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Ode To Joy Ode To Joy

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Wilco – “Ode To Joy”

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El camino que Wilco ha trazado en sus más de veinte años de carrera es la prueba viviente de unos sobrevivientes del rock & roll. Sin glamour, pasaron adicciones, conflictos y distintas formaciones que han aportado al complejo sonido de una de las bandas más importantes e influyentes de Estados Unidos. Todos esos ingredientes hacen que los originales Tweedy y Stirratt se sientan a sus anchas hace ya bastante tiempo. Desde “Star Wars” (2015), y pasando por el último “Schmilco” (2016), la sutil evolución de Wilco es rica en matices, entendiendo que, junto con el paso del tiempo y la edad, es también su sonido el que se nutre de la experiencia. Más calmos y cautos, llegan con “Ode To Joy”, donde los arranques de guitarras filosas son menores y el desfile de guitarras acústicas de Jeff Tweedy abundan.

No me gusta la manera en que me estás tratando”, son los primeros versos de “Bright Leaves”, una balada de amor / desamor hipnótica y melancólica. Un inicio para nada extraño en el Wilco reinventado. Así prosigue “Before Us” y su percusión casi tribal, acompañada de la mejor poesía: “Ahora, cuando algo está muerto, tratamos de matarlo otra vez”. ¿Será que el ejercicio retrospectivo de Tweedy –dos discos como solista y un libro de memorias– influyó más directamente en el trabajo colectivo de Wilco? Pareciera ser que, en ciertos momentos, pese a no ser novedad que es el cerebro lírico y ejecutivo de la banda, los pasajes de Tweedy son más notorios y explícitos, junto a su decisión de abrazar completamente lo acústico y descansar en el caos que Nels Cline, Pat Sansone y Glenn Kotche se dan el lujo de explotar en chispazos. Mientras que por un lado la voz principal susurra las letras, por el otro la banda hace lo suyo en cortes como “Everyone Hides”, single y canción con más médula Wilco.

Si en “Schmilco” hubo espacio para proponer y explorar con canciones rarísimas, en “Ode To Joy” la banda se funde en la reflexión y sencillez. “Ode To Joy” responde a un contexto social y político del que la banda nunca ha sido ajena, ya sea en sus letras o declaraciones. En esta pasada, el álbum no es confrontacional, sino que se acerca más a un bálsamo; un cálido oasis de canciones agradables y de esperanza, como “One And A Half Stars”.

De ahí en adelante la receta de Wilco transita en un montón de guitarras acústicas, pequeños arreglos electrónicos y unas particulares percusiones que sumergen a las canciones en una onda casera y ligera. El trío final de “We Were Lucky”, el sencillo “Love Is Everywhere (Beware)” y “Hold Me Anyway”, es el momento donde los melancólicos podrán escuchar los solos distorsionados de Nels Cline y los elementos característicos de los que Wilco pareciera querer prescindir por ahora, pero que siguen funcionando gracias a esa esencia que nunca se apagará. Punto aparte para el corte final, “An Empty Corner”, una balada oscura con un Tweedy agotado y agobiado.

“Ode To Joy” es una oda y una invitación a disfrutar de aquella alegría cotidiana que los tiempos difíciles aún no han sido capaces de arrebatarnos, pero también la alegría que no es sólo sinónimo de risas, sino que de soltar y abrazar las emociones, ya que siempre podría ser peor. Wilco no volverá con un nuevo “Yankee Hotel Foxtrot” (2001) ni con la sutileza y densidad de “A Ghost Is Born”, pero sí reaparecerá y se reinventará echando mano a lo mejor que el ruedo les ha entregado: experiencia y claridad.


Ode To JoyArtista: Wilco

Disco: Ode To Joy

Duración: 42:31

Año: 2019

Sello: dBpm Records


https://open.spotify.com/album/0RR7qfOCOOHXbPAO1P3G5b

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Code Orange – “Underneath”

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Underneath

El término mainstream es un foco de observación por el apartado de artistas que pueden ser considerados –independiente de controversias– dentro de ese marco, gracias a la atención recibida y/o por galardones o menciones a nivel mundial dentro de alguna categoría en particular. Teniendo un acercamiento con lo mencionado, el caso de Code Orange va más allá de la accesibilidad: este proyecto se erige por el atrevimiento de reforzar la identidad hardcore punk del grupo con una experimentación llevada a puntos turbulentos, creando trabajos abrasivos, cimentando una carrera visionaria, una que tiene a la evolución musical como estandarte.

Desde su modificación de nombre y salida de “I Am King” (2014), la visceral propuesta de los oriundos de Pennsylvania ha sido tajante durante el desarrollo de una constante reinvención de su sonido, rodeado por un ambiente de crudeza y herramientas que ensamblan electrónicamente con certeza, tomando influencias del metal industrial para que cada pieza signifique un engranaje letal y sugerente. Producto de esto, “Forever” (2017) era la carta de apertura para una masificación sonora y que las alarmas se encendieran ante un trabajo mucho más impredecible, y con una proyección que se refleja en “Underneath”, una aplastante experiencia no exenta de matices alternativos y sombríos.

La abrumadora atmósfera de “(deeperthanbefore)” es un puente ideal a “Swallowing The Rabbit Whole”, machacante expresión que se equilibra entre pasajes desorientadores y retorna a su núcleo de brutalidad asociada al hardcore. En el apartado vocal, Jami Morgan se muestra confrontacional, siendo apoyado por la guitarrista Reba Meyers, quien también aporta a las variaciones en el ritmo y consigue que canciones como “Who I Am” o “Autumn And Carbine” sean muy radicales, fluyendo con el clima sorpresivo.

El vaivén de intensidad es una constante. Los paralelos de incendiarios cortes como “In Fear” y “You And You Alone”, versus “Sulfur Surrounding” y “The Easy Way” (una dupla más alternativa en sus progresiones) resultan sin caer en lo forzado. Atravesando por “Erasure Scan”, la que destacada por su cercanía al metalcore y pone en evidencia los arreglos Eric Balderose, quien toma las funciones de programación y mezcla, produce un inquietante ambiente e hilo conductor que envuelve constantemente los cambios inesperados.

En el último tramo, cada elemento mostrado se va ensamblando en un armado completo como muestra de la experiencia global. Una canción como “Back Inside The Glass”, en su gutural y densa interpretación, potenciada por letales breakdowns de las cuerdas de Meyers, Joe Goldman y Dominic Landolina, puede ser llevada a un espacio más siniestro y alternativo con “A Sliver”, y así, de forma orgánica, conectar con el homónimo cierre.

Es complejo vaticinar el impacto que tendrá este ciclo debido a la mixtura de su contenido. “Underneath” contiene una fórmula eficaz, que la banda utiliza para que su identidad se mantenga desafiante ante cualquier vaticinio de estancamiento o intento por obtener accesibilidad. Con Code Orange no hay garantías, excepto la de un inminente remezón sonoro, como el de este disco.


Artista: Code Orange

Disco: Underneath

Duración: 47:33

Año: 2020

Sello: Roadrunner Records


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