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Umbra Vitae – “Shadow Of Life”

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La vida es un camino de luces y sombras, donde aquellos pasajes más lúgubres suelen verse desde una óptica negativa y esquiva, principalmente para la cultura occidental. Pese a su mala fama, los momentos oscuros también traen consigo grandes oportunidades de crecimiento. Ese es el planteamiento que se recoge de los alaridos de “Shadow Of Life”, el debut de un proyecto que, junto con dar forma a un puñetazo sonoro, entrega un vistazo desprejuiciado hacia las profundidades del interior. Umbra Vitae cabe dentro de lo que se denomina como “superbanda”. Conformados por Mike McKenzie, Sean Martin, Gregory Weeks, Jon Rice y Jacob Bannon, la agrupación reúne a músicos de insignes nombres dentro del metal, tales como The Red Chord, Converge, Hatebreed y Uncle Acid. Pese a venir de distintos subgéneros, el objetivo musical de este debut es evidente: una pieza contundente de death metal, donde no hay espacio para mayores pretensiones que ofrecer un sonido demoledor y conciso.

Lo primero que llama la atención en “Shadow Of Life” es su carácter sucinto. En menos de treinta minutos, el quinteto de Boston se las arregla para entregar una sucesión de agresividad ascendente a lo largo de un álbum que, pese a ser breve, no carece de precisión y técnica. El carácter tosco y fulminante del sonido es donde reluce la raíz punk de algunos miembros, en gran parte gracias a la producción arrolladora de Kurt Ballou, guitarrista de Converge y arquitecto de un sinnúmero de bandas sindicadas dentro del hardcore.

El álbum se compone de diez canciones que destacan por la cacofonía de sus títulos. La apertura disonante de “Decadence Dissolves” es sólo una corta transición para dar paso a la agresividad incesante con “Ethereal Emptiness”. Más allá de valorar la evidente fuerza instrumental del conjunto, las reflexiones que se desprenden de las letras lo hacen una obra mucho más interesante y coherente con el imaginario abismal del álbum. “Debemos abrazar la próxima era del vacío etéreo”, repite al cierre del segundo track, mientras que “Atheist Aesthetic” se erige como una declaración directa a derribar los dogmas. La problematización hacia las instituciones religiosas continúa con “Mantra Of Madness”, donde las letras de Bannon entregan una visión desapegada de la existencia, entendiendo la muerte como parte de un ciclo natural, junto con el desinterés por una vida extraterrenal. En la misma tónica, “Fear Is A Fossil” plantea la fe como un territorio donde se alojan los miedos, el mayor supresor del progreso interior.

La segunda mitad de la placa muestra aquellas influencias directas del death metal clásico, como, por ejemplo, el afilado tremolo durante “Intimate Inferno” o el ritmo denso de “Blood Blossom”. Para cerrar el disco, “Shadow Of Life” reúne en forma y fondo los lineamientos de la obra en un último golpe de cierre, replanteando aquella mirada hacia la oscuridad, sentenciando de forma definitiva: “Las sombras algún día vendrán por ti”.

Si bien, se trata de un proyecto que reúne elementos de hardcore y death metal, Umbra Vitae llama la atención por ejecutar un sonido que evita los clichés ya bastante repetidos dentro del deathcore. En cuanto a su contenido, “Shadow Of Life” entiende la oscuridad y la muerte bajo una mirada bastante particular. Lejos de los estigmas y temores instaurados, es una invitación a abrazar el vacío sin miedos ni engaños.


Artista: Umbra Vitae

Disco: Shadow Of Life

Duración: 25:57

Año: 2020

Sello: Deathwish


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Florence + The Machine – “Dance Fever”

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Dance Fever

“Dance Fever”, el nuevo disco de Florence + The Machine, funciona al menos en dos niveles: por una parte, y como su nombre lo indica, es una declaración de amor al baile y a la música en general y, por otra, podemos considerarlo como una especie de diario o crónica de la pandemia, con el encierro como uno de sus motivos principales. Lo anterior lo vuelve en un disco intimista por momentos, mientras que en otros parece abrirse hacia el afuera, como si de un momento a otro la cuarentena hubiera acabado. Esto también genera varios contrastes entre las dos caras presentadas, condición dual que parece verse acrecentada por el hecho de que el disco cuente con dos productores, quienes se ven cada uno asociado a una de estas facetas del disco respectivamente.

En lo relacionado estrictamente al sonido, hay canciones donde las guitarras juegan un rol más protagónico que en sus discos anteriores, imponiéndose sobre los pianos que marcaban a sus predecesores. Hay momentos en los que la voz de Florence está apenas acompañada por instrumentación, como en algunos pasajes de “Free”, o más notablemente en “Back In Town”, donde de la voz adquiere un indisputado protagonismo, irguiéndose épica e íntima a la vez, casi como un discurso religioso o una confesión. Este dejo espiritual es algo que también atraviesa al álbum en su totalidad, como lo demuestran “Girls Against God”, “Dream Girl Evil” y “Prayer Factory”. La primera es una canción pandémica, donde, desde las cosas cotidianas, la voz se queja a Dios por la situación de encierro que la aleja de su vida creativa; “Dream Girl Evil”, por su parte,  se enlaza con “King” (que abre el disco) al tratar ambas de las ideas que la sociedad impone a las mujeres, “King” refiriéndose sobre todo a la maternidad versus la carrera artística (“No soy madre / No soy novia / Soy rey”), mientras la otra funciona irónicamente, y donde Florence asume las cargas negativas impuestas y las subvierte para hacerlas propias.

La que parece abrir una nueva sección del disco es “Cassandra”, con un acercamiento al mito griego relacionándolo con la pandemia del Covid-19. El track también recupera el tópico de la música como un espacio curador y necesario para la artista, motivo ya tratado en “King”, “Free” y “Choreomania”, aunque esta vez centrado específicamente en la conexión música-espectador. Si aquí vemos a una Florence alejada de su capacidad de relacionarse con el público por las condiciones del encierro, esto se profundiza en “Heaven Is Here”, una canción que no llega a los dos minutos de duración, pero que condensa buena parte de lo que “Dance Fever” tiene para ofrecer: preguntas sobre la espiritualidad y la religión, cuestionamiento de lo asociado a lo femenino y la relevación de la música como parte fundamental de la persona de Florence: “Y cada canción que escribí se convirtió en una cuerda de escape / Atada alrededor de mi cuello para llevarme al cielo”. “Daffodill” cierra esta tríada con una especie de renacimiento de la artista; también inspirada parcialmente en la mitología griega, esta parece ser el renacimiento de la compositora como una figura poderosa y sobrenatural, todo en relación con la música, haciéndose mítica a sí misma.

“My Love” es el corte más típicamente bailable, donde el sonido parece un poco fuera de lugar con el ánimo que venía arrastrando el disco, pero que, aun así, mantiene el tono en lo que a la letra respecta. De esta forma, la canción se levanta como el momento más cercano a un pop de radio y fiestas, pero con una Florence cantando acerca de la imposibilidad de encontrar un lugar donde depositar el amor que siente, asociado esto nuevamente a la condición del encierro obligatorio. “The Bomb” vuelve a la pausada intimidad de los primeros cortes para hablar de la incapacidad de encontrar lugares o personas adecuadas donde llevar estos sentimientos, en una confesión de los problemas de la artista para poder establecer relaciones reales y duraderas. En la misma tónica, llegamos al final del disco con “Morning Elvis”, que nos relata una pequeña anécdota de Florence no siendo capaz de ir a Graceland para ver la tumba de Elvis Presley debido a una terrible resaca. Aquí se hace un paralelismo entre la figura del “Rey del Rock” y la propia Florence, ambos retratados en su carácter de estrellas con problemas de adicción, una con mejor final que el otro, esto gracias a la relación con la música que una vez más se muestra como la salvadora a un nivel personal de la artista.

“Dance Fever” es un disco que funciona perfectamente en lo que se propone, en el que, sin embargo, hay un par de momentos que parecen no estar del todo bien incorporados a la totalidad del álbum. Más allá de esto, el quinto larga duración de Florence + The Machine es una gran demostración de su talento y versatilidad, lo que dejará contentos tanto a sus fans ya convencidos como a quiénes no estén tan familiarizados con la obra de la artista inglesa y sus músicos.


Dance FeverArtista: Florence + The Machine

Disco: Dance Fever

Duración: 47:12

Año: 2022

Sello: Polydor


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