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Wolfmother – “Victorious”

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Tras un silencio de tan solo dos años, 2016 marca el regreso de una de las bandas de rock que ha sabido mantener aún aullando el nombre de Australia en la escena mundial del género. Wolfmother vuelve a terreno de la mano de su cuarto LP, con ya dieciséis años de carrera a cuesta. “Victorious” lleva por nombre la actual placa, que continúa la línea cargada al fuzz rock de sus anteriores trabajos. Esta vez con una estética un tanto más calmada, pero manteniendo influencias del rock psicodélico de los años 70, la jauría liderada por Andrew Stockdale en voz y guitarras (único miembro fundador de la agrupación) vuelve a parir su sonido característico, manteniendo a Ian Peres, bajista de los dos últimos discos, pero esta vez sólo realizando registro en las teclas, siendo el mismo Stockdale el encargado de las cuatro cuerdas. Cerrando la sonoridad del power trio, las baterías se dividen en los trabajos realizados por Josh Freese (ex A Perfect Circle, actual Devo) y Joey Waronker (músico de sesión para Paul McCartney, entre otros). En lo que a producción y mezcla refiere, el disco cuenta con el trabajo de Brendan O’Brian, productor ilustre del rock desde fines de los 90 hasta la fecha por sus trabajos con destacadas agrupaciones como Pearl Jam.

wolfmother-01Los poco más de 35 minutos de “Victorious” comienzan de forma potente con el riff de guitarra cargado al stoner y el ensordecedor golpe de platillos de “The Love That You Give”, demostrando de antemano que, pese a la paso del tiempo, la banda insiste en entregar un sonido demoledor, que va más allá de lo melódico. El ímpetu de los australianos sigue en alza con el segundo corte, homónimo al título del LP, y que fue el primer sencillo promocional del mismo. Con una rítmica al más puro estilo del heavy metal sabbathico, un coro acompañado de potentes redobles en la percusión, sumado a abruptos cambios de decibeles en pleno clímax, hacen que “Victorious” sea, sin duda alguna, una de las piezas a destacar dentro del disco.

Las revoluciones bajan un tanto con “Baroness” y su coro cargado a la emotividad, cimentando así la atmósfera más folk con “Pretty Peggy”, en donde la guitarra acústica de Stockdale es protagonista de principio a fin, sumado a las precisas percusiones en los coros que le entregan profundidad a la melodía. La suavidad de estos dos cortes es interrumpida para retomar el rock stoner de ruta con “City Lights”, pista en que la guitarra eléctrica realiza un muy buen juego armónico con el sintetizador de Peres. La cara más pop rock del disco llega a medio tramo con “The Simple Life”, corte con un interludio bastante llamativo, cuya sonoridad envolvente –con interesante trabajo de percusiones– la convierte en un claro ejemplo de lo que hoy en día es el rock de grandes escenarios. Esta faceta popera explota de sobremanera con el séptimo track, “Best Of A Bad Situation”.

wolfmother-02“Gypsy Caravan” y “Happy Face”, dos temas redondos que no descuadran para nada con el resto del disco, fortalecen el sonido fuzz sobre explotado por la distorsión de las guitarras de Stockdale y sus breves pero sagaces solos. Finaliza el disco en su edición normal con “Eye Of The Beholder”, donde la hipnótica melodía líder de la guitarra se roba la película, sumado a un elemento que parece ser la tónica del disco: los cambios de ritmo en la mitad de los temas. Todo el rock desértico continúa de manera cumplidora con la potencia del primer bonus track “Remove Your Mask”, con el sintetizador de fondo entregando una estética setentera. El aullido sonoro de la manada finaliza como corresponde con un segundo bonus en “Wedding” y su coro digno de cualquier estadio repleto.

“Victorious”, si bien posee un sonido más calmo en comparación que su predecesor, “New Crown” (2014), logra con creces mantener la estética dura de una de las bandas más representativas del rock australiano en lo que va del siglo. Las composiciones de Stockdale alcanzan una madurez que le permite pasear por otras sonoridades, manteniendo siempre en alto el aullido estruendoso de la loba mayor. Sin duda alguna, una victoria más en el historial de cacerías de Wolfmother, quienes siempre hibernan para volver con la energía que los caracteriza en cada lanzamiento discográfico.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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