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Viet Cong – Viet Cong

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Para hablar de la novel banda canadiense Viet Cong, sería conveniente hacer un parangón entre ellos y la historia entre Joy Division y el nacimiento de New Order. Tal como “Movement” (1981) de los mancunianos fue una semilla de duda respecto a si la banda podría ofrecer algo nuevo o viviría siempre a la sombra de su predecesor, el primer EP de la banda, llamado “Cassette” (2013), adoleció de la misma  recepción de la fanaticada, que relacionaba su sonido con el de su banda predecesora, Women, toda vez que dos de sus integrantes, Matt Flegel y Mike Wallace, fueron miembros de ella y participantes activos de la columna sonora del disco, lo que sembraba aún más suspicacias respecto al mencionado EP. La historia cambia de forma muy positiva con la edición del primer trabajo en larga duración.

VIET CONG 01“Viet Cong” es un disco que reúne todas las pequeñas variaciones que el post punk ha tenido con el paso de los años. “Newspaper Spoons” suena como un timbal de concierto ultra amplificado y distorsionado, y junto con “Pointless Experience” comparte una vibra en común que bebe del marcialismo industrial de Death In June, reemplazando las guitarras folkies por una perversión disonante, y entremezclando elementos del krautrock, cuestión que comparte con “March Of Progress”, una canción de seis minutos que conjuga más cambios de los que puede aguantar, la que constantemente está en estado de pre-ebullición hasta que estalla amigablemente en la cara, allá por los cuatro minutos. Impredecible e incontenible, acá es donde líricamente dejan entrever sus propias impresiones e intenciones acerca de lo que la gente espera de este nuevo proyecto, metafóricamente hablando. “Tu reputación te precede / Ya estamos lo suficientemente impresionados / Y toda esta marcha de progreso / Nos puede asegurar un éxito seguro”, es la línea definitiva que marca la idea expuesta.

Un concepto a tener en cuenta para entender un disco por ratos intragable como este, es la ambición musical. Acá hay mucha, y ya se empieza a sentir la mutación del disco en “Bunker Buster”, con juegos de guitarras intercaladas; un track atrevido en su métrica y en su propuesta de ambientes. El otro concpeto, ligado al anteriormente expuesto, tiene que ver con la facilidad con la que conjugan todas las referencias musicales, como los ya mencionados Death In June –en el que Flegel resuena muchas veces a Douglas Pierce, aunque sólo en la primera mitad del álbum-, el indie rock tipo Guided By Voices, o la propuesta post punk frenética que hizo conocidos a sus pares que abusaron muchas VIET CONG 02veces del revival, cuestión patente en “Continental Shelf”, que en términos de pulsión es tensa y disonante, y en lo concerniente al aspecto vocal, se allega tanto a las voces de Paul Banks de Interpol como a Elias Bender Rønnenfelt de Iceage.

El single y punto de mutación (nuevamente), llamado “Silhouettes”, exuda furia punk. Sus bajos remarcados dan cuenta inmediata de la intención de la canción; directa, al menos muchísimo más directa que el resto del álbum, aquí las voces de Flegel abandonan el cuasi canto gregoriano solemne para explorar sus capacidades vocales. De alguna forma Viet Cong se las arregla para crear un disco que, pese a sus múltiples directrices, sus métricas complejas por ratos, y su casi atonalidad, resulta digerible después de varias vueltas.

El cierre magistral viene de la mano de “Death”, una canción fúnebre y densa de once minutos, en la que se suceden episodios de rock relativamente comercial con atmósferas de noise industrial, reverencia perfecta de lo más atronador del catálogo de Throbbing Gristle. A todas luces, el primer trabajo en largo de estos canadienses consigue su objetivo, instalado casi de forma subliminal en letra y música, es decir, mutar el sonido muchas veces inabordable de Women en un producto que fuese accesible y armonioso, sin perder la ambición estructural ni el hambre creativa, musicalmente hablando.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. janito

    06-Mar-2015 en 9:56 pm

    Y el Maestro Wilson para cuando?

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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