron como los más interesantes y, por consiguiente, como los ganadores de los actos de soporte, fue Lefutray.

07 Lefutray @ Kmasu Premiere 2016

Pasadas las 23:00 horas ocurrió el reencuentro entre los resucitados A.N.I.M.A.L y los seguidores nacionales, cuya relación se extiende por muchos años, y que ha demostrado su intensidad en todas las ocasiones en que los argentinos han visitado nuestro país. Anoche no fue la excepción, y apenas comenzó “Familia”, proveniente de su exitoso “Poder Latino” de 1998, se desató una batalla en la pista del recinto, algo que se repitió durante la hora y veinte minutos que estuvo el conjunto en escena.

09 ANIMAL @ Kmasu Premiere 2016

Quedó en evidencia la magnitud  del cariño y de la fraternidad que une a Giménez y compañía con la audiencia de este lado de la cordillera, porque el recibimiento fue enérgico, como cuando vuelve algún ser querido que estuvo de viaje durante un tiempo. La nostalgia del pasado y los recuerdos de ese entonces crearon el contexto en el que ocurrió la reunión, por lo tanto se entiende la reacción que se produjo al primer acorde de “Sol”, canción muy dinámica que se mueve por todos los estilos que están presentes en la composición del grupo. Luego, y a pesar de que el show de A.N.I.M.A.L recién comenzaba, llegamos al que finalmente fue el  momento más álgido de la función y donde se escuchó el coro más grande de toda la jornada. “Milagro”, parte de lo registrado en 1998 y después “Lejos de Casa”, extraída de “El Nuevo Camino del Hombre” (1996) contaron con la complicidad de casi todos los que llegaron al recinto de calle Blanco Encalada, destacándose los más entusiastas que hacían de las suyas en la parte central del local, contagiando a su vez a todo aquel que estuviera en sus cercanías hasta lograr que todos saltaran al ritmo del tema que abre “Poder Latino”, mientras que en el corte siguiente la situación fue menos impetuosa pero más potente al cantar junto a Giménez la letra de aquel melancólico single, que tuvo bastante rotación en los medios de América Latina y en la cadena MTV al momento de su promoción a finales del milenio anterior.

11 ANIMAL @ Kmasu Premiere 2016

Para salir un poco de aquella zona más tranquila pero lúgubre de las creaciones del trío trasandino, ejecutaron un bloque denso de metal más directo, compuesto por muestras de todas sus épocas, como “Usa Toda Tu Fuerza”, “Combativo”, “Barrio Patrón”, “Gritemos Para No Olvidar” y “Esperando El Final”, donde ésta última desató otro mosh pit de proporciones, demostrando cuánto disfrutan sus seguidores con el material que lanzaron al comienzo de su carrera, como el memorable “Fin De Un Mundo Enfermo” de 1994, segundo disco de su trayectoria y dueño de la procedencia de esta canción.

10 ANIMAL @ Kmasu Premiere 2016

Llegó el turno de uno de los éxitos con mayor alcance de la banda, como su “Poder Latino”; ellos lo entiende así y tocaron una sección dedicada a esa obra: primero “Loco Pro”, que con su fusión de rap y metal –muy común en aquellos años– logró que toda la concurrencia saltara y se moviera a su compás, lo que fue seguido del tema homónimo de ese álbum, que invita a la euforia a través de su vibra moderna y su mensaje de unión, ambiente que fue acentuado por una intensa “Los Que Marcan El Camino”, desatando otro círculo danzante que abarcó toda la pista.

08 ANIMAL @ Kmasu Premiere 2016

Así llegamos al final de esta nueva actuación de A.N.I.M.A.L en su versión 2016, conformada por el antes mencionado Andrés Giménez, junto a  Marcelo Castro en batería y Cristian Lapolla en bajo. Tras agradecer el apoyo incondicional de Chile, tanto del público como de sus pares músicos, ejecutaron “Sólo Por Ser Indios” y “El Nuevo Camino Del Hombre”, ambas del amanecer de su carrera, para luego cerrar con “Cop Killer”, original de Body Count, que en muchas otras oportunidades también ha sido la clausura de sus presentaciones.

18 ANIMAL @ Kmasu Premiere 2016

Cabe señalar que hubo un par de incidentes que en el análisis pueden mermar un poco la sensación tras el retorno de A.N.I.M.A.L, como lo fue que el bajista no cantó la primera estrofa de “Loco Pro” o que el sonido en varios pasajes del concierto estuvo desequilibrado, sin embargo, no fueron elementos decisivos, por lo tanto el reencuentro fue grandioso y dejó contentos a todos, artistas y sus seguidores, planteando un futuro prometedor si se considera que además editarán un nuevo larga-duración este año. De esta forma, lo de anoche fue sólo la antesala de la vuelta al mundo de la música de quienes algún día fueron líderes del metal moderno cantado en español.

01 Criminal @ Kmasu Premiere 2016

Faltando pocos minutos para la una de la madrugada, fue el turno de azotar el recinto con la música de Criminal, encargados de la clausura de este mini-festival de metal más contemporáneo. Su presentación fue muy celebrada por una concurrencia que se vio levemente disminuida tras la actuación de A.N.I.M.A.L, pero que conservó gran parte de la euforia y de la energía de un público que siempre apoyó, sobre todo desde la mitad de la jornada en adelante.

13 Criminal @ Kmasu Premiere 2016

La banda liderada por Anton Reisenegger contó con el mejor sonido en comparación al resto de los grupos que conformaron el cartel, algo difícil de lograr considerando las deficiencias acústicas del establecimiento, lo que sin embargo no fue un obstáculo para que cortes como “S.S.S. (Sick Society System)” o “Hijos De La Miseria” contaran con una gran dosis de pulcritud, a pesar de la estridencia de su esencia, lo que ayudó a que este cierre de la noche fuese al mejor nivel y así cumplir las expectativas de los asistentes.

09 Criminal @ Kmasu Premiere 2016

Por su parte, los temas más modernos de la banda, como “Tyrannicide” o “Animals To Gods”, extraída de su último trabajo recién estrenado, “Fear Itself”, son del gusto del público y ratifican las buenas críticas que la banda ha cosechado en los medios a través del tiempo, sobre todo con los discos editados después de “Cancer”, en el año 2000. También, cortes más clásicos provenientes del amanecer del grupo a comienzos de la década del noventa, como “Scapegoat” o “Stillborn”, aún son capaces de encender a la masa y de generar el caos en la pista, donde se destaca la manera en que los músicos que antes no estaban en la banda han asimilado y hecho suyas estas canciones, lo que enriquece su ejecución a través de los arreglos que cada uno de ellos ha aplicado a esos y otros cortes. Todo ese nuevo aire que refrescó las ideas del conjunto, se vio materializado en el aclamado “Sicario” del año 2005, desde donde extrajeron otro de los pocos cortes en español de Criminal, como “Por La Fuerza De La Razón”, que también contó con la venia de todos los que asistieron a esta reunión múltiple con algunos de los exponentes del metal más moderno que tenemos en Latinoamérica.

08 Criminal @ Kmasu Premiere 2016

Con los azotes de Criminal concluyó este Hellbangers Tour en su fecha de Santiago, para repetirlo esta noche en Valparaíso, y la verdad es que dejó una gran sensación, sobre todo por lo ocurrido ya en la mitad de la jornada, que fue cuando llegó la mayor parte del contingente que anoche dijo presente en calle Blanco Encalada. El público fue un actor preponderante en el desarrollo del evento, debido a que siempre cantó y apoyó enérgicamente a los grupos nacionales y que además celebró con fuerza el retorno de A.N.I.M.A.L no sólo al país, sino que a la palestra musical y a los conciertos, posicionando lo vivido anoche dentro de lo más intenso que hemos presenciado en el ámbito del metal durante este año en Chile.

Por Hans Oyarzún

Fotos por Luis Marchant

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Primavera Sound Santiago 2022: Domingo

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Bjork Chile 2022

El dicho popular, reza: “Después de la tormenta, llega la calma”. Y así fue el último día de esta gran cruzada en torno a la música chilena y mundial llamada Primavera Sound Santiago. El buen clima y, por qué no decirlo, el calor agobiante por ratos, se tomaron el Parque Bicentenario Cerrillos y fueron el marco para recibir una jornada que traía nuevamente debuts y consagrados, música para relajarse, para mover los pies y para gritar a todo pulmón.

Familea Miranda

La quintaesencia de la mancomunión catalana-chilena fue la inclusión de Familea Miranda, el trío chileno radicado hace más de una década en Barcelona que prometía ser el puente tácito entre el festival recién llegado y la pujante escena nacional. Y qué mejor que el tándem de fundadores “Katafú Rozas y Milo Gomberoff junto al baterista Alex Farré como un power trio cargado de rock cada vez más intrincado y cavernoso, con este último otorgándole la potencia y sapiencia a la hora de adecuarse a los ritmos enrevesados que la experiencia les ha permitido crear a Rozas y Gomberoff.

Juntos, dieron rienda a un set que recorrió sus más de veinte años de carrera desde los tiempos de “3Nsayo 3Rror” (2006) abriendo con “The Legañon” y “El Bloqueo”, y pasando por “Caballo de Alquiler”, “Lorem” y “Brut Nature” de “Radiopharm” (2015), el disco que significó en su momento el debut de Farré en el trío por este lado del mundo. La entrega fue total para aquellos que en el escenario Primavera desafiaban los primeros y fuertes rayos de sol que tanto escasearon la jornada anterior.

Por supuesto, estuvo “Palomita”, el clásico del folklore latinoamericano reconvertido en rock ruidoso y primal, y el final estridente estuvo a cargo de “Servú (Ronda)” deviniendo en una cuasi jam desbocada de free jazz, añadiendo otra cara que mirar al prisma que es Familea Miranda, una banda que, a la distancia y a su manera, se las arregla para hundir más sus raíces en suelo chileno, viniendo cuando pueden y tocando donde quieren. Aunque digan que ya no son de ninguna parte, se nota que extrañan y qué mejor que plasmarlo en esta, la primera versión del festival Primavera Sound Santiago.

José González

Cuando el sol dominical se abría paso entre las ya escasas nubes del fin de semana, con un breve retraso comenzaba el show de José González. El sueco de ascendencia argentina hizo gala de un español más bien tímido y escueto porque lo suyo no iba de parafernalias, imaginarios o grandes discursos, su declaración de principios es y ha sido siempre la simpleza. “Killing For Love” y “Cycling Trivialties” fueron, entre otras, las elegidas para partir plasmando un delicado set sin prisas ni pausas.

A pesar de no ser un festival el mejor escenario para la propuesta de González por todo el barullo circundante, se las arregló para marcar presencia, incluso con la pulsión electrónica del escenario Bits varios metros más allá haciendo lo suyo y que se colaba cada tanto, a punta de rasgueos abiertos y profundos, preciosas melodías arpegiadas y uno que otro backing track con sutiles beats, como en “Swing”, aunque, si no estaban esos beats, marcando con el pie también se las arreglaba sin mayores problemas. Como respuesta, recibió la respetuosa atención que su música naturalmente exige.

Con destreza, se paseó por su relativamente breve catálogo, dándole espacio a fracciones de su más reciente “Local Valley” como también a sus viejos y queridos clásicos: su propia versión de “Teardrop” de Massive Attack y el famoso cover de “Heartbeats” de The Knife, dotándolo de nuevas intenciones subiéndolo algunos semitonos hasta casi llegar al original. La sesión de los menos de cuarenta minutos originalmente planeados fue acogida por la audiencia como si fuera ese amigo que viene de viaje y quiere contar todo lo que afuera vio. Cantó, gustó y encantó con poco, porque sin duda algunas veces menos es más.

Jessie Ware

Aunque el tiempo que le dieron en Chile fue menor a lo de los otros Primavera Sound en Latinoamérica, Jessie Ware convierte cada segundo de su show en un deleite disco, hecho para bailar, llorar, seducir y transformar un sonido que acompañó la pandemia en una realidad escénica que supera expectativas. Desde “Spotlight” ya se notaba que las canciones tendrían mixes y énfasis diferentes a sus versiones de estudio, más simples, con los beats y el lucimiento de la voz de Jessie como ejes de lo que se escucha, mientras sus coristas y bailarines configuraban imágenes de acción, pasión y complicidad como la que la artista británica también demandaba y obtenía de su público. Aunque mucha gente que esperaba a Björk se quedó impávida, igualmente en ciertos momentos se sumaban a la fiesta, que en 48 minutos conseguiría entregar lo esperado y más.

El show giró alrededor de “What’s Your Pleasure?” (2020), ese álbum que para mucha gente se convirtió en la luz al final del túnel en tiempos de pandemia, ese disco que había que ir a bailar y que permitía viajar a universos paralelos que, bajo el inclemente sol que no había aparecido todo el fin de semana, se hizo real. “Ooh La La”, “Soul Control” o “Hot N Heavy” fueron muy coreadas con todo el mundo bailando, mientras Ware dominaba con carisma y sensualidad la escena, sin excesos, con la elegancia de quien conoce su material y cómo hacerlo brillar. Por ello es llamativo cómo la exhibición vocal es incluso mayor que en el estudio, con más gimnasia tonal y más recursos, enriqueciendo con esas complejidades los mixes más directos.

Lo anterior brilló con especial fuerza en la sobrecogedora versión de “Remember Where You Are”, con emociones y belleza a raudales. También ocurrió con el himno en que se ha transformado el reciente single, “Free Yourself”, y con el icónico momento que es “What’s Your Pleasure?” en vivo, con Jessie tomando un micrófono con un stand en forma de látigo, agitándolo con dominación, en todos los sentidos. Del material anterior a 2020 sólo sonó la versión remix de “Running” como la rearmó Disclosure. El cierre con “Save A Kiss” terminó con una fiesta en el amplio sentido, desde las alegrías instantáneas a los recuerdos perennes, en un debut en Chile para recordar y seguir bailando en su honor.

Björk

Siempre es una apuesta arriesgada cuando un festival decide poner algún show temático dentro de su cartel, más aún cuando dicha presentación está a cargo de alguien tan masivamente popular como Björk, que trajo su espectáculo “björk orkestral”, consistente en una serie de canciones interpretadas en un formato acústico para ser parte de la jornada de domingo en Primavera Sound Santiago. Junto a la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), compuesta por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil y de la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana, la islandesa se paseó por distintos tracks de su discografía para el deleite de los presentes, quienes, seguramente por la devoción que le tienen a la artista, no tuvieron problemas en conectar con un show que, debido a su configuración y ubicación en el horario a las 19:00 hrs, no lograba enganchar con el grueso del público. El inicio con “Stonemilker”, “Aurora” y “Come To Me” comenzaron poco a poco a generar un ambiente que terminó por apoderarse del lugar, donde se congregaron miles de personas, entre seguidores y asistentes, que comprendían muy bien que a una artista con este nivel de influencia había que verla sí o sí por lo menos una vez en la vida.

Concentrando principalmente sus esfuerzos en canciones de “Vulnicura” (2015), “Homogenic” (1997) y “Post” (1995), Björk presentó épicas y estruendosas reinterpretaciones de tracks como “You’ve Been Flirting Again”, “Isobel”, “Jóga” o “Quicksand”, con los jóvenes de la orquesta dando la talla en cada nota bajo la atenta dirección de Bjarni Frímann, quien se ha encargado de conducir las orquestas que se presentan junto a la islandesa durante esta gira. Ya para el cierre, y con el público en el bolsillo, la artista desplegó una intensa versión de “Hyperballad” para finiquitar su presentación, regresando posteriormente ante el aplauso de los presentes y despedirse definitivamente con “Overture” y “Pluto”.

A 10 años de su última presentación en nuestro país, la islandesa trajo sus composiciones en una configuración distinta, lo que se agradece un montón, pese a lo emocionante que sea escuchar sus clásicos en vivo bajo una interpretación más cercana a las originales. Siempre es bueno ver a Björk en vivo, y mucho mejor cuando se le agrega una novedad como la posibilidad de escuchar composiciones tan importantes para lo que fue su apogeo artístico desde la segunda mitad de los 90 hacia delante, mostrando no sólo su presente más maduro y robusto como artista, sino que además lo adaptables que son sus composiciones a distintas configuraciones. Pese al contexto más íntimo que evoca la presentación, su solemnidad logró que se transformara en algo especial, único y muy distinto de cualquier cosa que se pudiera presenciar durante el fin de semana. En simples palabras: un show de Björk como debe ser.

Mitski

Luego de que Björk invocara el atardecer sobre Cerrillos, era el turno de Mitski, que ya con la oscuridad de cómplice se preparaba para enfrentarse al sorpresivamente amplio público que la esperaba. Con la teatralidad que la caracteriza, y una presencia imponente y cálida, la artista recurrió a su último trabajo, “Laurel Hell”, desde donde escogió “Working For The Knife” como punto de partida. Sólo bastaron los primeros acordes para dar rienda suelta a la catarsis que significa escuchar, sentir y ver a Mitski sobre un escenario. Y es que la artista transmite intensidad y pasión en cada estrofa, como entregando un poco de sí misma a cada persona hasta ya no dar más.

Las nuevas tecnologías y los nuevos contextos digitales han ampliado el margen de los fenómenos virales, y así han logrado que una nueva y joven generación de fanáticas se acerque a su música. He ahí gran parte de la creciente popularidad –que ya iba en ascenso– de la cantante no sólo en Chile, sino también en el mundo. Con los hits “Washing Machine Heart” o “Nobody”, que han sonado fuerte en redes sociales, Mitski diseña un set que, pese a no mantener una línea definida, se pasea por todas las emociones y de esa manera también sorprender.

Mitski debutó en nuestro país en un momento clave para su carrera y popularidad, sintiéndose abrumada y agradecida por el calor del público local que no dejó de acompañarla y seguir cada movimiento que comunicaba con sus manos o su corporalidad. Tomándose el escenario, cumplió con las expectativas y se ganó a un país que pareciera meterse en sus más profundos sentimientos.

Father John Misty

En el último rincón del parque, el escenario Primavera vio llegar el show de Father John Misty pasadas las 21:00 hrs., con el músico presentándose frente a un público mucho menor al de cualquier show en los escenarios principales, pero que se destacó por una cosa en particular: la mayoría estaba familiarizada con su catálogo. Desde el comienzo con “I Love You, Honeybear”, los presentes acompañaron al músico y su banda en un desfile de composiciones de todas sus obras de estudio, pasando por tracks como “Total Entertainment Forever”, “Mr. Tillman” o “Nancy From Now On”, con una solidez instrumental impecable por parte de la banda compuesta por nueve músicos entre batería, guitarras, teclados e incluso una sección de vientos, que le aportaron una exquisitez sonora muy elegante.

Lamentablemente, problemas de sonido aparecieron sin previo aviso en “Goodbye Mr. Blue”, canción que fue interrumpida por un corte total del sonido en el escenario, con Tillman y compañía siguiendo su interpretación por un par de segundos antes de notar que el sistema de sonido del escenario no estaba funcionando. Probablemente esa mala pasada, y la reinterpretación del track, hizo que el músico debiera estrechar su set, aunque de todas maneras el público y artista se mostraron de muy buen ánimo continuando con tracks como “Please Don’t Die”, así como otros momentos de catarsis como “Pure Comedy” o el histriónico cierre con “The Ideal Husband”, canción que suele cerrar las presentaciones más catárticas del artista, quien en su segunda vez en Chile pudo consagrarse no sólo como el poseedor de un gran desplante escénico, sino que también como un músico que ha crecido mucho artísticamente con cada álbum de su corta carrera como solista.

Charli XCX

La presentación de Charli XCX parecía estar en duda. Tras enfermarse de la garganta en Argentina, la cantante inglesa debió permanecer en reposo y en silencio para cumplir con sus shows, incluyendo el de nuestro país. Ya casi recuperada, saltó a escena completamente sola, sin más apoyo que su actitud y desplante. Si bien, en ciertos pasajes de la introducción con “Lightning” o “Gone” la cantante forzaba su voz, esto no fue impedimento para que despachara un show lleno de color, carisma y sensualidad.

Charli XCX maneja las claves del pop en otra frecuencia, las tuerce, y en otras se las apropia. Sin bailarines, músicos en escena y con una modesta escenografía, la artista se adueñó del parque por unos minutos y comandó la fiesta de todos y con dedicatoria especial en “Boys” para acelerar hacia el final con la explosiva “Vroom Vroom” y “Good Ones”. Charli XCX, otro debut en suelo nacional, demostró por qué es la diva alternativa del pop, transversal y agresiva.

Caroline Polachek

El último show del festival estuvo al borde de la perfección, porque Caroline Polachek entregó un nivel de pop que, moviéndose entre la elegancia, la experimentación y la destreza técnica, consiguió la dificultosa hazaña de cerrar con broche de oro un evento con múltiples puntos altos. Es que la norteamericana es capaz de generar ganchos pop con mezclas futuristas en el estudio, y eso juntarlo con su voz que, en vivo, suena aún más potente que en lo grabado. Además, su carisma y simpatía le hacía congeniar con el público que, pese a no ser copioso en el alejado escenario Primavera, sí fue muy participativo, coreando con fuerza y dejando sorprendida a la artista a ratos.

Iniciando con “Pang”, track homónimo de su álbum debut de 2019, la perfección en los movimientos de Polachek, coreografiados con prestancia, se comenzó a notar. Mientras ella logra que su voz proyecte exactitud, los gestos, cada paso, cada giro de su cabeza tiene apariencia de ser parte de un continuum, y es que no es sólo un afán de moverse, sino que una coreografía cuidadosamente trabajada con C Prinz. Al mismo tiempo, cada canción es una cuidada producción, incluso en vivo, porque las versiones cuidan los elementos, a veces eligiendo que la batería se luzca, como en “Hey Big Eyes”, o en “Sunset” con la guitarra al estilo español siendo lo que brilla.

Pero lo más sorprendente es lo espontáneo que logra sonar todo, en un espectáculo que sorprendía incluso a quienes conocen cada recoveco del trabajo de Polachek, ya sea la dulzura de “Billions” y su coro hecho para multitudes, o el cover de “Breathless”, original de The Corrs, que consigue un halo de oscuridad inédito en sus manos. Más allá de la altura de deidad que aparenta la cantautora, hay mucho de humano en el trabajo necesario para equilibrar talentos de manera perfecta en escena, y ello es lo que, en poco menos de una hora, cerró los shows del fin de semana.

​Es indispensable pensar que este fue el debut no sólo de un festival, sino también de su productora, y el análisis debe ser justo con ese tipo de detalles. De hecho, hay múltiples paralelos con el debut del otro festival que se hace en este mismo parque en marzo, iniciando con ripios en la venta de entradas, teniendo que disponer de descuentos meses después de poner abonos en venta, y que le costó comunicar al público de un nuevo paradigma de evento. La amplitud de los espacios físicos para el público, tanto en servicios como en calles para transitar (sólo con la salida del segundo día como un punto preocupante) es algo destacable. Además, la curatoría del cartel entregó el mejor line up en muchos años en suelo nacional, más por el estrellato de los artistas que por sus momentos artísticos y creativos, con mucha gente habiendo lanzado su mejor trabajo y con shows de categoría tal, que cuesta mucho decir cuál no estuvo en un alto nivel. Otro punto a destacar fue cómo las mujeres artistas entregaron la mayoría de lo más comentado y lo más esperado, con multitudes sorpresivas en shows como Japanese Breakfast o Mitski, y otras anticipadas, pero no por ello menos notables, como Björk y Lorde. Un evento posible de mejorar, pero cuya primera impresión proyectó futuros en el presente y entregó esperanzas para posibles siguientes ediciones.

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