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Truckfighters – “V”

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Cuando se habla de Suecia y rock en conjunto, lo primero que se viene a la mente es la basta tradición de metal extremo existente en este punto de Europa. Por su parte, si se habla del genero stoner, se suele asociar a climas desérticos y no a la tundra polar sueca. Bajo estos dos puntos, no es menor destacar cómo Truckfighters ha sabido conjugar ambos paradigmas con tan buenos resultados. Este 2016, con ya quince años de trayectoria y cuatro LPs previos, nos brindan su apuesta más osada y ambiciosa: “V”, un disco que explora el universo del rock progresivo sin abandonar las arenas del fuzz rock.

truckfighters-01Bajo un clima de sosiego, “Calm Before The Storm” da inicio al LP privilegiando el factor melódico; la templanza en la voz y el sereno bajo de Oskar ‘Ozo’ Cedermalm dan la impresión de estar presenciando el canto de un mantra, de no ser por las momentáneas variaciones de intensidad en el interludio y el fin del tema, en donde aflora una estética más símil a lo que se acostumbra oír del trío. Mucho más duro que su antecesor, pero manteniendo diálogos inquebrantables con lo melódico, el segundo corte, “Hawkshaw”, entrega una descarga más concisa y potente de fuzz rock, donde el bajo fuertemente distorsionado es protagonista de principio a fin. Con la llegada del tercer track pareciese que el disco en conjunto avanza en intensidad. De una línea stoner más clásica por el carácter de sus riffs –ojo con el trabajo en guitarras de  Niklas ‘Dango’ Källgren, “The 1” es el track más demoledor de la quinta entrega de los suecos: los seis minutos que la componen son adrenalina pura, lo cual encuentra más correlato con el trabajo de discos anteriores, como “Universe” de hace sólo dos años.

A medio camino, se explicita claramente la propuesta progresiva del disco. “Gehenna” es una demostración de la calidad técnica del baterista Daniel ‘El Danno’ Israelsson, por la complejidad de los ritmos interpretados, además de contar con figuras melódicas con cierto misticismo, lo que genera una atmósfera que hace juego perfecto con el significado de su nombre –Gehenna es el infierno en la religión judía–. Más vanguardista aun es “The Contract”, tema que continúa con la estética mesiánica anterior. Hay acá una clara influencia del metal progresivo y sombrío de Tool en el despliegue de la guitarra de ‘Dango’; es cosa de poner atención al riff principal. Lo anterior, sumado a los bien logrados coros, hace de este el tema más interesante de “V”.

truckfighters-02“Fiend”  es un tema más acelerado que sus compañeros de disco, que si bien lo hace más tradicional al sonido de la banda, mantiene los guiños progresivos –sobre todo en el interludio– por el buen juego en la batería de “El Danno” y la comunión en las figuras melódicas de los instrumentos de cuerda. Luego de esto, el larga duración culmina con “Storyline”, un track de atmósfera stoner cargada al doom metal –por lo pausado de los riffs–, pero que sorprende por sus cambios a formato acústico. Son estos vaivenes entre intensidad y calma que lo hacen otro de los puntos a destacar dentro de esta entrega, cumpliendo de forma redonda la responsabilidad de cerrar un disco, por decirlo de alguna forma, osado.

La propuesta sin duda ha sido rupturista para la banda; temas de largo aliento con variaciones rítmicas constantes y predominio de complejos pasajes instrumentales hacen pensar a una agrupación totalmente diferente en comparación a la que hace poco más de una década lanzaba su primer larga duración, “Gravity X” (2005). Pese a que por momentos pueda parecer un disco un tanto monótono, “V” logra posicionar de forma victoriosa a una corriente del stoner que se venía construyendo con tiempo desde el underground y engloba el gran pasar que vive hoy el trío sueco (quienes también sacaron un disco en vivo durante los primeros meses de 2016), lo que nos deja alerta a los movimientos de quienes demostraron con creces su capacidad para romper los parámetros de un estilo tan dogmático como lo es el stoner.

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Florence + The Machine – “Dance Fever”

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Dance Fever

“Dance Fever”, el nuevo disco de Florence + The Machine, funciona al menos en dos niveles: por una parte, y como su nombre lo indica, es una declaración de amor al baile y a la música en general y, por otra, podemos considerarlo como una especie de diario o crónica de la pandemia, con el encierro como uno de sus motivos principales. Lo anterior lo vuelve en un disco intimista por momentos, mientras que en otros parece abrirse hacia el afuera, como si de un momento a otro la cuarentena hubiera acabado. Esto también genera varios contrastes entre las dos caras presentadas, condición dual que parece verse acrecentada por el hecho de que el disco cuente con dos productores, quienes se ven cada uno asociado a una de estas facetas del disco respectivamente.

En lo relacionado estrictamente al sonido, hay canciones donde las guitarras juegan un rol más protagónico que en sus discos anteriores, imponiéndose sobre los pianos que marcaban a sus predecesores. Hay momentos en los que la voz de Florence está apenas acompañada por instrumentación, como en algunos pasajes de “Free”, o más notablemente en “Back In Town”, donde de la voz adquiere un indisputado protagonismo, irguiéndose épica e íntima a la vez, casi como un discurso religioso o una confesión. Este dejo espiritual es algo que también atraviesa al álbum en su totalidad, como lo demuestran “Girls Against God”, “Dream Girl Evil” y “Prayer Factory”. La primera es una canción pandémica, donde, desde las cosas cotidianas, la voz se queja a Dios por la situación de encierro que la aleja de su vida creativa; “Dream Girl Evil”, por su parte,  se enlaza con “King” (que abre el disco) al tratar ambas de las ideas que la sociedad impone a las mujeres, “King” refiriéndose sobre todo a la maternidad versus la carrera artística (“No soy madre / No soy novia / Soy rey”), mientras la otra funciona irónicamente, y donde Florence asume las cargas negativas impuestas y las subvierte para hacerlas propias.

La que parece abrir una nueva sección del disco es “Cassandra”, con un acercamiento al mito griego relacionándolo con la pandemia del Covid-19. El track también recupera el tópico de la música como un espacio curador y necesario para la artista, motivo ya tratado en “King”, “Free” y “Choreomania”, aunque esta vez centrado específicamente en la conexión música-espectador. Si aquí vemos a una Florence alejada de su capacidad de relacionarse con el público por las condiciones del encierro, esto se profundiza en “Heaven Is Here”, una canción que no llega a los dos minutos de duración, pero que condensa buena parte de lo que “Dance Fever” tiene para ofrecer: preguntas sobre la espiritualidad y la religión, cuestionamiento de lo asociado a lo femenino y la relevación de la música como parte fundamental de la persona de Florence: “Y cada canción que escribí se convirtió en una cuerda de escape / Atada alrededor de mi cuello para llevarme al cielo”. “Daffodill” cierra esta tríada con una especie de renacimiento de la artista; también inspirada parcialmente en la mitología griega, esta parece ser el renacimiento de la compositora como una figura poderosa y sobrenatural, todo en relación con la música, haciéndose mítica a sí misma.

“My Love” es el corte más típicamente bailable, donde el sonido parece un poco fuera de lugar con el ánimo que venía arrastrando el disco, pero que, aun así, mantiene el tono en lo que a la letra respecta. De esta forma, la canción se levanta como el momento más cercano a un pop de radio y fiestas, pero con una Florence cantando acerca de la imposibilidad de encontrar un lugar donde depositar el amor que siente, asociado esto nuevamente a la condición del encierro obligatorio. “The Bomb” vuelve a la pausada intimidad de los primeros cortes para hablar de la incapacidad de encontrar lugares o personas adecuadas donde llevar estos sentimientos, en una confesión de los problemas de la artista para poder establecer relaciones reales y duraderas. En la misma tónica, llegamos al final del disco con “Morning Elvis”, que nos relata una pequeña anécdota de Florence no siendo capaz de ir a Graceland para ver la tumba de Elvis Presley debido a una terrible resaca. Aquí se hace un paralelismo entre la figura del “Rey del Rock” y la propia Florence, ambos retratados en su carácter de estrellas con problemas de adicción, una con mejor final que el otro, esto gracias a la relación con la música que una vez más se muestra como la salvadora a un nivel personal de la artista.

“Dance Fever” es un disco que funciona perfectamente en lo que se propone, en el que, sin embargo, hay un par de momentos que parecen no estar del todo bien incorporados a la totalidad del álbum. Más allá de esto, el quinto larga duración de Florence + The Machine es una gran demostración de su talento y versatilidad, lo que dejará contentos tanto a sus fans ya convencidos como a quiénes no estén tan familiarizados con la obra de la artista inglesa y sus músicos.


Dance FeverArtista: Florence + The Machine

Disco: Dance Fever

Duración: 47:12

Año: 2022

Sello: Polydor


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