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Chris Cornell: Entre la calma y la tempestad

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No cualquiera puede tener una fanaticada tan fiel como Chris Cornell, menos aún en nuestro país, donde a pesar del apasionado fervor que existe respecto a la música, son pocos los artistas que reciben un trato casi al borde de la adoración por parte de los seguidores locales. Esto se vio comprobado con la euforia que provocó el anuncio del show acústico que el oriundo de Seattle vendría a dar en el elegante Teatro Municipal de Santiago, agotando entradas en cuestión de minutos y generando rápidamente la conformación de dos fechas más, aparte de la pactada originalmente.

13 Chris Cornell @ Teatro Municipal de Santiago 2016

Siendo la cuarta vez del músico como solista en nuestro país, muchos visualizaban un show casi calcado al que dio en Maquinaria 2011, donde pese a haber sonado de manera impecable, se vio un poco opacado por el éxtasis que implicó ver el debut de Alice In Chains unos minutos antes, más las ansias de asistir a Faith No More una vez terminado el show de Cornell. Con el recuerdo aún fresco de la última vez de Chris en nuestro país (debutando por fin con Soundgarden en Lollapalooza 2014), los fans presentes no lograban ocultar su emoción, y aunque no sería una noche para el rock más pesado, de igual manera estarían en frente de una de las figuras más importantes de la década de los noventa.

21 Chris Cornell @ Teatro Municipal de Santiago 2016

En vista de todo lo anterior, un repleto teatro esperaba impaciente por el show que, pese al carácter acústico, se enmarcó dentro de la promoción del álbum “Higher Truth” (2015), cuarto disco de estudio del vocalista de Soundgarden. Chris ingresa saludando a todo el mundo y agradeciendo su presencia; cómodo y distendido, como si estuviera en su casa, dio inicio a “Before We Disappear”, aprovechando desde el principio para promocionar su última placa. “Can’t Change Me” dio el primer golpe de la noche, con un público que perdió un poco la solemnidad que imponía el recinto para corear a viva voz uno de los éxitos más importantes de la carrera solista de Cornell. Una de las claves que permitieron generar ese ambiente de complicidad fue la constante intervención de Chris entre canciones, contando historias, lanzando bromas o simplemente conversando sobre diferentes temáticas, como los ataques de Benghazi, dedicándole “’Til The Sun Comes Back Around” a las víctimas de esa tragedia.

04 Chris Cornell @ Teatro Municipal de Santiago 2016

Otro punto importante dentro de la estructurada presentación, fue la presencia de covers a los músicos más importantes para Cornell, tales como Prince con “Nothing Compares 2 U” o Bob Dylan en “The Times They Are A-Changin’”. El humor también fue otra de las características vitales del show, entre bromas y momentos espontáneos, como el lamentado “oooh” que suspiraron las asistentes femeninas antes de que el músico dedicara “Josephine” a su esposa. Por supuesto, el catálogo de todas las bandas en que Cornell ha sido frontman no estuvo ajeno, repasando clásicos como “Fell On Black Days”, “Doesn’t Remind Me” y “Say Hello 2 Heaven”. La impronta tan solemne que Cornell le da a canciones cargadas a las guitarras es simplemente excepcional, ya que la adición del multi instrumentalista Bryan Gibson en escena permite darle nuevos arreglos con el teclado, el chelo o la mandolina. Aún así, el músico se da el tiempo de jugar en solitario, con la adición de múltiples loops y efectos en el clásico de Soundgarden “Blow Up The Outside World”, extendido en una profunda masa de sonido por más de 8 minutos, donde el músico experimentó con los efectos de su pedalera y el público cantó repetidamente “blow up the outside, blow up the outdide, blow up the outside”, emulando los ecos presentes en la canción original.

18 Chris Cornell @ Teatro Municipal de Santiago 2016

Afirmar que Chris se encontraba en el living de su casa es algo casi literal, ya que muchos se sorprendieron al ver que el músico sacó un vinilo desde un mueble ubicado al costado del escenario, poniéndolo en una tornamesa para interpretar “When I’m Down” sobre el piano original de la canción, un momento donde además se dio el tiempo de recordar a Alain Johannes, quien fue productor de su primer álbum solista y ha colaborado con él en múltiples ocasiones. Una seguidilla de covers comenzaba a rematar el show, desfilando canciones como “I Am The Highway”, “Black Hole Sun” o “Rusty Cage”, original de Soundgarden, pero interpretada en la versión que hizo Johny Cash. El último recuerdo a Temple Of The Dog vino de la mano de “Hunger Strike”, para luego finalizar con el mashup de “One”, experimento que mezcla la música de la canción de U2 con las letras del clásico de Metallica del mismo nombre. El encore no se hizo esperar mucho tiempo, y esta vez el músico volvió a hacer gala de su particular estilo de modificar canciones interpretando una versión más relajada y mucho menos bailable de “Billie Jean”, original de Michael Jackson. Luego de “Seasons”, el final llegaba de la mano de “Higher Truth”, canción que da nombre tanto al álbum como a la gira, y que la gente coreó hasta la última palabra, con Cornell despidiéndose y regalando uñetas a los afortunados fans de la primera fila.

02 Chris Cornell @ Teatro Municipal de Santiago 2016

Como quedó demostrado al principio, no cualquier artista genera este fervor en nuestro país. No obstante, es más destacable aún que no cualquier artista es capaz de contar con un catálogo con tantos clásicos. Ya sean canciones de Soundgarden, Audioslave o inclusive de su propia carrera solista, Chris Cornell comprobó que es capaz de entregar una presentación abundante en hits, donde lo último que se esperará es la monotonía. El formato acústico apela a la intimidad, complicidad y a la melancolía, elementos que Cornell logra manifestar y mimetizar dentro de sus composiciones tomando tracks de su larga trayectoria, así como de otros referentes para su música, y transformarlos en un condensado y profundo libro de canciones en el camino. Un show redondo, un artista completo, y una audiencia totalmente entregada; esos fueron los tres actores principales dentro de lo vivido en el Teatro Municipal de Santiago, generando un momento en que los presentes vacilaron en un limbo que los mantuvo entre la calma y la tempestad.

Fotos por Carlos Müller y Juan Pablo Quiroz

Setlist

  1. Before We Disappear
  2. Can’t Change Me
  3. ‘Til The Sun Comes Back Around
  4. Nothing Compares 2 U (original de Prince)
  5. Nearly Forgot My Broken Heart
  6. The Times They Are A-Changin’ (original de Bob Dylan)
  7. Josephine
  8. Fell On Black Days (original de Soundgarden)
  9. Thank You (original de Led Zeppelin)
  10. Doesn’t Remind Me (original de Audioslave)
  11. Say Hello 2 Heaven (original de Temple Of The Dog)
  12. Blow Up The Outside World (original de Soundgarden)
  13. When I’m Down
  14. Let Your Eyes Wander
  15. I Am the Highway (original de Audioslave)
  16. Rusty Cage (original de Soundgarden)
  17. Black Hole Sun (original de Soundgarden)
  18. Hunger Strike (original de Temple Of The Dog)
  19. One (original de U2)
  20. Billie Jean (original de Michael Jackson)
  21. Seasons
  22. Higher Truth

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Gustavo Santaolalla: El arte de la trayectoria

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Gustavo Santaolalla

La física define a la “trayectoria” como el recorrido que describe un objeto que se desplaza por el espacio. Este término en el ámbito musical se usa indiscriminadamente para hablar de carreras en múltiples estados; ya sea que exista o no un recorrido presente, se habla de las trayectorias para definir a los más grandes, pero pocos emulan a la física y hacen que este desplazamiento continúe. Una cosa es el movimiento hecho, pero otra el que se sigue haciendo, y por prácticamente 50 años, si hay un artista latinoamericano que no ha detenido sus rumbos –y, por tanto, su camino– ese es Gustavo Santaolalla.

Desde el rock profundamente argentino que profesaba en Arco Iris hasta su actualidad, donde se mezclan soundtracks y producciones para artistas desde Café Tacvba hasta Eric Clapton, Santaolalla ha hecho un andar profuso y lleno de canciones, propias y ajenas. Sin embargo, como dijo antes de su primera visita como Gustavo Santaolalla a nuestro país (antes había estado varias veces con Bajofondo), recién a los 66 años lanzó su carrera como solista, la que tiene discos y canciones a su haber, pero que jamás había configurado para girar o mostrarse, quizás en el último acto de humildad que tiene un tipo que gusta del proceso, del camino, ese que invitó a desandar en un Teatro Nescafé de las Artes casi repleto en la fresca noche del 12 de septiembre.

Justo antes de iniciar el show, a eso de las 21:20 horas, el teatro comenzó a aplaudir sin que se hubiera levantado aún el telón: la presencia de Jorge González, quien trabajara con Santaolalla en “Corazones” y su álbum homónimo, generaba vítores raros para un país que no reconoce a sus ídolos en vida, y era un pequeño aperitivo de la energía y sensaciones que inundarían el espacio por casi tres horas.

Todo iniciaba con “Inti Raymi”, y la Santabanda –como se hacen llamar los músicos de Santaolalla– mostraba la variedad de timbres que aparecerían en el show. Con la ovación del teatro, Gustavo aparecía para instalarse y comenzar con el primer set, rico en canciones de Arco Iris, esa banda que armó cuando empezaba a relacionarse con la música, con canciones como “Abre Tu Mente” o “Camino”, las que en el formato de esta gira obtienen matices y colores únicos, alejándose de la falsa psicodelia que se le legó a una banda como Arco Iris, que simplemente incluyó el folklore en el rock en tiempos de apretones mentales y revoluciones hippies. Ahora estas composiciones son atemporales y su construcción sólo alcanza tintes clásicos con los arreglos de este espectáculo, donde es la canción la que manda. Quizás eso hace de Santaolalla un compositor cautivante: deja que la canción mande, y él y los suyos sólo son puntos que arman la trayectoria de estos temas.

Así, a diferencia de otros shows en este formato, se coló un par de temas de su trabajo solista en esta primera parte, “Un Poquito De Tu Amor” y “Compañeros del Sendero”, dos sorpresas de varias que vendrían. Luego volvería a Arco Iris con canciones como la conocida “Zamba”, “Quiero Llegar” o la “Canción De Cuna Para El Niño Astronauta”, tras la cual vendría el recuerdo a la gran Mercedes Sosa y al amigo de mil batallas de Gustavo, León Gieco, para cerrar esa primera parte con el “Río De Las Penas” Intensa forma de dejar esperando a una audiencia que ya veía que el concierto iba para largo, y que sería incluso más extenso que las fechas anteriores hechas por Santaolalla y la Santabanda, sólida en todo momento, con Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolás Rainone, Andrés Beeuwsaert y Pablo González haciendo gala de su carácter de multiinstrumentistas para dominar cada faceta que las canciones ponen en frente.

Al volver –­casi de improviso– Santaolalla irrumpe con “No Existe Fuerza en el Mundo”, que interpretara Gieco, mostrando lo importante de esa alianza para Gustavo. Luego de esto aparecería el trabajo completamente solista, con tracks como “A Solas” o “Todo Vale” para dar paso a otra corriente más atmosférica de la labor de este artista, que son los soundtracks, eligiendo “De Ushuaia A La Quiaca” de “Diarios de Motocicleta”, el main theme de la banda sonora del videojuego “The Last Of Us”, y un medley de “Brokeback Mountain”, mostrando la diversidad de espíritus, donde destaca el uso del charango y su timbre tan característico, entregando solemnidad y recogimiento, tal como el que se sintió en el homenaje hecho a Jorge González. Luego de mencionarlo para dar con una ovación gigante nuevamente, Santaolalla habla de los lazos que lo unen con González y dice que habrá un disco en honor a él, y que contará con una interpretación de “Por Amarte”, del “Corazones” (1991), ese disco que juntó por primera vez a dos de los artistas más importantes del continente. La versión fue sentida, contenida, una preciosa reversión donde Santaolalla ahondó en el sufrimiento del hablante. Si como compositor es clave, como intérprete se subvalora la intensidad que alcanza y que parece trascendental, más allá de lo obvio.

Debe ser, sino la experiencia, la trayectoria, esos caminos que se cruzan para corear “Mañana Campestre” o sentir “Pena En Mi Corazón”. Bajofondo y Arco Iris. Dos caras de un mismo creador, una apelando a las oscuridades y sus brillos, y otra a la belleza de la luz, tanto interna como externa, lo que trasunta en la belleza tierna de “Vecinos” y en la fuerza de “Ando Rodando”, que luego sólo crecería con la interpretación, a pura garganta y caja, en honor a la tradición de la vidala, para terminar con “Sudamérica” de Arco Iris y “Pa’ Bailar” de Bajofondo, ya con todo el mundo de pie, disfrutando de uno de esos artistas que no se cansan de deambular y hacer que su punto en la inmensidad del cosmos nunca deje de andar. Treinta canciones en casi tres horas, incluyendo el intermedio de quince minutos, emociones por montones y un sonido cálido que permitía a la voz de Santaolalla sobresalir. Pocas veces un espectáculo es capaz de capturar todas las facetas de un artista, en especial uno de tan amplio espectro, y ese fue el lujo que entregó Gustavo Santaolalla en el inicio de una gira solista que no es más que la demostración del más fino arte de la trayectoria.

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