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Warpaint – “Heads Up”

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Desde que sus brillantes trabajos “The Fool” (2010) y el homónimo “Warpaint” (2014) dejaran la vara tan alta en cuanto a calidad musical y experimentación, Warpaint logró posicionarse entre las bandas de las que fans y no tan fans suelen preguntarse habitualmente qué vendrá después, tal como pasa a menudo con músicos del calibre de Björk o Radiohead. Son una caja de pandora. Al respecto, el álbum “Heads Up” sin duda marca un hito en la carrera de la banda, esta vez adentrándose en un sonido más electro y mucho más dance que sus predecesores, pero sin abandonar la impronta sólida que las estadounidenses han sabido construirse de buena manera en su incorporación de elementos del dream pop y del indie.

warpaint-01Las particularidades del disco comenzaron de inmediato con el lanzamiento de su single “New Song”, en agosto de este año, dotando a su nombre de una doble intención: es la “nueva canción” de las estadounidenses y no es cualquier canción, sino una que aborda un sonido electro pop de tomo y lomo, y que, a pesar de inscribirse en una melodía de tipo más “comercial”, conserva tintes que ya son característicos de la banda, como el particular y prolijo uso de armonías en las voces. Esta canción configura un punto de encuentro entre los sonidos habituales del conjunto con un pop de industria que Warpaint incorpora sin molestias y que se encarga de moldear a su antojo, característica que también aparece de notoriamente en “So Good”.

La parte más experimental del disco la ocupan canciones como “By Your Side”, con un tempo lento que se desplaza por sonidos que mantienen un aire oscuro, pero que progresivamente acelera hasta llevarnos a sonidos de tipo dance, aunque con un corte más psicodélico. “Dre” y “Don’t Wanna” aportan un aire de letargo, con tempo bajo y predominancia de lo rítmico. El sonido de los bajos es atmosférico y misterioso, baterías electrónicas, juegos de voces que juegan con sutilidad, sin prisa en terminar. Estas canciones destacan la parte vocal esencial para Warpaint y que se expresa en la primacía de la voz por sobre lo instrumental. Ritmo calmo, arreglos sutiles y elegantes, teclados casi imperceptibles que hacen las bases de capa atmosférica sobre las que se inscribe la música con intenciones rítmicas casi rituales.

warpaint-02“Whiteout” y “Heads Up” destacan como los temas más cercanos al indie rock y al dream pop, donde el álbum aborda un juego constante entre las guitarras con arreglos sutiles que abren el espacio a las melodías lúdicas de batería y una marcada presencia de sintetizadores. En esta misma línea, “The Stall”  y “Above Control” aparecen como dos de los puntos más altos del disco, con cierta cercanía al trip hop y con la aparición de guitarras contrapuntísticas que le dan un sonido que denota destreza y un dominio melódico minucioso; las baterías se muestran más hábiles y marcadas por un ritmo más rápido. La parte más acústica de Warpaint aparece en canciones como “Don’t Let Go”, donde se aproximan al neo-folk y también a un sonido indie moderado, a matices marcados de dream pop y una presencia un poco más notoria de guitarras, aspectos que encontramos también en “Today Dear”, la canción que cierra el disco, con guitarra acústica y la voz predominante que progresivamente adquiere una fuerza, llevándola a sonidos psicodélicos y a atmósferas cálidas que la llenan de una emotividad nostálgica, y donde la voz impecable de Emily Kokal nos pone en contacto con la naturaleza más profundamente emocional de la banda.

“Heads Up” es sin duda un disco multifacético. Demuestra que Warpaint puede desempeñarse de manera impecable en una amplia gama de estilos, pero manteniendo la esencia que la agrupación ha logrado construirse con el tiempo. A pesar de las modificaciones que deciden incorporar para marcar una diferencia con sus álbumes predecesores, las estadounidenses de manera exitosa adecuan estos cambios a una identidad que logra consolidar su carrera, entregando un material fresco que goza de la solidez de un aura que han logrado apropiarse y que nuevamente deja la pregunta: ¿Qué vendrá después de esto?

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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