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BJÖRK // Fuera de serie

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La islandesa deleitó con un refinado e incendiario show, acentuando su nivel estratosférico, ante unos 13 mil fanáticos en San Carlos de Apoquindo.

Adelantada a su tiempo, superdotada, frenética, suma y sigue, estaríamos utilizando cientos de sinónimos para definir el concepto Björk. La emblemática solista dejó boca abiertos los presentes en la fría noche del 10 de noviembre. La bullida visita de la vocalista llegó a su término con un redondo show, en lo sonoro como en lo escénico.

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La visita de Björk se debió a la promo de “Volta”, su sexto álbum en estudio, el cual, ha tenido una buena recepción. Además el atractivo abanico de detalles fue un potente pretexto para no perderse este show que se embarcaba por tierras sudamericanas, puntualmente ver por segunda vez a la islandesa en nuestro país era más que cualquier excusa. A su vez su comentado show en vivo, centralmente por su revolucionario instrumento “Reactable” y por lo polémico de su presentación en Argentina, es sin duda un espectáculo imperdible e injustificado perdérselo, pese al elevadísimo valor de los tickets.

Björk en nuestro país aprovechó de desconectarse de lo frenético y caótico de montar un show, se reunió junto a sus dos hijos, su hija pequeña y su hijo de 21 años de su primer matrimonio, además tuvo la compañía de su esposo, el director Matthew Barney -dicen que la familia es la mejor compañía-. Ante ese relajo familiar la pequeña islandesa tuvo expectante a los cientos de fanáticos que llegaron temprano para tomar las mejores posiciones y deleitar un espectáculo de primera línea.

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Caía la noche y junto a ello el frío de la precordillera capitalina, ya todo estaba listo para que arranque la música. A las 21:22 hrs. salió a escena diez bronces junto a Björk, una Intro, seguido “Brennið Þið Vitar”, que detallaban ya, la nitidez vocal de la artista. En “Hunter” tomaban sus posiciones los tres músicos a cargo de la percusión, teclados, samples y el popular “Reactable”, que aún no entraba en acción. “The Pleasure Is All Mine” y “Who Is It” y “Desired Constellation” del disco “Medúlla” (2004), fueron unas interesantes interpretaciones, ya que, en dicho álbum, los instrumentos fueron sólo voces y en esta ocasión el “Reactable” comenzó a trabajar.

La fusión sonora de Björk siempre ha sido su columna principal, una gran variedad de géneros como el pop, trip-hop, rock alternativo, electrónica, folk y música clásica, han sido conceptos sónicos, este último estilo se deja sentir con fuerza en “Jóga”, el cual, fue coreado por los presentes, tema destacable en su interpretación.

Recién en la mitad del repertorio, Björk interpretó temas de “Volta” (2007) y el single “Earth Intruders” fue el responsable de hacer bailar a muchos -se nota la base del productor Timbaland que junto a la impecable voz de la islandesa, hacen de este tema una joyita de la intérprete-, seguido sonaron los acordes de la clásica y poderosa “Army Of Me”, del disco “Post” (1995), continuó con el bailoteo. “Bachelorette” fue de las mejores interpretaciones del nutrido repertorio, su intensidad y atmósfera lo convierte en un tema oscuro y denso en su vigor, al igual que “Hyperballad” que fue el tema más cantado, el cual, la misma Björk invitó a corear.

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“Pluto”, dió la pausa y respiro merecido, luego de tres minutos de descanso y bajo una bulla ensordecedora volvió al escenario Björk y compañía, la cual, aprovechó de presentar a sus camaradas y dar pie a la potente “Declare Independence” que pese a su hermético y habitual silencio hacia el público, dió un frenético grito de “Viva la revolución”. Un excelente cierre de velada sabatina de una hora y media de show, donde el sonido tuvo un volumen equilibrado. Sin duda que la noche de 10 de noviembre será recordada como uno de los espectáculos más notables de 2007.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. moso

    19-May-2008 en 6:57 pm

    te amo catita (peponaxscreamo) te adoro mi amor xk no estas conmigo te amo te adoro

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Gustavo Santaolalla: El arte de la trayectoria

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Gustavo Santaolalla

La física define a la “trayectoria” como el recorrido que describe un objeto que se desplaza por el espacio. Este término en el ámbito musical se usa indiscriminadamente para hablar de carreras en múltiples estados; ya sea que exista o no un recorrido presente, se habla de las trayectorias para definir a los más grandes, pero pocos emulan a la física y hacen que este desplazamiento continúe. Una cosa es el movimiento hecho, pero otra el que se sigue haciendo, y por prácticamente 50 años, si hay un artista latinoamericano que no ha detenido sus rumbos –y, por tanto, su camino– ese es Gustavo Santaolalla.

Desde el rock profundamente argentino que profesaba en Arco Iris hasta su actualidad, donde se mezclan soundtracks y producciones para artistas desde Café Tacvba hasta Eric Clapton, Santaolalla ha hecho un andar profuso y lleno de canciones, propias y ajenas. Sin embargo, como dijo antes de su primera visita como Gustavo Santaolalla a nuestro país (antes había estado varias veces con Bajofondo), recién a los 66 años lanzó su carrera como solista, la que tiene discos y canciones a su haber, pero que jamás había configurado para girar o mostrarse, quizás en el último acto de humildad que tiene un tipo que gusta del proceso, del camino, ese que invitó a desandar en un Teatro Nescafé de las Artes casi repleto en la fresca noche del 12 de septiembre.

Justo antes de iniciar el show, a eso de las 21:20 horas, el teatro comenzó a aplaudir sin que se hubiera levantado aún el telón: la presencia de Jorge González, quien trabajara con Santaolalla en “Corazones” y su álbum homónimo, generaba vítores raros para un país que no reconoce a sus ídolos en vida, y era un pequeño aperitivo de la energía y sensaciones que inundarían el espacio por casi tres horas.

Todo iniciaba con “Inti Raymi”, y la Santabanda –como se hacen llamar los músicos de Santaolalla– mostraba la variedad de timbres que aparecerían en el show. Con la ovación del teatro, Gustavo aparecía para instalarse y comenzar con el primer set, rico en canciones de Arco Iris, esa banda que armó cuando empezaba a relacionarse con la música, con canciones como “Abre Tu Mente” o “Camino”, las que en el formato de esta gira obtienen matices y colores únicos, alejándose de la falsa psicodelia que se le legó a una banda como Arco Iris, que simplemente incluyó el folklore en el rock en tiempos de apretones mentales y revoluciones hippies. Ahora estas composiciones son atemporales y su construcción sólo alcanza tintes clásicos con los arreglos de este espectáculo, donde es la canción la que manda. Quizás eso hace de Santaolalla un compositor cautivante: deja que la canción mande, y él y los suyos sólo son puntos que arman la trayectoria de estos temas.

Así, a diferencia de otros shows en este formato, se coló un par de temas de su trabajo solista en esta primera parte, “Un Poquito De Tu Amor” y “Compañeros del Sendero”, dos sorpresas de varias que vendrían. Luego volvería a Arco Iris con canciones como la conocida “Zamba”, “Quiero Llegar” o la “Canción De Cuna Para El Niño Astronauta”, tras la cual vendría el recuerdo a la gran Mercedes Sosa y al amigo de mil batallas de Gustavo, León Gieco, para cerrar esa primera parte con el “Río De Las Penas” Intensa forma de dejar esperando a una audiencia que ya veía que el concierto iba para largo, y que sería incluso más extenso que las fechas anteriores hechas por Santaolalla y la Santabanda, sólida en todo momento, con Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolás Rainone, Andrés Beeuwsaert y Pablo González haciendo gala de su carácter de multiinstrumentistas para dominar cada faceta que las canciones ponen en frente.

Al volver –­casi de improviso– Santaolalla irrumpe con “No Existe Fuerza en el Mundo”, que interpretara Gieco, mostrando lo importante de esa alianza para Gustavo. Luego de esto aparecería el trabajo completamente solista, con tracks como “A Solas” o “Todo Vale” para dar paso a otra corriente más atmosférica de la labor de este artista, que son los soundtracks, eligiendo “De Ushuaia A La Quiaca” de “Diarios de Motocicleta”, el main theme de la banda sonora del videojuego “The Last Of Us”, y un medley de “Brokeback Mountain”, mostrando la diversidad de espíritus, donde destaca el uso del charango y su timbre tan característico, entregando solemnidad y recogimiento, tal como el que se sintió en el homenaje hecho a Jorge González. Luego de mencionarlo para dar con una ovación gigante nuevamente, Santaolalla habla de los lazos que lo unen con González y dice que habrá un disco en honor a él, y que contará con una interpretación de “Por Amarte”, del “Corazones” (1991), ese disco que juntó por primera vez a dos de los artistas más importantes del continente. La versión fue sentida, contenida, una preciosa reversión donde Santaolalla ahondó en el sufrimiento del hablante. Si como compositor es clave, como intérprete se subvalora la intensidad que alcanza y que parece trascendental, más allá de lo obvio.

Debe ser, sino la experiencia, la trayectoria, esos caminos que se cruzan para corear “Mañana Campestre” o sentir “Pena En Mi Corazón”. Bajofondo y Arco Iris. Dos caras de un mismo creador, una apelando a las oscuridades y sus brillos, y otra a la belleza de la luz, tanto interna como externa, lo que trasunta en la belleza tierna de “Vecinos” y en la fuerza de “Ando Rodando”, que luego sólo crecería con la interpretación, a pura garganta y caja, en honor a la tradición de la vidala, para terminar con “Sudamérica” de Arco Iris y “Pa’ Bailar” de Bajofondo, ya con todo el mundo de pie, disfrutando de uno de esos artistas que no se cansan de deambular y hacer que su punto en la inmensidad del cosmos nunca deje de andar. Treinta canciones en casi tres horas, incluyendo el intermedio de quince minutos, emociones por montones y un sonido cálido que permitía a la voz de Santaolalla sobresalir. Pocas veces un espectáculo es capaz de capturar todas las facetas de un artista, en especial uno de tan amplio espectro, y ese fue el lujo que entregó Gustavo Santaolalla en el inicio de una gira solista que no es más que la demostración del más fino arte de la trayectoria.

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