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Festival SUE 2018

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Fue de lo que se habló durante todos estos meses gracias a su estatus de ser, hasta la fecha, el concierto más esperado del año. Los ingleses Radiohead volverían por fin a nuestro país junto a una serie de invitados, en lo que fue bautizado como el regreso del Festival SUE, evento que trajo lo más selecto de la escena mundial durante muchos años de la década pasada. Con un cartel que se complementó con Föllakzoid, Junun y Flying Lotus, la promesa era una tarde llena de música, pasando por los más variados estilos entre una presentación y otra. Todo lo anterior sería para llegar al destino final del camino: Radiohead nuevamente en Chile, tocando en un escenario nacional luego de nueve años de ausencia.

Con la gira de su LP “A Moon Shaped Pool” (2016), que pareció extenderse más de lo planeado para cubrir nuestro continente, los ingleses llegarían en uno de los puntos más altos de su carrera, comandados por el siempre enigmatico Thom Yorke, para ofrecer su espectaculo en vivo, aclamado alrededor de todo el mundo. Previo a su show, el público fue testigo de variadas propuestas musicales, que repasarían diversos estilos en cada una de sus presentaciones. Sin embargo, las expectativas estaban puestas en Radiohead, por lo que la espera se hacía cada vez más eterna para quienes esperaban por la banda.

Föllakzoid: Dando la bienvenida

Los nacionales tuvieron que enfrentar la dura tarea de abrir la jornada a eso de las 17:30 horas ante una modesta cantidad de asistentes, atribuible a la hora y día de la semana, lo que, sumado al caos vial que se presenta normalmente en Santiago a esas alturas del día, los tuvo presentándose en un contexto un tanto ajeno a su hábitat natural. La banda cumplió a cabalidad, entregando todo lo mejor de su estilo y sonido, pero reduciendo su set a un promedio de tres canciones, que pasaron fugaces, aunque de una manera muy intensa gracias a la gran capacidad de interpretación e improvisación que el conjunto demuestra en el escenario.

El siempre inspirado Domingo se lució con la forma en que expresó las melodías propias de Föllakzoid, llenando el lugar de esa psicodelia y misticismo tan carácteristicos de su música. Pese a ser una banda de contextos nocturnos, hubo parte del público que no entró en onda con su propuesta, quizás por el momento y espacio en que se realizó, o porque simplemente sólo querían ver a Radiohead, ya que ese desinterés por quien está en escena se repetiría más tarde. Finalmente, Föllakzoid cumplió lo dicho por su guitarrista en conversación con nuestro medio: trataron este escenario con el mismo respeto y dedicación que tratan cualquier lugar donde se presenten. Lamentablemente, el público no hizo lo mismo.

Junun: Dejarse llevar

Cumpliendo con el programa a cabalidad, ingresaron a escena Jonny Greenwood junto a Shye Ben Tzur, acompañados de algunos músicos de Rajasthan Express, para interpretar una versión light de “Junun” (2015), álbum que juntó a los dos compositores en torno a la world music y las tradiciones y sonidos más profundos de la India. Con la tremendamente asombrosa “Julus” arrancó un viaje por diferentes melodías, estructuras y trasfondos, transmitiendo muy bien las sensaciones propias que sentían Ben Tzur y Greenwood en el escenario tocando sus instrumentos.

Pese a lo “extraña” –como la calificaban algunas de las conversaciones en cancha– de la propuesta, las miradas estuvieron puestas constantemente sobre Greenwood, quien no saludaba ni interactuaba con la gente, sólo se ensimismaba en un profundo trance mientras interpretaban canciones como “Hu”, otra que es parte de la excelente obra discográfica que realizó el conjunto.

Luego vino “Junun”, que hizo bailar a algunos de los presentes en la cancha, gracias a que es, probablemente, la canción más conocida de este proyecto. Finalmente, tras una reinterpretación de “Mast Kalandar”, canción tradicional de la India, Junun se retiró del escenario finalizando una presentación que dejó gusto a poco, quedando en el tintero muchas de las composiciones más destacadas de esta colaboración. Querámoslo o no, esta fue la gran oportunidad en la vida para presenciar este show, por lo que unos minutos más no le habrían hecho mal a nadie.

Flying Lotus: El vórtice

Es difícil encontrar las palabras necesarias para explicar lo que hizo Flying Lotus en el escenario, entregando una experiencia que conjugó todos los sentidos en torno a los beats y los efectos visuales que presentaba desde su cubículo como base de operaciones. Ahí, el músico despachó sus mejores tracks para el deleite de un público que, como fue la tónica en varios momentos de la tarde en algunos sectores del Nacional, no mostró mayor interés por lo que sucedía en el escenario. Así fueron pasando canciones como “Zodiac Shit” o “Coronus, The Terminator”, adornadas con imparables loopssamples, y muchas, muchas luces. Los efectos visuales de Flying Lotus dieron la sensación de estar siendo absorbidos por un vórtice cibernético, lo que se complementaba muy bien debido a las gráficas 3D que parecían salir del telón donde eran proyectadas.

Sumémosle los profundos beats que parecían cobrar vida, haciendo parecer que artistas como Kendrick Lamar o Thundercat –colaboradores recurrentes del músico– se encontraban ahí mismo, gracias a la intensidad y pomposidad de su set. “Never Catch Me” fue ejemplo de eso, con los rapeos de Kung Fu Kenny más rabiosos que nunca, yéndose por una vertiente que, canción tras canción, no daba respiro alguno.

Theme” y “Cold Dead” siguieron poniendo las cosas en alto, pero para algunos presentes en Cancha Vip eso pareció colmarles la paciencia, comenzando a pifiar y gritando “¡y fuera!” hacia el escenario. Toda una falta de respeto para el artista, pero que pareció coincidir con el momento en que el show se dio por finalizado, no sabemos si por razón del tiempo o, efectivamente por un –en este caso– no respetable, que no estaba muy conectado con la propuesta que tenían frente a sus ojos; ellos sólo querían a Radiohead.

Radiohead: La perfección de la emoción

El verdadero amor espera. Ese es un mantra que los fanáticos de Radiohead en nuestro país conocen a la perfección, ya que tuvieron que pasar nueve largos años para que los británicos volvieran a Chile y concretaran un romance a distancia que a estas alturas ya pasó a ser una experiencia casi espiritual. En esta pasada, el quinteto vino a presentar “A Moon Shaped Pool”, disco que los ha tenido girando por distintas partes del mundo, incluyendo una polémica visita en Tel Aviv. Sin embargo, la banda entró en un receso a mediados de 2017, por lo que el concierto en Chile marcó la partida de lo que será su tour latinoamericano después de nueve meses de ausencia, lo que obviamente tenía las expectativas en ebullición.

El momento de la verdad llegó a las 21:00 horas, cuando la introducción de “Treefingers” dio paso a “Daydreaming”, un inicio frío y con las pantallas en negro, tónica que se repitió durante toda la canción, pero que contrastaba con la parte central del escenario, en la que se vislumbraba un juego de luces que se abría como una flor justo cuando la voz Thom Yorke alcanzaba altura. Ya en “Ful Stop” las pantallas laterales se prendieron para respaldar a la que estaba detrás de la banda, mostrando collages y efectos visuales que aportaban a la vivencia sónica que Radiohead desarrolló siempre con la máxima perfección. Una de las primeras sorpresas de la noche llegó con “Airbag”, recibida con gran cariño por el público, al igual que “Myxomatosis”, cuya rotunda ejecución apoyada por la doble percusión –tarea que recae en Cleeve Deamer de Portishead– la hizo aún más venenosa, con Yorke escupiendo las palabras, libre de todo instrumento.

Luego de la hipnótica “Where I End And You Begin”, que reptó sobre las cabezas que se movían embrujadas por el ritmo, cayeron en una sucesión impresionantemente devastadora “All I Need”, “Pyramid Song”, “Everything In It’s Right Place”, “Let Down” y “Street Spirit (Fade Out)”, que calaron los huesos con sus distintas atmósferas, a veces opresivas, en otras más neuróticas, pero también delicadas y hasta nostálgicas; una progresión que recorrió distintas facetas de la banda, tan cambiante como la luna. Ese factor le dio un valor agregado a la elección de canciones, pensada y configurada para estadios, una gran tarea si se considera que pueden evadir fácilmente los singles. En ese sentido, Radiohead prefirió no jugar a la segura e hizo calzar su presente más electrónico representado por canciones como “Bloom”, “Identikit” y “The Numbers” con lo más orgánico de “Werid Fishes/Arpeggi”, “2+2 =5”, “Bodysnatchers” e “Idiotique”.

Siguiendo en esa línea más corporal, la dupleta de “Fake Plastic Trees” y “The Bends” marcó uno de los momentos álgidos y rescató tiempos en los que primaba la simpleza y lo melódico; un verdadero deleite para la sección más noventera de su fanaticada. “Feral” y “Lotus Flower” hicieron avanzar los relojes hasta nuestros tiempos, con el bajo juguetón de Colin Greenwood y la “batería a destiempo” de Phil Selway, creando la base perfecta para que Ed O’Brien y Johnny Greenwood pudieran volcarse a sus tareas respectivas con máxima concentración, mientras Yorke revoloteaba por el escenario. La atmósfera cayó en la oscuridad más profunda con “Exit Music (For A Film)”, de un aura tan frágil, que el público se permitió escucharla en total silencio, respetando y atesorando un momento especial dentro del concierto, que se volvería más luminoso con “Reckoner”.

Tras la preciosa “Nude”, el cierre del SUE 2018 quedó a cargo de la potente “Paranoid Android” y la vitoreada “Karma Police”, las cuales se transformaron en la postal definitiva de un festival que, en su regreso, tuvo como columna vertebral los sonidos de vanguardia, con Föllakzoid, Junun y Flying Lotus.

En su sexta edición, el certamen no sólo apostó de forma más arriesgada en lo sonoro, sino que también dio un salto en términos de convocatoria, lo que habla de su evolución desde las tarimas del Espacio Riesco, pasando por el Movistar Arena, hasta llegar al coloso de Ñuñoa. Sólo queda esperar lo que depara el futuro para que esta apuesta tan interesante se sume a la alternativa de festivales, quizá con un ingrediente especial que permita descubrir otro abanico de posibilidades sonoras, lo que siempre es bueno para la cultura musical de nuestro país. Por lo pronto, aquellos feligreses que esperaron pacientes el regreso de los de Oxford volvieron a casa con otro encuentro histórico en la retina y con el corazón en forma de luna.

Setlist

  1. Daydreaming
  2. Ful Stop
  3. Airbag
  4. Myxomatosis
  5. Where I End And You Begin
  6. All I Need
  7. Pyramid Song
  8. Everything In Its Right Place
  9. Let Down
  10. Street Spirit (Fade Out)
  11. Bloom
  12. Identikit
  13. Weird Fishes/Arpeggi
  14. The Numbers
  15. 2 + 2 = 5
  16. Bodysnatchers
  17. Idioteque
  18. Fake Plastic Trees
  19. The Bends
  20. Feral
  21. Lotus Flower
  22. Exit Music (For A Film)
  23. Reckoner
  24. Nude
  25. Paranoid Android
  26. Karma Police

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Javier Æøå (@javier_aeoa)

    12-Abr-2018 en 3:26 pm

    Me extraña lo tibia de la review cuando usualmente ustedes no temen en decir lo malo de una presentación. Parte de que los tres artistas iniciales no se pescasen como debieran es que fueron shows para la (vacía) cancha vip. Los que estábamos más atrás nada y nada pudimos ver. Sí, las lucecitas de Flying Lotus fueron psicodélicas y todo el estadio las vimos, pero después de tres canciones los que no éramos fans acérrimos ya empezábamos a mirar el celular.

    Entiendo que Radiohead sea una banda regalona de Humonegro y está bien…pero negar que muchas veces sonó como la pichula es negar la realidad. Si desde su ubicación tuvieron el privilegio de oír “Paranoid Android” como Dios manda, pues los envidio…porque desde atrás se escuchó “meh” siendo optimistas. Y hablando con amigos de Galería (fans militantes de RH) hubo otros varios puntos en que el audio y la ecualización jugaron en contra.

    Y de nuevo puede que tenga un sesgo por mi lejana ubicación, pero no vi a muchos vibrar con las propuestas electrónico-experimental de la banda. Lo que sí concuerdo: “Airbag” fue una sorpresa y me extrañó mucho lo eufórico de la gente cuando ésta comenzó.

  2. Lalof

    13-Abr-2018 en 7:03 pm

    lamentable la existencia de cancha vip, de verdad mata mucho la magia de un recital, por comodidad me di el gustito de sentarme en pacifico bajo, y lo disfruté a concho

    una lástima lo del sonido, no tiene nada que ver el viento, ni nada, el desempeño de la productora fue mediocre, la guitarra de jonny se perdió al final de paranoid android, y una pena lo que dicen que desde atrás no se escuchó como se debía, incluso, desde donde yo estaba, notaba como bajaba el volumen en ocasiones

    se puede reclamar no?

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Christina Rosenvinge: Ouijas para la empatía y la revolución

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Christina Rosenvinge

La opresión de la lógica patriarcal que rige como titiritero invisible a las acciones sociales del mundo ataca a todas y todos. Aunque las movilizaciones multitudinarias hacen creer a varios que son las mujeres las que buscan cambios para ellas, lo cierto es que toda modificación a la norma imperante debe implicar algo más allá, afectando a hombres y mujeres. Por ello se hace vital entender todo el espectro. Esa es parte de las inquietudes de una de las creadoras más relevantes de Hispanoamérica, en especial cuando el análisis se cierne sobre su propia historia y la de los suyos.

Christina Rosenvinge es activista, pensadora, productora, mujer, pero por sobre todo es compositora, y en este ámbito es el que vierte complejidades claves de escudriñar. “Un Hombre Rubio”, uno de los mejores discos de 2018, ataca desde la empatía y la honestidad hacia las razones por las que existen exigencias para los hombres en pos de un patriarcado que busca su propia sanidad. Ella ve en su padre a una figura que tiene esas contradicciones e intenta explicarse una relación –cuando menos– conflictiva. Junto con una producción exquisita (de exclusivo crédito de la propia Christina) y sonidos precisos y bien desarrollados, el décimo álbum de la madrileña es un arma poderosa para hacer espiritismos propios en busca de respuestas, analizar esos diálogos pendientes y, por supuesto, para elucubraciones que deriven en esa revolución que permitiría la transversalidad fundamental, esa donde géneros no importen.

Un portal se abrió a pocos kilómetros del radio urbano del Gran Santiago, y en el parque de Las Majadas de Pirque, con edificaciones preciosas alrededor, se dio algo cercano a un día de campo, ocasión que vería a Rosenvinge volver luego de 14 meses a Chile, pero con un nuevo paradigma, de esos que usaría el propio David Bowie para corromper la normalidad y expresar todo lo que se pueda indicar.

Pero antes, la velada fue abierta por la solvente y delicada propuesta de Sabina Odone, quien, pese a indicar que existían ciertos desperfectos técnicos, siempre se escuchó con claridad y belleza. Lo primero que mostró en su presentación –que se extendería por 35 minutos– fue su trilogía de sencillos “Una Historia de Amor”, previa a su disco “Amore” que está trabajando para ser editado en 2019. Y se nota la consistencia de las tres canciones, tan diferentes en temática y sonoridades, pero tan ligadas una a la otra, desde “Algo de Ti” con el enamoramiento, hasta “Quise Ser Tu Amante” en la reflexión a posteriori, pasando por la decepción en “Ellos No Cambian”. Además, Sabina estrenó una canción y, cuando su piano eléctrico dejó de sonar, cantó una versión a capella de “Il Cielo In Una Stanza”, canción que refiere a los ancestros de Odone, quien, emocionada por la oportunidad, demostró que una buena voz no necesariamente viene asociada a la catarsis permanente, sino al control y la contención que da la experiencia en vivo y la convicción en las propias canciones.

Media hora después sería el turno de una Christina Rosenvinge que, a la usanza del arte de “Un Hombre Rubio”, llegó ataviada de una camisa blanca y pantalones negros sin talle ajustado. El afán de explicar una vestimenta va en que es este el personaje en el que podía sostenerse Christina a lo largo del show, en este hombre rubio, guapo, exitoso, dominante, que por 106 minutos sería el centro de la atención, con sorpresas, reflexiones y, al final del día, un rock que desde la sofisticación puede transformar un tranquilo prado en un concierto frenético y lleno de momentos.

Con “Niña Animal” y “El Pretendiente”, ambas del disco nuevo, Rosenvinge ponía sobre aviso a la gente del tono del sonido para el show, con una banda correcta mas no descollante, quizás dejando en claro que, más allá de virtuosismos o perfección, lo que podía hacer que el show fuera inolvidable eran las canciones, y por ello es que Christina también entendió que, para el espacio y ambiente, ella podía tomar el pasado para ir tanteando la trayectoria para enlazar el presente, formando un lindo nudo que cierre todo. Por ello irrumpieron como nunca las canciones que originalmente le pertenecían a Christina & Los Subterráneos. Incluso, la primera sería una del disco incomprendido de ese proyecto, “Mi Pequeño Animal” (1994). “Pálido” era la primera sorpresa nostálgica, para luego pasar a una nostalgia más personal de Christina en “Jorge y Yo”, dedicada a su hermano, y luego llegar a otra antigua, en ese caso de 1992, “Señorita”.

Rosenvinge volvía a su último registro con el dueto espiral de “Pesa La Palabra” y “Romance De La Plata”. En la primera canción, es el padre el que le habla a su prole, en tanto que en la segunda es la hija la que se da el espacio de hablarle a su progenitor, en un esfuerzo gimnástico de la interpretación, donde vemos cómo Christina está en otro nivel, siendo capaz de saltar desde su yo de hace más de 25 años hacia su padre, y luego hacia ella misma. Pareciera que estuviera dejando a los espíritus entrar, comunicarse y luego salir, todo en márgenes mínimos.

La Distancia Adecuada”, una sombría y elegante versión de “Tú Por Mi”, y luego “Ana y Los Pájaros” continuaban una jornada donde la verdadera Christina Rosenvinge quedaba a flote en todo momento, ya fuera con la repetición a modo de tantra de “Alguien Tendrá La Culpa” o con etapas más complicadas como las posteriores. Pasarán la puta, la tejedora, la flor entre las vías, pero nada será tan inesperado como “Mil Pedazos”, canción que la artista no tocaba desde su anterior visita en 2017, en una versión oscura, que hace sentir mucho más la división y el dolor de estos pedazos que no se sabe por dónde intentar volver a unir.

Aunque Rosenvinge y su banda abandonaron el escenario un poco, eso es parte de la dinámica tradicional de los conciertos, pero el retorno tuvo a Christina sola, con la guitarra ataviada y con intención de dar en el gusto a su gente, que logró que sonaran versiones solistas de “Las Suelas De Mis Botas” y “Sábado”, dos temas muy sorpresivos y que, sin querer, van dentro de la narrativa de comprender a otros y también generar cambios para modificar al ser.

En “La Piedra Angular”, canción que primero tiene a Christina acompañada solo por un piano para terminar con banda, se vivió uno de los momentos inolvidables de la jornada cuando ella se baja del escenario con intención de buscar una pareja para bailar el intermedio de ese track, que es casi un vals. Rosenvinge eligió a una mujer del público, con el arrojo arrogante de la vestimenta del hombre rubio que lleva puesta. Mientras bailan, mujer contra mujer, todo el público se pone a su alrededor generando una postal única, que se convertiría en incredulidad y risas cuando Christina falló espectacularmente en hacer un gesto galán y ella y su bailarina cayeron muy fuerte contra el suelo. Una manera única de relevar también el track que cierra “Un Hombre Rubio”, una balada preciosa que se pegó perfecta con otro track de Christina & Los Subterráneos, “Alguien Que Cuide De Mí”, y con el gran final con “Voy En Un Coche”, en una versión rockera pero madura, haciéndose cargo de la brecha de pensar que un auto es la libertad, algo muy lejano en 2019 a ese ideal de 1992, y por ello es que un tono más sombrío resultaba preciso.

Así culminaba un espectáculo donde no sólo hubo grandes canciones y momentos, sino también pudimos ver a una artista en el tope de sus capacidades, sean estas artísticas como personales. Christina Rosenvinge tiene en la cabeza como objetivo que se comunique qué es el feminismo, pero que se haga bien, sin caricaturas, y he allí su loable intención de buscar la empatía en figuras que también son consecuencias de un sistema opresor. En esta búsqueda, que va más allá de tumbas, dimensiones y fronteras, es que tenemos los cimientos de una revolución que no sabemos cuándo llegará, pero que sí tenemos certeza de que vendrá. Mientras tanto, como dice la canción que abrió el show, “aguanta”.

Setlist

  1. Niña Animal
  2. El Pretendiente
  3. Pálido (original de Christina & Los Subterráneos)
  4. Jorge y Yo
  5. Señorita (original de Christina & Los Subterráneos)
  6. Pesa La Palabra
  7. Romance De La Plata
  8. La Distancia Adecuada
  9. Tú Por Mi (original de Christina & Los Subterráneos)
  10. Ana y Los Pájaros
  11. Alguien Tendrá La Culpa
  12. La Flor Entre La Vía
  13. La Muy Puta
  14. La Tejedora
  15. Mil Pedazos (original de Christina & Los Subterráneos)
  16. Las Suelas De Mis Botas (original de Christina & Los Subterráneos)
  17. Sábado
  18. La Piedra Angular
  19. Alguien Que Cuide De Mi (original de Christina & Los Subterráneos)
  20. Voy En Un Coche (original de Christina & Los Subterráneos)

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