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Damon Albarn: De lujo

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El año pasado Blur realizó su anticipado debut en nuestro país, con un concierto que bordeó la perfección  y que dejó más que conformes a los miles de asistentes que vivieron una noche con la que, hasta ese momento, sólo habían soñado. Sin embargo, para este redactor, el recital de los británicos dejó esa sensación que queda en todos los eventos masivos de bandas grandes –sobre todo cuando son bandas inglesas, sino pregúntenle a Iron Maiden, que toca las mismas canciones, en el mismo orden, noche tras noche, durante el año y medio que dura el tour-, que finalmente hay un guión muy bien estructurado detrás de cada uno de los movimientos que realizan en el escenario, desde el set de canciones, hasta los cumplidos que lanzan al respetable.

DAMON ALBARN CHILE 2014 04

Es por este motivo que la visita en solitario de Damon Albarn, líder y voz de Blur, en un concierto íntimo a realizarse en el Teatro Caupolicán, se vislumbraba como una muy buena oportunidad para ver al músico en su máximo esplendor, repasando además canciones de sus proyectos paralelos, entre ellos Gorillaz, agrupación que podría ser considerada como el otro proyecto solista de Albarn. Lo cierto es que la velada superó todas las expectativas, con un Albarn inspiradísimo y lleno de energía, acompañado de una banda impecable y llena de estilo, sumado a un par de bochornosos errores de la producción que sólo vinieron a sumar puntos a una presentación única, exenta de cualquier libreto o pauta.

DAMON ALBARN CHILE 2014 02

Ese sabor de que íbamos a vivir algo especial se sintió desde un principio, cuando la banda de acompañamiento, junto al excelente coro, salió a escena tocando “Spitting Out The Demons”, original de Gorillaz, extraído de la compilación de lados B del “Demon Days” (2005), “D-Sides” (2007), y que nunca había sido tocado en vivo. Con una apertura de ese calibre sólo se podía esperar lo mejor. Así siguieron “Lonely Press Play” y “Everyday Robots”, ambas del disco solista del británico, “Everyday Robots” (2014), sonando aún mejor que en sus versiones en estudio, e instalando una atmósfera íntima y, a ratos, sobrecogedora. Pero un accidente bochornoso obligó a detener el show: las vallas de seguridad de la cancha cedieron, poniendo en riesgo la seguridad de los asistentes y obligando a la producción a reparar el problema de inmediato, en unos veinte minutos de incomoda pausa, donde incluso hubo martillazos y reiteradas peticiones para que el público se mantuviera a raya, mientras los “maestros” arreglaban el problema. Para este redactor, quien se ha paseado por conciertos como el de Slayer, o cualquier otra banda metalera, ver algo como eso en un show como el de anoche fue, a lo menos, escandaloso y un error imperdonable que mató las pasiones de todos los presentes.

DAMON ALBARN CHILE 2014 05

En fin, las cosas se arreglaron y la música volvía, está vez de la mano de uno de los éxitos de Gorillaz, “Tomorrow Comes Today”, con mucho más groove que en su versión de estudio, pero conservando la melancolía de la original. Todo mal rato había sido olvidado al instante.  “Slow Country” y “Kids With Guns” seguían dando en el gusto a los que hemos deseado con ver a la banda de dibujos animados en vivo, para pasar a “Three Changes”, tema creado por esa superbanda sin nombre oficial, pero que es conocida por todos como The Good, The Bad And The Queen, poniendo algo de rock a la velada y mostrándonos las diversas facetas de un hombre que no teme pasar de un estilo a otro entre canción y canción. Es así como volvíamos a entrar a la melancolía con “Hostiles” y “Photographs (You Are Taking Now)”, otras dos del “Everyday Robots”, para volver a bailar con The Good, The Bad And The Queen de la mano de “Kingdom Of Doom”.

DAMON ALBARN CHILE 2014 07

La energía se mantuvo siempre a tope, a pesar de que algunas canciones eran desconocidas para el público; la conexión y complicidad fueron protagonistas de la noche. Las sonrisas de Albarn al notar que su material como solista era tan bien recibido como las canciones clásicas de su repertorio, confirmaban que cualquier frase que pudiera salir de su boca era una manifestación verdadera de lo que estaba sintiendo durante la velada. A pesar de que los problemas técnicos regresaron, esta vez con la caída de los equipos de iluminación dejando solamente un par de focos cenitales en funcionamiento, ningún ánimo de fiesta se vio mermado, sino que se acrecentaron con estos accidentes que, en otras circunstancias, habrían resultado fatales.

DAMON ALBARN CHILE 2014 01

Invitando al coro de vuelta al escenario, el británico presentó a M.anifest, rapero ghanés que lo ha acompañado durante la gira para interpretar un par de canciones del set. En la oscuridad pudimos escuchar una potente versión de “Dam(n)”, mezclada con góspel, rapeos y un final donde la banda se hizo parte de un viaje sónico tremendo, en uno de los momentos álgidos de la noche. Luego de oír un par de temas más de “Everyday Robots”, el sonido de Gorillaz regresó con “El Mañana” y “Don’t Get Lost In Heaven”, y si bien daban ganas de haber escuchado alguno que otro hit radial en vez de estas canciones, la decisión de elegir estos temas fue todo un acierto para la construcción de un show que ya rayaba en lo sublime.

DAMON ALBARN CHILE 2014 03

Y si de hits se trataba, el trío de canciones de Blur compuesto por “Out Of Time”, “All Your Life” y “End Of A Century” sacaron la voz del Caupolicán, que coreó a concho los clásicos de la banda londinense, como si se tratara de una canción de fogata. Como guinda de la torta, “Clint Eastwood”, el sencillo por antonomasia de Gorillaz, llevó la fiesta a su peak ante un público que yacía completamente rendido a la genialidad de Damon Albarn. Y las regalías para los chilenos seguían llegando cuando tocó interpretar “Mr. Tembo”, cuya letra versa “Injili, Injili”, que suena muy parecido a “In Chile, In Chile”, por lo que el cantante se dio la libertad de modificar la letra y dedicársela a los chilenos, robándose risas y aplausos. Y aunque todos seguíamos con ganas de más, “Heavy Seas Of Love” nos dio la despedida definitiva para una noche impredecible, sorpresiva, accidentada, estremecedora y, por sobre todas las cosas, llena de energía.

DAMON ALBARN CHILE 2014 06

Definitivamente, la sensación fue completamente distinta a la que se vivió con Blur hace un año. Anoche vimos a un hombre disfrutando a concho de su música, totalmente entregado a la gente y al show, haciendo vista gorda a los accidentes y dejándose llevar por la espontaneidad e intimidad con un público que se portó muy bien y colaboró para hacer de la noche del jueves una de las más entrañables en lo que va del año. Un verdadero lujo que tuvo de todo, pero por sobre todo muy buena música y la sensación de haber visto a un músico completamente sumergido en su arte.

Setlist

  1. Spitting Out The Demons (original de Gorillaz)
  2. Lonely Press Play
  3. Everyday Robots
  4. Tomorrow Comes Today (original de Gorillaz)
  5. Slow Country (original de Gorillaz)
  6. Kids With Guns (original de Gorillaz)
  7. Three Changes (original de The Good, The Bad And the Queen)
  8. Hostiles
  9. Photographs (You Are Taking Now)
  10. Kingdom Of Doom (original de The Good, The Bad And the Queen)
  11. Dam(n) (original de Rocket Juice & The Moon)
  12. You And Me
  13. Hollow Ponds
  14. El Mañana (original de Gorillaz)
  15. Don’t Get Lost In Heaven (original de Gorillaz)
  16. Out Of Time (original de Blur)
  17. All Your Life (original de Blur)
  18. End Of A Century (original de Blur)
  19. Clint Eastwood (original de Gorillaz)
  20. Mr. Tembo
  21. Heavy Seas Of Love

Por Sebastián Zumelzu

Fotos por Luis Marchant

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3 Comentarios

3 Comments

  1. Mariana Segura González

    10-Oct-2014 en 3:00 pm

    Comparto, estuvo epicooo

  2. Luz Alejandra (@luzalejandra_vl)

    11-Oct-2014 en 12:31 am

    Pucha que da gusto leer buenos reviews como este! Qué gran show se mandó Damon, dentro del top 10 del año!

  3. Susy Quiu

    12-Oct-2014 en 4:54 pm

    Amo a Blur pero es cierto, el show del jueves fue un tremendo lujo, que tocara “Spitting Out The Demons” por primera vez en vivo, fue bacán.

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Festival 10 Años Fauna

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Este es el primer review en vivo de HumoNegro desde que estallara el descontento social en más de tres semanas frenéticas donde la represión está a la orden del día, y los ojos se abren (y casi 200 lamentablemente por acción de Carabineros se han cerrado) cada día más. No es precisamente un entorno normal, y es en medio de esa extraordinaria contingencia que Fauna Producciones celebró sus 10 años con un festival que, en el papel, tenía muchos puntos atractivos, pese a que existiera gente que lo mirara en menos tras la cancelación de la edición 2019 de Fauna Primavera. Dentro de la delimitación del Parque Metropolitano, el Parque Mahuidahue en la comuna de Recoleta era el punto de encuentro, que aparentaba ser una brecha de aire fresco en medio de semanas tensas, fuera de lo común, difíciles. Pero, lamentablemente, el intento de preservar los aires de normalidad fue el pecado fatal que dinamitó todo lo bueno que estaba construyendo esta jornada de música de calidad y mucho calor.

Las puertas abrieron recién a las 13:40 hrs., mientras que el show que supuestamente comenzaba a las 13:30 hrs. recién partiría casi una hora más tarde. Lo aparente es que la prueba de sonido de Little Simz y sus músicos se retrasó, algo que más tarde también golpearía el fluir del encuentro. Mientras, la gente probaba los pocos retazos de sombra que había en el escenario principal del festival, Red Bull, que se instaló en una cancha de pasto sintético, con todo muy ordenado, bien delimitado, sin aparentes contratiempos.

Francisco Victoria

La música recién partió a las 14:28 horas, con el único músico nacional que se subiría al escenario principal, Francisco Victoria, quien no sólo mostró solidez absoluta en su desplante, pese a que también le afectó el calor que ya a esa hora marcaba 33ºC en Santiago, sino también el arrojo para mostrarse por completo en 35 minutos. Todo su disco debut, “Prenda” (2018), pudo sonar, y además el single “Querida Ven”, dedicado al momento político y social del país y que tuvo en Felicia Morales a un reemplazo más que competente para la parte de Juliana Gattas, algo necesario en una canción así de conversacional.

La banda es un gran apoyo para Francisco, quien en contados momentos se colgó un instrumento para poder maniobrar como el frontman que está siendo hoy por hoy, con la propia Felicia, Raúl Abarca y Daniela Riquelme como actores de reparto en este guion que ve en Francisco Victoria a un protagonista claro, que emociona en “Cuídeseme”, inquiere en “Cruza El Puente” o cautiva en “Marinos”. Brillante inicio de jornada, pese al retraso.

Little Simz

Más tarde sería doloroso lo que generarían los retrasos vistos respecto a Little Simz, pero la rapera londinense que despachó uno de los discos del año con “Grey Area” (2019) fue probablemente el mejor show de todo el día, con una energía tan contagiosa como extraña, con esa fuerza que tienen las y los artistas que marcan la diferencia.

A las 16:10 horas partió el espectáculo de Little Simz con su banda, todos de estricto vestuario blanco, al igual que el revestimiento del micrófono de la artista, que entró siendo la jefa (“Boss”) y luego entregó esa peripecia de las rimas que explican cómo el sistema apunta con el dedo para no dar oportunidades (“Therapy”). El tren ágil del inicio del show cerró con el tema que le abrió oportunidades a Little Simz, “God Bless Mary”, mostrando todo lo que tiene para ofrecer, desde una sensibilidad soul hasta una pluma afilada para resaltar las vivencias de las mujeres y todos quienes necesitan chances.

Pressure”, “Backseat” o “Good For What” son muestras de que la rapera entiende cómo no sólo el talento asegura tener una voz digna de escuchar, sino también hay dificultades que sortear, bocas que acallar y sociedades que cambiar. Ella lo dejó claro en su mensaje político: “Mantengan la cabeza en alto. Ustedes son fuertes”. No hay dudas en el ethos de Little Simz, por eso fue tan sencillo que dejara a todo el público encendido, compitiéndole al intenso sol golpeando la ladera del cerro, porque cada acción hecha por la artista quiebra la rutina, es extraordinaria, y eso fue lo que sintió el público. Se trata de una artista en la cúspide creativa y eso se notó. “Venom”, el hit “Selfish”, “101 FM”, “Flowers” y el cierre con “Offense” para apenas 50 minutos, pero que dejaron huella en el debut solista de la londinense en Chile (antes cantó con Gorillaz). Lo problemático fue el retraso que dejó su presentación y preparación: 85 minutos que serían calvario y desolación más tarde.

Khruangbin

Cuando el trío de Houston, Texas, se subió al escenario de 10 Años Fauna, estaba claro que la onda sería muy diferente a la intensidad de Little Simz. En vez de rimas, mensajes e ideas, lo de Khruangbin involucró un viaje por los sentidos que quedaban abiertos, cuando ya el sol había quemado más allá de lo debido la piel y los pies comenzaban a tener esa incomodidad típica de un festival.

Más gente llegó y se sucedieron canciones como “Dern Kala”, “August 10”, “The Infamous Bill” o “Mr. White”, convirtiendo a la cancha en un espacio más etéreo, sin límites, transformando la tarde en lo que siempre quiso ser: un oasis en medio de lo extraordinario. Allí Laura Lee, Mark Speer y Donald Johnson mostraron su calidad como instrumentistas y también como presencias magnéticas en el escenario. Speer y Lee son imposiblemente cool, y cada cosa que hicieron con sus instrumentos o con las acotadas palabras en español esforzado que regalaban al público tenía esa vibra de superestrellas. En tanto, la batería de Johnson era una fuerza que no por poco estridente era menos potente.

El momento visagra del show, eso sí, fue cuando se animaron con un cover de “El Derecho De Vivir En Paz” de Víctor Jara, con las clásicas líneas de guitarra del himno de las movilizaciones sociales de este año. Nuevamente, lo extraordinario se colaba en este intento de poner un poco de normalidad en el Parque Mahuidahue. Luego de 65 minutos, el trío culminó su show debut en nuestro país, el que sin duda ayudó a tener un poco de frescura y de ese rock atemporal que pocas veces suena tan contemporáneo como lo hace en manos del trío texano.

BadBadNotGood

Speaking Gently” era el tema que inició el show de BadBadNotGood en este retorno a nuestro país, esta vez sin novedades discográficas inmediatas, pero en un formato festivalero que trajo las mejores canciones del conjunto, en una especie de show de grandes éxitos con su formato de cuarteto implacable, con un sonido de lujo que mezclaron con temas completamente nuevos que han estado probando en conciertos durante los últimos meses.

Tampoco es que se trate de una reinvención del conjunto, porque eso no es, pero sí en el show se notó cómo es que la dinámica incesante y en constante evolución de BadBadNotGood se privilegia en pos de romper esquemas. En medio, tracks más clásicos como “Weight Off” o “And That, Too” corroían las ganas de reposar por parte de un público muy activo con el grupo canadiense, que aún está buscando las formas más eficientes de usar a Leland Whitty, único miembro no fundador, que con su manejo del clarinete o el saxofón conseguía ahondar y generar cruces efectivos con el teclado de Matt Tavares.

BadBadNotGood lucen como investigadores de las posibilidades del jazz, y es eso lo que demostraron en casi una hora de solidez irresistible. Tal vez el show más ensimismado, pero, a la vez, el de perfección más evidente en el marco del evento del décimo aniversario de Fauna.

The Whitest Boy Alive

Cuando ya la noche había caído y el escenario Boiler Room tenía a mucha gente bailando y disfrutando, en especial tras el brillante set de Pepo Fernández y Nico Castro con trazos de disco, electrónica y pop latino, en una mezcolanza que no dejó indiferente a nadie, venía el que se suponía que era el primer plato fuerte del evento, sin tanta mezcla como lo que se veía en el otro escenario, pero sí marcando un hito con la mera presencia ahí. Erlend Øye volvía a tocar en Chile, y en eso no había novedad, pero sí la había en que era con The Whitest Boy Alive, quizás su proyecto más pop y más “feliz”, dentro de lo que se pueda comentar. Algo raro, pero divertido de advertir, con el cuarteto en pleno para tocar luego de diez años sin editar nuevos discos, aunque con las ganas de disponerse para divertir a la gente.

Y lo hicieron desde casi el comienzo, pasadas las 20:35 hrs., cuando en “Courage” el baterista usó una olla y su baqueta para introducir el sonido del cacerolazo en la canción, y jugar con Erlend. El sonido de TWBA es muy indie, pero también muy pop, y por ello la gente pudo saltar y bailar con prácticamente todo lo que aparecía en los parlantes, ya fuera con “Burning”, “Fireworks” o “Bad Conscience”.

La banda tiene en los teclados de Daniel Nentwig el otro gran pilar de su sonido, entregando trazos que ningún otro proyecto de Øye posee, y eso le entregó una aspiración de diferencia muy grande al show. Y otra cosa: se notó siempre que la banda lo pasó increíble tocando frente a un público otra vez. Siete años es mucho tiempo, sin embargo, la capacidad de demostrar sin artilugios cómo logró fluir cada canción es algo que no lo entrega el ensayo, sino que la química del grupo. El público jugaba también en ciertos momentos a integrar el grito “El que no salta es paco” dentro de las canciones, pero esto tuvo su apogeo en “1517”, la que cerró el show, cuando Erlend la presentó con un pequeño discurso sobre la democracia, citando también la frase del coro que habla de la libertad, antes de ponerse a tocarla. En el final del tema, la gente comenzó a gritar “El pueblo unido jamás será vencido” y, tras ello, TWBA integró “Show Me Love” de Robin S. como un cover, con el cacerolazo sonando de nuevo, y con el retorno del grito del que no salta en su puesto es parte de las fuerzas policiales.

Incluso en el oasis más profundo de la catarsis musical era imposible abstraerse de lo ocurrido en el país. Con 55 minutos, el show de regreso de The Whitest Boy Alive no sólo los mostró sueltos y compenetrados, sino que también parecía el preludio perfecto para lo que sería el gran cierre con Hot Chip.

Pero Hot Chip jamás se subiría al escenario. ¿Qué pasó? ¿Qué hizo que la banda principal en el evento cancelara en el último de los minutos? Parte de la explicación tenía que ver con una pequeña barricada en las afueras del parque. Otra parte, venía de la mano con robos en buena parte de los vehículos estacionados en esos mismos alrededores. Por “razones de seguridad” el show se detuvo y la gente quedó en shock, y más aún al ver a Erlend asomarse y acercarse a la reja con la gente para conversar a viva voz y explicar lo ocurrido, tras el anuncio improvisado hecho por los parlantes. Pese a que pareció un movimiento de la producción, luego se aclaró que fue el propio músico noruego el que se quiso acercar a la gente para retribuir el afecto, pero también, como él dijo, porque sabe de esa sensación de quedar esperando un show que se canceló en las últimas. Erlend explicaba y la gente se indignaba más. ¿Dónde estaba la producción? ¿Dónde está la aceptación de algún error? Eso es lo que deja un sabor muy amargo tras 10 Años Fauna, al ver a una de las productoras de mejor curatoría del negocio de los conciertos en nuestro país sucumbir ante errores que la dejan mal ante quienes compran los tickets. Quizás en el caso particular de este evento el error principal fue pretender normalidad en un contexto extraordinario, y más aún al dejarse llevar por el retraso inicial que terminó sepultando la posibilidad de tener a Hot Chip cerrando con broche de oro la celebración.

Fuera del calor, el lugar estuvo bien ordenado y con un sonido que se perdía mucho menos que en el vasto Espacio Broadway; la gente se portó bien y las bandas entregaron shows de calidad. Incluso, la alianza con Boiler Room impulsó aún más la electrónica en el marco del festival. Entonces, ¿por qué todo queda como algo más sombrío? Tiene que ver con esas cancelaciones de último minuto, con no prever que, en vez de atrasar la jornada, quizás era mejor adelantarla. En el afán de tener un oasis, que logró concretarse en la mayoría de este sábado 9 de noviembre, todo quedó al final como un espejismo de los duros. Gente llorando al no tener ese break final en medio de días de mierda, en medio de semanas de terror y en medio de un país en su revolución más incomprendida, era el cuadro más terrible de un evento que merecía esa chance que al final se esfumó en el afán de una normalidad plástica, afectando las sensaciones frente al arte real de, como siempre, uno de los carteles mejor curados en festivales en nuestro país.

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