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Bullet For My Valentine + Motionless In White: Como clásicos del mañana

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Anoche fue una jornada intensa para los seguidores de las tendencias más modernas dentro del espectro amplio que ofrece el metal y sus combinaciones, debido a las potentes presentaciones que entregaron Bullet For My Valentine y Motionless In White en el Teatro Cariola. Para ambos exponentes de la nueva oleada del metalcore, se trataba de la segunda visita a nuestro país (2011 y 2013, respectivamente), así que era la ocasión ideal para consagrarse y afianzar el vínculo con el joven público nacional que les sigue y que casi llenó el recinto de San Diego.

14 Bullet For My Valentine @ Teatro Cariola 2015

Los ingleses encabezan esta gira que, de alguna manera, pavimentará el camino para el lanzamiento próximo de su nuevo trabajo de estudio, titulado “Venom”, para lo cual cuentan con el acto soporte de Motionless In White, quienes a su vez promocionan su último larga-duración, “Reincarnate” del año pasado, por lo tanto, para ambos grupos era la instancia en que mostrarían canciones que no existían al momento de su primera incursión en Chile, sobre todo para BFMV, que además editó “Temper Temper” (2013) durante este período de cuatro años desde su debut acá.

Motionless In White: La mejor elección

Casi a las 21:00 horas se oscurece el teatro y, tras una breve introducción, los estadounidenses abren esta cita doble con el single “Break The Cycle”, de su trabajo más reciente, y la audiencia responde de inmediato con gritos eufóricos y una participación muy activa, que sería la tónica no sólo de este show, sino de la noche. Aprovechando el ambiente que provoca la apertura de su performance, ejecutaron “Reincarnate” y “Death March”, del mismo disco, donde la primera es una muestra de un estilo un poco más clásico si se contrasta con la segunda, que es un corte más electrónico, con una base preponderante de dubstep y sonidos propios del metal industrial, que además se combinan con una cierta influencia del sonido –y un poco de la estética-  nu metal (en especial de Korn en su etapa más moderna), lo que configura en gran parte esta nueva versión de la propuesta de MIW.

15 Motionless In White @ Teatro Cariola 2015

De “Infamous” (2012) llega “A-M-E-R-I-C-A”, que rescata elementos de aquella perspectiva cercana a lo que ha hecho Marilyn Manson o Rob Zombie, mezclándola con su propia esencia, logrando una pieza que se mueve con vida propia dentro del catálogo de la banda, como un híbrido entre su lado más duro y el que roza el rock más comercial. Así llegamos a la primera entrega de su disco debut, “Creatures” (2010), con “Abigail”, que es un tema mucho más denso y pesado, derechamente extraído de la cosecha metalcore, generando uno de los mosh pit más grande de la velada. En la misma línea apareció “If It’s Dead, We’ll Kill It”, para luego pasar a algo mucho más melódico y transversal al rock contemporáneo con “Underdog”.

Devil’s Night” remece a los presentes que, a estas alturas, están compenetrados con la actuación y participan de forma activa, saltando y moviendo la cabeza al ritmo del pegadizo riff  que a momentos recuerda un poco lo que hace Slipknot. Por otra parte, “Generation Lost” se presenta como un tema que conjuga mejor la esencia de la banda y resulta en un tema muy dinámico, moviéndose dentro de todas las influencias que influyen en la propuesta de MIW, y que funciona muy bien para mantener el ánimo del público bien arriba y así invitarlos a un baile frenético del metal industrial que propone “Dead As Fuck”, extraída de su último registro.

13 Motionless In White @ Teatro Cariola 2015

Son casi las 22:00 horas y el cierre de este acto soporte para los británicos de BFMV se compone por una parte del clásico cover de Rammstein, “Du Hast”, que quedó muy bien adaptado al estilo personal de la banda, siendo (curiosamente) la mejor recibida, y por otro lado estuvo “Immaculate Misconception”, composición que abre su debut discográfico y que funciona perfecto para culminar un show que apenas tuvo algunos inconvenientes de sonido al comienzo, pero que fueron solucionados a la brevedad, sin influir en el resultado final.

Lo de Motionless In White fue un show sólido, que dejó contentos tanto a sus seguidores como a los que fueron por BFMV, confirmando que la elección de los estadounidenses para realizar la gira fue muy acertada. Hubo energía y entrega por parte de los músicos, generando la tan ansiada conexión con la audiencia, que los acompañó en todo momento, propiciando la instancia ideal para que el acto principal hiciera lo suyo y concretase una jornada exitosa para las tendencias modernas y juveniles que hay en la música más extrema.

04 Motionless In White @ Teatro Cariola 2015

Setlist: Break The Cycle – Reincarnate – Death March – A-M-E-R-I-C-A – Everybody Sells Cocaine – Abigail – If It’s Dead, We’ll Kill It – Underdog – Devil’s Night – Generation Lost – Dead As Fuck – Du Hast (original de Rammstein) – Immaculate Misconception

Bullet For My Valentine: En las grandes ligas

Los galeses visitaron nuestro país por primera vez el año 2011, promocionando su tercer disco, “Fever” (2010), en una noche que casi se encuentra en el olvido, principalmente por el escaso número de público que se hizo partícipe del debut del cuarteto en las dependencias del Teatro Caupolicán. Es por eso que este regreso, después de largos cuatro años, tenía un gustito a primera vez, una de verdad, ya que el grupo –y el estilo en general- ha encontrado por fin su asidero en nuestro país, en cientos de adolescentes y jóvenes que han crecido junto a este tipo de bandas, formando un movimiento fiel, que en los últimos años ha vibrado con sus ídolos en cada uno de los recitales que se realizan en la capital. Bullet For My Valentine arribaba al escenario del Teatro Cariola frente a cientos de fanáticos totalmente entregados –ya desde el show de Motionless in White se dejaron escuchar cánticos clamando por la banda-, para despacharse uno de esos espectáculos que quedarán en el recuerdo.

02 Bullet For My Valentine @ Teatro Cariola 2015

Bajo la cortina de “V”, corte instrumental que abre el próximo larga duración de la agrupación a lanzarse durante el mes de agosto, “Venom” (2015), los cuatro músicos hicieron su ingreso al escenario frente a una muchedumbre enfervorizada. El primer cañonazo lo ejecutó “No Way Out”, un adelanto del nuevo disco. El sonido era potente pero poco claro en un inicio, claro que eso a ninguno de los fanáticos le importó. Circle pits, saltos y cantos desgarrados, eran sólo una parte de lo que una muchedumbre que no superaba la veintena de años entregaba a los de Reino Unido. “Your Betrayal”, el primer hit de la noche, dio el vamos definitivo a un concierto que fue potente y entregó lo justo.

Raising Hell” hacía gala de la rapidez y técnica del grupo. Como un relojito, Michael Thomas llevaba la batería sin mayores problemas, mientras que a sus compañeros en las guitarras ya se les nota la experiencia en el cuerpo, manejándose en el escenario como verdaderos rockstars, recurriendo a todos los códigos y clichés del estilo. En ese sentido, Bullet For My Valentine no tiene mucho que ofrecer en cuanto a innovación en el metal, lo suyo es refrescar una fórmula que se creó hace más de treinta años y ejecutarla lo mejor que se pueda. A diferencia de muchos de sus coetáneos, los galeses se han aferrado a la idea de “mantenerlo clásico”, y vaya que les ha ido bien. Puede que no sea tan interesante escucharlos hoy como lo era hace un par de años, cuando bandas como Avenged Sevenfold retomaron el legado de las grandes leyendas del metal para dotarlas de nuevos aires, y la verdad es que, para este redactor, esta tendencia ya se estancó y sería interesante ver en un futuro alguna evolución en la música del grupo. Mientras tanto, en el concierto, sonaba “Scream Aim Fire”, prueba fehaciente de que la reflexión anterior puede valer nada, porque el Cariola se volvió totalmente loco con una canción que pudo haber sido un éxito hace tres décadas.

08 Bullet For My Valentine @ Teatro Cariola 2015

4 Words (To Choke Upon)” ponía las cosas un poco más metalcore, más cercano a los inicios de la banda, para pasar a la épica “Alone”, extraída de “Fever”, el álbum que puso a Bullet For My Valentine en el mapa, creando uno de los momentos cúlmines de la noche. La primera etapa del grupo siguió siendo revisada con “Suffocating Under Words Of Sorrow (What Can I Do)”, donde cabe destacar los apoyos vocales de Jamie Mathias, bajista que se unió al grupo este año, luego de la salida de Jason James, y que en el escenario es el encargado de la segunda voz y las cuatro cuerdas, labor que desempeña con total propiedad, como si lo estuviera haciendo desde los casi veinte años de vida de Bullet For My Valentine. Aunque cada uno de los miembros del grupo cumple su rol a rajatabla, el que se lleva todos los elegíos de los fanáticos es Matt Tuck, líder de la banda y una especie de James Hetfield rejuvenecido, que ahora, de pelo corto y más curtido sobre el escenario, es el perfecto maestro de ceremonias que, con unas pocas intervenciones, cumple como frontman. Su mejor momento fue cuando tocó la primera parte de “The Last Fight” a solas con su guitarra, siendo acompañado por todo el público, para luego dar el tiro de gracia junto al resto de sus compañeros.

12 Bullet For My Valentine @ Teatro Cariola 2015

Army Of Noise”, sencillo inédito que formará parte del próximo disco, tuvo como valor agregado la grabación de imágenes para el nuevo videoclip del grupo. Las primeras filas lucharon para poder ganar un lugar frente al lente del camarógrafo oficial. De la canción, poco más que agregar a lo que se dijo unos párrafos más arriba sobre el grupo: todo se mantiene en lo clásico, sin negar lo poderosa que suena la nueva composición. Luego del sobrio solo de guitarra de Michael Paget, “Waking The Demon” y “The End” pusieron fin –literalmente- a la primera parte del recital. En los pocos minutos de espera por el retorno de los músicos al escenario, pudimos corroborar que “please don’t go!” está reemplazando oficialmente al clásico “ooohhOOOHHHooohhh” entre las nuevas generaciones, cuando se trata de manifestar el deseo de que una banda vuelva por un par de canciones más. Aunque también pudimos comprobar que el “olé, olé…” sigue vigente. Los galeses regresaron para tocar otro tema nuevo, “You Want A Battle? (Here’s A War)”, y dejar a todo el mundo contento con “Tears Don’t Fall”, cerrando una presentación que no se salió de los márgenes del libreto, pero que dejó satisfechos a los cientos de jóvenes fanáticos de la banda del viejo continente.

Terminada esta cita doble con el metal contemporáneo, sólo se puede estar alegre –y algo envidioso también- por la fortuna de la actual generación de jóvenes que tienen la oportunidad de ver a sus ídolos cuando todavía tienen pelo y no les ha crecido la guata. Sobre todo en un estilo que está tan ligado a la adolescencia, como lo es el metal, es un verdadero lujo el poder estar presente en un concierto de una banda que traduce justo las emociones y pensamientos que se viven en una complicada época de la vida. Eso no es algo que tuvimos los que crecimos con el nü metal, y mucho menos aquellos veteranos que alguna vez desearon ver a Iron Maiden o a Black Sabbath en sus años mozos. Son buenos años para ser fanático del metal, y mucho mejor cuando grupos como Bullet For My Valentine están jugando en las grandes ligas, camino a transformarse en las grandes leyendas del metal del mañana.

16 Bullet For My Valentine @ Teatro Cariola 2015

Setlist: V (Intro) – No Way Out – Your Betrayal – Raising Hell – Scream Aim Fire – 4 Words (To Choke Upon) – Alone – Suffocating Under Words Of Sorrow (What Can I Do) – The Last Fight – Army Of Noise – Waking The Demon – The End – You Want A Battle? (Here’s A War) – Tears Don’t Fall

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Por Sebastián Zumelzu y Hans Oyarzún

Fotos por Luis Marchant

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Primavera Sound Santiago 2022: Domingo

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Bjork Chile 2022

El dicho popular, reza: “Después de la tormenta, llega la calma”. Y así fue el último día de esta gran cruzada en torno a la música chilena y mundial llamada Primavera Sound Santiago. El buen clima y, por qué no decirlo, el calor agobiante por ratos, se tomaron el Parque Bicentenario Cerrillos y fueron el marco para recibir una jornada que traía nuevamente debuts y consagrados, música para relajarse, para mover los pies y para gritar a todo pulmón.

Familea Miranda

La quintaesencia de la mancomunión catalana-chilena fue la inclusión de Familea Miranda, el trío chileno radicado hace más de una década en Barcelona que prometía ser el puente tácito entre el festival recién llegado y la pujante escena nacional. Y qué mejor que el tándem de fundadores “Katafú Rozas y Milo Gomberoff junto al baterista Alex Farré como un power trio cargado de rock cada vez más intrincado y cavernoso, con este último otorgándole la potencia y sapiencia a la hora de adecuarse a los ritmos enrevesados que la experiencia les ha permitido crear a Rozas y Gomberoff.

Juntos, dieron rienda a un set que recorrió sus más de veinte años de carrera desde los tiempos de “3Nsayo 3Rror” (2006) abriendo con “The Legañon” y “El Bloqueo”, y pasando por “Caballo de Alquiler”, “Lorem” y “Brut Nature” de “Radiopharm” (2015), el disco que significó en su momento el debut de Farré en el trío por este lado del mundo. La entrega fue total para aquellos que en el escenario Primavera desafiaban los primeros y fuertes rayos de sol que tanto escasearon la jornada anterior.

Por supuesto, estuvo “Palomita”, el clásico del folklore latinoamericano reconvertido en rock ruidoso y primal, y el final estridente estuvo a cargo de “Servú (Ronda)” deviniendo en una cuasi jam desbocada de free jazz, añadiendo otra cara que mirar al prisma que es Familea Miranda, una banda que, a la distancia y a su manera, se las arregla para hundir más sus raíces en suelo chileno, viniendo cuando pueden y tocando donde quieren. Aunque digan que ya no son de ninguna parte, se nota que extrañan y qué mejor que plasmarlo en esta, la primera versión del festival Primavera Sound Santiago.

José González

Cuando el sol dominical se abría paso entre las ya escasas nubes del fin de semana, con un breve retraso comenzaba el show de José González. El sueco de ascendencia argentina hizo gala de un español más bien tímido y escueto porque lo suyo no iba de parafernalias, imaginarios o grandes discursos, su declaración de principios es y ha sido siempre la simpleza. “Killing For Love” y “Cycling Trivialties” fueron, entre otras, las elegidas para partir plasmando un delicado set sin prisas ni pausas.

A pesar de no ser un festival el mejor escenario para la propuesta de González por todo el barullo circundante, se las arregló para marcar presencia, incluso con la pulsión electrónica del escenario Bits varios metros más allá haciendo lo suyo y que se colaba cada tanto, a punta de rasgueos abiertos y profundos, preciosas melodías arpegiadas y uno que otro backing track con sutiles beats, como en “Swing”, aunque, si no estaban esos beats, marcando con el pie también se las arreglaba sin mayores problemas. Como respuesta, recibió la respetuosa atención que su música naturalmente exige.

Con destreza, se paseó por su relativamente breve catálogo, dándole espacio a fracciones de su más reciente “Local Valley” como también a sus viejos y queridos clásicos: su propia versión de “Teardrop” de Massive Attack y el famoso cover de “Heartbeats” de The Knife, dotándolo de nuevas intenciones subiéndolo algunos semitonos hasta casi llegar al original. La sesión de los menos de cuarenta minutos originalmente planeados fue acogida por la audiencia como si fuera ese amigo que viene de viaje y quiere contar todo lo que afuera vio. Cantó, gustó y encantó con poco, porque sin duda algunas veces menos es más.

Jessie Ware

Aunque el tiempo que le dieron en Chile fue menor a lo de los otros Primavera Sound en Latinoamérica, Jessie Ware convierte cada segundo de su show en un deleite disco, hecho para bailar, llorar, seducir y transformar un sonido que acompañó la pandemia en una realidad escénica que supera expectativas. Desde “Spotlight” ya se notaba que las canciones tendrían mixes y énfasis diferentes a sus versiones de estudio, más simples, con los beats y el lucimiento de la voz de Jessie como ejes de lo que se escucha, mientras sus coristas y bailarines configuraban imágenes de acción, pasión y complicidad como la que la artista británica también demandaba y obtenía de su público. Aunque mucha gente que esperaba a Björk se quedó impávida, igualmente en ciertos momentos se sumaban a la fiesta, que en 48 minutos conseguiría entregar lo esperado y más.

El show giró alrededor de “What’s Your Pleasure?” (2020), ese álbum que para mucha gente se convirtió en la luz al final del túnel en tiempos de pandemia, ese disco que había que ir a bailar y que permitía viajar a universos paralelos que, bajo el inclemente sol que no había aparecido todo el fin de semana, se hizo real. “Ooh La La”, “Soul Control” o “Hot N Heavy” fueron muy coreadas con todo el mundo bailando, mientras Ware dominaba con carisma y sensualidad la escena, sin excesos, con la elegancia de quien conoce su material y cómo hacerlo brillar. Por ello es llamativo cómo la exhibición vocal es incluso mayor que en el estudio, con más gimnasia tonal y más recursos, enriqueciendo con esas complejidades los mixes más directos.

Lo anterior brilló con especial fuerza en la sobrecogedora versión de “Remember Where You Are”, con emociones y belleza a raudales. También ocurrió con el himno en que se ha transformado el reciente single, “Free Yourself”, y con el icónico momento que es “What’s Your Pleasure?” en vivo, con Jessie tomando un micrófono con un stand en forma de látigo, agitándolo con dominación, en todos los sentidos. Del material anterior a 2020 sólo sonó la versión remix de “Running” como la rearmó Disclosure. El cierre con “Save A Kiss” terminó con una fiesta en el amplio sentido, desde las alegrías instantáneas a los recuerdos perennes, en un debut en Chile para recordar y seguir bailando en su honor.

Björk

Siempre es una apuesta arriesgada cuando un festival decide poner algún show temático dentro de su cartel, más aún cuando dicha presentación está a cargo de alguien tan masivamente popular como Björk, que trajo su espectáculo “björk orkestral”, consistente en una serie de canciones interpretadas en un formato acústico para ser parte de la jornada de domingo en Primavera Sound Santiago. Junto a la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), compuesta por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil y de la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana, la islandesa se paseó por distintos tracks de su discografía para el deleite de los presentes, quienes, seguramente por la devoción que le tienen a la artista, no tuvieron problemas en conectar con un show que, debido a su configuración y ubicación en el horario a las 19:00 hrs, no lograba enganchar con el grueso del público. El inicio con “Stonemilker”, “Aurora” y “Come To Me” comenzaron poco a poco a generar un ambiente que terminó por apoderarse del lugar, donde se congregaron miles de personas, entre seguidores y asistentes, que comprendían muy bien que a una artista con este nivel de influencia había que verla sí o sí por lo menos una vez en la vida.

Concentrando principalmente sus esfuerzos en canciones de “Vulnicura” (2015), “Homogenic” (1997) y “Post” (1995), Björk presentó épicas y estruendosas reinterpretaciones de tracks como “You’ve Been Flirting Again”, “Isobel”, “Jóga” o “Quicksand”, con los jóvenes de la orquesta dando la talla en cada nota bajo la atenta dirección de Bjarni Frímann, quien se ha encargado de conducir las orquestas que se presentan junto a la islandesa durante esta gira. Ya para el cierre, y con el público en el bolsillo, la artista desplegó una intensa versión de “Hyperballad” para finiquitar su presentación, regresando posteriormente ante el aplauso de los presentes y despedirse definitivamente con “Overture” y “Pluto”.

A 10 años de su última presentación en nuestro país, la islandesa trajo sus composiciones en una configuración distinta, lo que se agradece un montón, pese a lo emocionante que sea escuchar sus clásicos en vivo bajo una interpretación más cercana a las originales. Siempre es bueno ver a Björk en vivo, y mucho mejor cuando se le agrega una novedad como la posibilidad de escuchar composiciones tan importantes para lo que fue su apogeo artístico desde la segunda mitad de los 90 hacia delante, mostrando no sólo su presente más maduro y robusto como artista, sino que además lo adaptables que son sus composiciones a distintas configuraciones. Pese al contexto más íntimo que evoca la presentación, su solemnidad logró que se transformara en algo especial, único y muy distinto de cualquier cosa que se pudiera presenciar durante el fin de semana. En simples palabras: un show de Björk como debe ser.

Mitski

Luego de que Björk invocara el atardecer sobre Cerrillos, era el turno de Mitski, que ya con la oscuridad de cómplice se preparaba para enfrentarse al sorpresivamente amplio público que la esperaba. Con la teatralidad que la caracteriza, y una presencia imponente y cálida, la artista recurrió a su último trabajo, “Laurel Hell”, desde donde escogió “Working For The Knife” como punto de partida. Sólo bastaron los primeros acordes para dar rienda suelta a la catarsis que significa escuchar, sentir y ver a Mitski sobre un escenario. Y es que la artista transmite intensidad y pasión en cada estrofa, como entregando un poco de sí misma a cada persona hasta ya no dar más.

Las nuevas tecnologías y los nuevos contextos digitales han ampliado el margen de los fenómenos virales, y así han logrado que una nueva y joven generación de fanáticas se acerque a su música. He ahí gran parte de la creciente popularidad –que ya iba en ascenso– de la cantante no sólo en Chile, sino también en el mundo. Con los hits “Washing Machine Heart” o “Nobody”, que han sonado fuerte en redes sociales, Mitski diseña un set que, pese a no mantener una línea definida, se pasea por todas las emociones y de esa manera también sorprender.

Mitski debutó en nuestro país en un momento clave para su carrera y popularidad, sintiéndose abrumada y agradecida por el calor del público local que no dejó de acompañarla y seguir cada movimiento que comunicaba con sus manos o su corporalidad. Tomándose el escenario, cumplió con las expectativas y se ganó a un país que pareciera meterse en sus más profundos sentimientos.

Father John Misty

En el último rincón del parque, el escenario Primavera vio llegar el show de Father John Misty pasadas las 21:00 hrs., con el músico presentándose frente a un público mucho menor al de cualquier show en los escenarios principales, pero que se destacó por una cosa en particular: la mayoría estaba familiarizada con su catálogo. Desde el comienzo con “I Love You, Honeybear”, los presentes acompañaron al músico y su banda en un desfile de composiciones de todas sus obras de estudio, pasando por tracks como “Total Entertainment Forever”, “Mr. Tillman” o “Nancy From Now On”, con una solidez instrumental impecable por parte de la banda compuesta por nueve músicos entre batería, guitarras, teclados e incluso una sección de vientos, que le aportaron una exquisitez sonora muy elegante.

Lamentablemente, problemas de sonido aparecieron sin previo aviso en “Goodbye Mr. Blue”, canción que fue interrumpida por un corte total del sonido en el escenario, con Tillman y compañía siguiendo su interpretación por un par de segundos antes de notar que el sistema de sonido del escenario no estaba funcionando. Probablemente esa mala pasada, y la reinterpretación del track, hizo que el músico debiera estrechar su set, aunque de todas maneras el público y artista se mostraron de muy buen ánimo continuando con tracks como “Please Don’t Die”, así como otros momentos de catarsis como “Pure Comedy” o el histriónico cierre con “The Ideal Husband”, canción que suele cerrar las presentaciones más catárticas del artista, quien en su segunda vez en Chile pudo consagrarse no sólo como el poseedor de un gran desplante escénico, sino que también como un músico que ha crecido mucho artísticamente con cada álbum de su corta carrera como solista.

Charli XCX

La presentación de Charli XCX parecía estar en duda. Tras enfermarse de la garganta en Argentina, la cantante inglesa debió permanecer en reposo y en silencio para cumplir con sus shows, incluyendo el de nuestro país. Ya casi recuperada, saltó a escena completamente sola, sin más apoyo que su actitud y desplante. Si bien, en ciertos pasajes de la introducción con “Lightning” o “Gone” la cantante forzaba su voz, esto no fue impedimento para que despachara un show lleno de color, carisma y sensualidad.

Charli XCX maneja las claves del pop en otra frecuencia, las tuerce, y en otras se las apropia. Sin bailarines, músicos en escena y con una modesta escenografía, la artista se adueñó del parque por unos minutos y comandó la fiesta de todos y con dedicatoria especial en “Boys” para acelerar hacia el final con la explosiva “Vroom Vroom” y “Good Ones”. Charli XCX, otro debut en suelo nacional, demostró por qué es la diva alternativa del pop, transversal y agresiva.

Caroline Polachek

El último show del festival estuvo al borde de la perfección, porque Caroline Polachek entregó un nivel de pop que, moviéndose entre la elegancia, la experimentación y la destreza técnica, consiguió la dificultosa hazaña de cerrar con broche de oro un evento con múltiples puntos altos. Es que la norteamericana es capaz de generar ganchos pop con mezclas futuristas en el estudio, y eso juntarlo con su voz que, en vivo, suena aún más potente que en lo grabado. Además, su carisma y simpatía le hacía congeniar con el público que, pese a no ser copioso en el alejado escenario Primavera, sí fue muy participativo, coreando con fuerza y dejando sorprendida a la artista a ratos.

Iniciando con “Pang”, track homónimo de su álbum debut de 2019, la perfección en los movimientos de Polachek, coreografiados con prestancia, se comenzó a notar. Mientras ella logra que su voz proyecte exactitud, los gestos, cada paso, cada giro de su cabeza tiene apariencia de ser parte de un continuum, y es que no es sólo un afán de moverse, sino que una coreografía cuidadosamente trabajada con C Prinz. Al mismo tiempo, cada canción es una cuidada producción, incluso en vivo, porque las versiones cuidan los elementos, a veces eligiendo que la batería se luzca, como en “Hey Big Eyes”, o en “Sunset” con la guitarra al estilo español siendo lo que brilla.

Pero lo más sorprendente es lo espontáneo que logra sonar todo, en un espectáculo que sorprendía incluso a quienes conocen cada recoveco del trabajo de Polachek, ya sea la dulzura de “Billions” y su coro hecho para multitudes, o el cover de “Breathless”, original de The Corrs, que consigue un halo de oscuridad inédito en sus manos. Más allá de la altura de deidad que aparenta la cantautora, hay mucho de humano en el trabajo necesario para equilibrar talentos de manera perfecta en escena, y ello es lo que, en poco menos de una hora, cerró los shows del fin de semana.

​Es indispensable pensar que este fue el debut no sólo de un festival, sino también de su productora, y el análisis debe ser justo con ese tipo de detalles. De hecho, hay múltiples paralelos con el debut del otro festival que se hace en este mismo parque en marzo, iniciando con ripios en la venta de entradas, teniendo que disponer de descuentos meses después de poner abonos en venta, y que le costó comunicar al público de un nuevo paradigma de evento. La amplitud de los espacios físicos para el público, tanto en servicios como en calles para transitar (sólo con la salida del segundo día como un punto preocupante) es algo destacable. Además, la curatoría del cartel entregó el mejor line up en muchos años en suelo nacional, más por el estrellato de los artistas que por sus momentos artísticos y creativos, con mucha gente habiendo lanzado su mejor trabajo y con shows de categoría tal, que cuesta mucho decir cuál no estuvo en un alto nivel. Otro punto a destacar fue cómo las mujeres artistas entregaron la mayoría de lo más comentado y lo más esperado, con multitudes sorpresivas en shows como Japanese Breakfast o Mitski, y otras anticipadas, pero no por ello menos notables, como Björk y Lorde. Un evento posible de mejorar, pero cuya primera impresión proyectó futuros en el presente y entregó esperanzas para posibles siguientes ediciones.

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