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Zun Zun Egui – Shackles’ Gift

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Formados en Bristol el año 2008 por el cantante y compositor Kushal Gaya (originario de la Isla de Mauricio, África) y la tecladista japonesa Yoshino Shigihara, la existencia de una banda como Zun Zun Egui resulta tan interesante como la propia concepción de “Shackles’ Gift”, su segundo trabajo discográfico. Y es que el proyecto, completado a día de hoy por tres músicos de la escena local, escarba entre un abanico enorme de recursos y estilos musicales para establecer su sello. Su nombre, tan extraño como anecdótico, nace a partir de una confusión de Shigihara: en una gira por el País Vasco, la oriental advierte en un letrero la frase “Zun Zun Egui” –en lengua euskera esto significa “grupo de árboles”–, que, al pronunciarse, suena igual en idioma nipón para la traducción de “Ir hacia adelante rápido, y de forma extraña”, algo que probablemente querían llevar a la práctica como banda.

En relación a toda la historia que hay detrás de “Shackles’ Gift”, un LP que fija sus intenciones sobre cuestiones sociales, laborales y culturales, el exótico universo de la banda se aferra con total propiedad y naturalmente al concepto de world music, al trasladarse a la Isla de Mauricio para poder empaparse de todo el misceláneo espectro de sonidos que pueden encontrarse en mayores ZUN ZUN EGUI 01proporciones sobre los recodos más lejanos del planeta. En el país natal del frontman, que se encuentra a casi mil kilómetros de la costa oriental de Madagascar, al sur de la India, en territorio oceánico índico, y que recién obtiene su independencia del Reino Unido en 1968, se hablan 12 idiomas autóctonos, uno de los cuales queda registrado en el prólogo del corte inaugural de la placa, “Rigid Man”, la primera muestra de la experimentación y paroxismo que tendrá el disco en todo su alcance.

Aparece tempranamente el primer single del álbum con “African Tree”, que arranca desde el math rock de Battles para aproximar, por medio de bases funk, el cierre de un tema que termina justo como empezó: con total efervescencia. Percusión y sintetizadores abren para “Ruby”, quizás la canción más oscura de la placa, donde el mayor número de cadencias industriales se amarran para establecer una marcha llena de solemnidad, una nebulosa declaración de amor para Ruby, que al mismo tiempo recuerda al Depeche Mode primigenio. Los sonidos más pesados surgen con la stonera “I Want You To Know”, que a través de la psicodelia inherente a su condición, levanta un caótico desenlace de guitarras cargadas al overdrive.

En este punto, poco menos de la mitad del trabajo ofrecido por los de Bristol, ya se infiere que, dados todos los matices sonoros expuestos, con las reproducciones venideras se podrán ir desprendiendo nuevas lecturas de cada track. Asimismo, la impecable ejecución vocal de Gaya se desarrolla con todo su potencial en “Soul Scratch”, precisamente un grito que parece nacer desde el alma y que va circulando por elementos propios del estilo que tuviera en James Brown a su pionero. Por otra parte, en sus 2:57 de duración, “Tickle The Line” cursa su arrollador paso para hacer espacio al último y más comprometido acto del álbum.

ZUN ZUN EGUI 02“The Sweetest Part Of Life” aproxima el carnaval melódico del continente negro, el que se mueve bajo el loop textual de la palabra freedom (libertad). Con “Late Bloomer” llegamos al que seguramente es el punto álgido del disco; una fabulosa canción que esparce en la conexión con el afrobeat toda la herencia que dejara el legendario Fela Kuti en la África más visceral, aquella que ve en los tíos Tom a muchos de sus principales enemigos. Por medio de la poderosa entonación de Gaya, basada en el cariz del inglés mauriciano, se puede emular la experiencia de las danzas tribales, fijadas en una canción que se sostiene por instantes en el formato pregunta/respuesta, ese que tanto utilizó Kuti en sus trabajos, y que tuviera su versión en el occidente representada en estilos como el góspel.

Para terminar, y acercando posturas con su primer disco, “Katang” (2011), a través del noise y post rock, el grupo británico ubica a “City Thunder” en el lugar más violento en términos vocales para abordar uno de los tópicos del disco: la contradicción entre la vida del campo y la ciudad (“A veces me preocupa dejar mi país / A veces me preocupa que no volveré jamás”). Tanto en este tema como en “Ruby” se ocupan recursos auditivos que plantean el esfuerzo duplicado del trabajo fuera de la zona urbana, o sencillamente la identidad de un lugar determinado, sean aquí los coloridos pueblos de Mauricio, o en Chile algún sector rural del interior, como Christian Hirth y Enrique Siqués, con su dúo Code, dejaran plasmado en el gran documental “A Tempo Real” (2009).

Zun Zun Egui es una banda que, perteneciendo al listado de proyectos musicales nacidos en suelos ingleses, formándose con gente de distinta nacionalidad y tomando prestados los sonidos de cuanto rincón existe, finalmente es omnipresente; este “grupo de árboles” es de aquí, de allá, y de cualquier parte.

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Lee Ranaldo – “Electric Trim”

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La reinvención siempre estará acompañada de un proceso de búsqueda, un viaje donde se pueda llegar al centro del asunto y así esclarecer las ideas para dar el siguiente paso. Bajo ese escenario, Lee Ranaldo optó por alejarse de todo lo que ya había hecho, intentando encontrar un sonido más acústico y dándole un pequeño giro a su proyecto Lee Ranaldo And The Dust. Así fue como el músico lanzó “Acoustic Dust” (2014), donde versionó de un modo más desnudo las canciones de “Last Night On Earth” (2013), único LP de este proyecto. Ese último período supuso un tiempo en España, donde el ex guitarrista de Sonic Youth comenzó a trabajar con el productor Raúl Fernández para trazar las líneas de su siguiente trabajo de estudio, “Electric Trim”, que refleja todo lo aprendido durante este viaje musical.

El sentido introspectivo y personal se siente de inmediato: canciones como “Moroccan Mountains”, “Uncle Skeleton” o “Let’s Start Again” demuestran la melancolía característica en la música del cano guitarrista, quien se apoyó en muchos de sus amigos y colaboradores recurrentes para concebir este trabajo de estudio. Una de esas colaboradoras es la cantante Sharon Van Etten, quien acompaña a Lee en la canción “Last Looks”, con una armonía natural que fluye muy bien, recordando mucho el intercambio que Lou Reed y Nico realizaban en The Velvet Underground. Esto último no es al azar, el propio Ranaldo ha establecido al autor de “Perfect Day” como una de sus inspiraciones más grandes a nivel musical y artístico.

Pese a muchos significados, el título del álbum se puede traducir como “ajuste eléctrico”, algo que refleja muy bien lo que realiza Lee mediante estas composiciones. “Circular (Right As Rain)”, “Electric Trim” y “Purloined” se entreven como un ajuste de la furiosa y estridente composición que el músico deja caer regularmente dentro de sus canciones. Ranaldo siempre fue la parte más “limpia” de Sonic Youth, más melódico y calmo que su compañero Thurston Moore, pero cuando se trataba de meter ruido, lo hacía sin mayores problemas, y lo siguió haciendo también en “Between The Times And The Tides” (2012), el que es, técnicamente, el trabajo que antecede a “Electric Trim” dentro de su carrera solista.

Con un cierre a la altura, “Thrown Over The Wall” se presenta como una canción tranquila y bien estructurada, que va progresando hasta un estado más psicodélico y místico, dando el paso perfecto a la más convencional “New Thing”, donde cada integrante luce perfectamente en lo suyo, con cierto toque de emotividad por su bajo ejecutado por el fallecido Tim Lüntzel, compañero de Ranaldo tanto en The Dust como en su faceta solista. Esta “nueva cosa” puede tener muchos significados, pero lo cierto es que lo referente a internet y los nuevos tiempos en que vivimos es el mensaje principal de una composición que se adorna hermosamente de la voz de Sharon Van Etten, el toque más delicado y dulce dentro de toda esta tempestad tecnológica.

El viaje para auto encontrarse de Ranaldo logra llegar a buen puerto finalmente, ya que se nota claro, seguro y muy conciso en el relato que desarrolla durante el álbum. La madurez musical es evidente y, a pesar de que su trayectoria ya acumula varias décadas, es bueno notar cómo todavía es capaz de hacer fluir su creatividad mediante sus composiciones. Quizás este sea el inicio de un período más melódico y elaborado del músico, dejando un poco atrás el ruido y distorsión de las guitarras afiladas que suele interpretar. No obstante, el resultado es consistente y muy bien estructurado, tanto así, que Ranaldo demostró poder salir de su zona de confort explorando nuevas vías y reglas para entregar su música.

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