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Venom – From The Very Depths

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Cuando una banda consagrada edita un nuevo álbum, pone de manifiesto uno de los principales problemas y objeto de discusión entre músicos y fans: la tensión entre mantenerse igual y no transar, o bien buscar esa evolución artística que es tan esquiva y que necesariamente implica cambio. Ambos caminos tienen sus riesgos, puesto que la eterna repetición llega a cansar los oídos, hace caer al artista en el olvido y lo deja en la lista de los prescindibles. Por otra parte, la búsqueda constante de nuevos elementos puede afectar el núcleo de su música, impidiendo la formación de un sonido perdurable. Pero el caso de Venom es distinto: con apenas tres álbumes en sus primeros tres años de existencia, no sólo logró crear un sonido propio, sino que además influyó en bandas como Metallica o Slayer, hecho que por sí solo nos habla de su trascendencia. En consecuencia, llegó a convertirse en una banda indispensable en cualquier catálogo de metal y en una fuente de inspiración activa para aquellos de sonidos más temerarios.

VENOM 01A pesar de los anterior, es válido preguntar si el ascendiente de la banda no se vio alterado por la accidentalidad de sus otros trabajos, los que, si bien es cierto que no carecen de calidad, no alcanzaron los estertores de los tres primeros, subsumiéndola en un viaje que muchas veces se volvió árido y con algunos pasos en falso, como “Calm Before The Storm” (1987). En ese sentido, “The Fallen Angels” (2011) logró enrielarlos a un sonido más conectado a sus raíces. Y justamente, en esa senda sigue “From The Very Depths”, que busca consolidar el absoluto reconocimiento de Venom como banda ícono. En ese contexto, es dable señalar que en este álbum se encuentran todos aquellos elementos que distinguen a la banda: la blasfemia de sus letras, la simpleza y crudeza de sus riffs y esa actitud punk, todo lo cual da forma a la idea detrás del disco: esto es Venom y se hará música extrema, sin complicaciones, aunque con algunos matices más modernos que no siempre funcionan, poniendo de relieve la resistencia natural que se produce entre lo tradicional y lo innovador.

Y así, el primer tema reúne todos los componentes habituales de la banda: comienza de forma furiosa para dar paso a un solo de guitarra ejecutado en forma correcta, mientras un riff al estilo más clásico suena imponente. Cronos por su parte, demuestra que, si bien no posee ningún registro vocal técnicamente envidiable, sabe que lo suyo es aquella garganta afectada, ideal para transmitir la idea de adoración satánica. Lo mismo sucede en la tenebrosa “Evil Law”, uno de los puntos altos, en donde la atmósfera que crea el vocalista nos hace pensar que canta desde profundidades lejanas. Análogos en contenido, aunque con riffs más frescos y efectivos, son los temas “Mephistopheles” y “Stigmata Satanas”. Otro hito es la canción “Smoke”, la cual incorpora apropiadamente ritmos más pausados al sonido de Venom.

VENOM 02En otro orden de ideas, existen composiciones en que predomina aquel rock pesado que los acerca a bandas como Motörhead. Es el caso de “Long Haired Punks” o “The Death Of Rock ‘N’ Roll”, en donde –a pesar que no existen puntos bajos- tampoco añaden algo novedoso a su inventario musical. De hecho, el riff principal de “Long Haired Punks” recuerda mucho a la icónica “Witching Hour”, posiblemente un pequeño guiño del grupo, que no alcanza para convertirse en autoplagio. Ya avanzado en el trayecto que propone el disco, existen algunos temas que, si bien pasan el test de calidad, no tributan de la forma que se esperaría. Por ejemplo, en “Grinding Teeth”, Cronos suena similar a Chuck Billy, aspecto innecesario si se consideran los recursos a los cuales pueden echar mano. De todas formas, es necesario remarcar que estos temas son de buena factura, sólo con reparos respecto a innovaciones menores que no terminan de encajar.

En esta, su decimocuarta placa, Venom sabe combinar acertadamente –aunque de manera conservadora- el núcleo de su música con algunos tintes más actuales, estableciendo que se puede innovar sin dejar de entregar la acostumbrada ferocidad que les ha permitido ser considerados como agrupación ilustre. La fórmula, en todo caso, no es pacífica, pues existen pequeños yerros en la ejecución, los que no empañan el resultado final: un disco sólido, no al nivel de los primeros, pero sí por sobre la media de lo que existe hoy en día. En este aspecto, “From The Very Depths” debiese consolidar aún más a Venom en el sitial de los grandes –en donde se encuentra desde hace más de treinta años-, junto con granjearles un público nuevo que pueda reconocer en ellos las raíces más profundas del metal.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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